Crítica Técnica: Lady Macbeth (William Oldroyd, 2016), por Daniel Esteves de Barros

Crítica Técnica: Lady Macbeth (William Oldroyd, 2016),

Por Daniel Esteves de Barros

Nota: ★★★★☆

Há algo particularmente fascinante na literatura: certas personagens deixam de pertencer às obras que as originaram para converter-se em arquétipos culturais. Lady Macbeth é uma delas. Criada por William Shakespeare, ela ultrapassou os limites da tragédia elisabetana para tornar-se a personificação da ambição desmedida, da manipulação psicológica e da degradação moral decorrente da busca irrestrita pelo poder. Ao longo dos séculos, sua influência atravessou inúmeras manifestações artísticas, entre elas a novela homônima de Nikolai Leskov, que, posteriormente, serviria de inspiração para Lady Macbeth (2016), dirigido por William Oldroyd.

Embora dialogue diretamente com Shakespeare, a obra jamais pretende adaptar Macbeth. Seu interesse reside justamente na inversão do paradigma dramático. Enquanto a tragédia shakespeariana constrói um percurso em que a culpa corrói lentamente seus protagonistas, culminando numa inevitável punição moral, a adaptação de Oldroyd parte do mesmo arquétipo apenas para desconstruí-lo. O resultado é um estudo clínico sobre a transformação da opressão em perversidade, recusando deliberadamente qualquer conforto ético ou possibilidade de redenção.

À primeira vista, o filme parece encaminhar-se para um drama social acerca da condição feminina na Inglaterra rural do período vitoriano. Katherine surge aprisionada em um casamento absolutamente desprovido de afeto, reduzida à condição de propriedade dentro de uma estrutura patriarcal em que sua existência possui valor estritamente patrimonial. Em uma das passagens mais cruéis do roteiro, o marido afirma que seu pai a adquiriu juntamente com um pedaço de terra improdutivo, sintetizando, em uma única frase, a completa objetificação da personagem.

Oldroyd traduz essa opressão menos pelo discurso do que pela linguagem cinematográfica. A mise-en-scène constrói uma prisão invisível. Frequentemente, Katherine é enquadrada em planos gerais profundamente estáticos, observada à distância através de portas, corredores e molduras arquitetônicas que fragmentam o espaço cênico. A câmera posiciona o espectador como um observador clandestino, incapaz de estabelecer qualquer proximidade emocional com aquela figura isolada. O vazio espacial torna-se, assim, uma extensão física do vazio existencial da protagonista.

A fotografia reforça continuamente esse estado psicológico. A iluminação naturalista privilegia zonas de penumbra que envolvem Katherine sempre que ela divide quadro com o marido, enquanto as áreas mais iluminadas permanecem reservadas aos ambientes exteriores ou aos personagens que exercem autoridade sobre ela. Não se trata apenas de um contraste lumínico; trata-se da visualização plástica de uma subjetividade condenada ao confinamento.

Essa elaboração visual alcança seu ápice na perturbadora sequência em que Katherine permanece nua diante do marido, que prefere contemplá-la como objeto de satisfação voyeurística a estabelecer qualquer contato físico com ela. O corpo feminino jamais é erotizado pela câmera. Pelo contrário, torna-se um elemento cenográfico inserido num quadro de absoluta desumanização. A composição visual, aliada ao rigor da iluminação, transforma a cena numa das mais violentas do filme precisamente porque sua violência é psicológica, jamais espetacularizada.

Se a imagem comunica o aprisionamento, o desenho sonoro traduz o vazio afetivo daquela residência. A mixagem praticamente elimina qualquer camada musical durante boa parte da projeção, permitindo que ruídos cotidianos assumam protagonismo dramático. O eco dos passos pelos corredores, o movimento dos ponteiros dos relógios, o ranger da madeira e o silêncio quase absoluto convertem a casa numa presença narrativa. O espaço deixa de funcionar como simples cenário para transformar-se num organismo morto, incapaz de produzir qualquer manifestação de calor humano.

O design de produção segue exatamente essa mesma lógica. A residência exibe riqueza material inquestionável, mas seus móveis envelhecidos, sua decoração austera e a ausência completa de qualquer sinal de acolhimento revelam uma aristocracia emocionalmente apodrecida. A decadência moral da família manifesta-se antes na textura dos ambientes do que propriamente nos diálogos.

É justamente nesse ponto que reside a grande armadilha narrativa do filme.

Durante aproximadamente metade da projeção, o espectador acredita acompanhar o nascimento de uma pequena revolução feminina. Tudo parece indicar que Katherine encontrará na emancipação uma forma de romper as estruturas patriarcais que a aprisionam. Entretanto, William Oldroyd subverte completamente essa expectativa. À medida que as figuras masculinas desaparecem temporariamente da propriedade, não emerge uma mulher libertada, mas sim uma personalidade cuja ausência absoluta de limites morais revela-se progressivamente assustadora.

A transformação psicológica da protagonista constitui o maior triunfo dramatúrgico da obra. O roteiro evita rupturas bruscas, preferindo construir uma escalada gradual na qual cada nova decisão parece nascer organicamente da anterior. A mutação nunca soa artificial nem acelerada. Pelo contrário, sua evolução obedece a uma lógica interna extremamente precisa, permitindo que o espectador testemunhe, quase imperceptivelmente, a substituição da vítima pela predadora.

Florence Pugh oferece uma atuação extraordinária justamente porque compreende que essa metamorfose jamais poderia ser exteriorizada por grandes explosões dramáticas. Sua composição fundamenta-se em pequenas alterações de comportamento: discretas mudanças no timbre vocal, pausas cuidadosamente calculadas, microexpressões faciais, olhares prolongados e uma economia gestual que transforma qualquer sorriso ou lágrima em elementos profundamente ambíguos. Poucas interpretações contemporâneas exploram com tamanha precisão a fronteira entre sinceridade e manipulação.

Em diversos momentos, torna-se impossível determinar se Katherine realmente sofre ou apenas representa sofrimento. Quando chora, nunca há certeza de que suas lágrimas sejam autênticas. Quando sorri, a felicidade frequentemente nasce da percepção de que seus planos caminham exatamente conforme imaginado. A personagem passa a existir num território moral completamente opaco, onde cada gesto parece simultaneamente verdadeiro e calculado.

É justamente essa ambiguidade que distancia definitivamente Katherine de sua ancestral shakespeariana. Lady Macbeth manipula Macbeth, mas posteriormente sucumbe ao peso insuportável da culpa. Katherine, ao contrário, parece gradualmente eliminar qualquer vestígio de consciência moral. Sua trajetória não é a do arrependimento, mas a da dessensibilização progressiva.

Nesse sentido, Lady Macbeth abandona a estrutura trágica clássica para aproximar-se muito mais do thriller psicológico. A narrativa deixa de investigar a opressão feminina como fim em si mesma e passa a analisar um fenômeno infinitamente mais desconfortável: a possibilidade de que o sofrimento não produza virtude, mas apenas novos mecanismos de violência.

Essa inversão constitui o aspecto mais provocador do filme. Oldroyd recusa qualquer leitura simplificadora baseada na dicotomia entre opressores e oprimidos. Seu interesse está justamente em demonstrar que a condição de vítima jamais funciona como garantia de integridade moral. Katherine não se torna monstruosa porque foi oprimida; apenas encontra na ausência de barreiras a oportunidade de revelar aquilo que sempre esteve latente.

A montagem acompanha essa transformação com admirável discrição. Não há aceleração artificial nem prolongamentos desnecessários. Com pouco mais de noventa minutos, o filme encontra um raro equilíbrio entre síntese narrativa e aprofundamento psicológico, evitando tanto a lentidão frequentemente associada ao drama britânico quanto o excesso de acontecimentos típico dos thrillers convencionais.

Os minutos finais representam o ápice dessa construção. Sem recorrer a grandes reviravoltas ou explosões melodramáticas, Oldroyd conduz o espectador a um estado de profundo desconforto ético. O cinismo da protagonista torna-se tão absoluto que a conclusão adquire uma violência essencialmente moral. A indignação nasce não do que acontece, mas da absoluta indiferença com que tudo acontece.

É justamente nesse desfecho que a referência shakespeariana encontra sua ruptura definitiva. Se Lady Macbeth termina consumida pela culpa, Katherine permanece aprisionada apenas em seu próprio vazio moral. Não há catarse, não há expiação, tampouco restauração da ordem ética. Existe apenas a amarga constatação de que a História frequentemente recompensa os mais cruéis enquanto reserva aos mais frágeis o peso das consequências.

William Oldroyd realiza, assim, uma obra cuja força não reside na denúncia social nem na simples crítica ao patriarcado, embora ambos os elementos estejam presentes. Seu verdadeiro interesse consiste em investigar a natureza profundamente ambígua do poder e a facilidade com que a liberdade, quando desvinculada de qualquer princípio moral, pode converter-se em instrumento de destruição.

Com uma mise-en-scène rigorosamente calculada, fotografia austera, desenho sonoro exemplar, direção de atores irrepreensível e uma atuação monumental de Florence Pugh, Lady Macbeth transforma um arquétipo literário secular numa das mais inquietantes personagens do cinema contemporâneo. Um thriller psicológico elegantemente construído, de ironia devastadora, cuja frieza permanece ecoando muito depois do encerramento da projeção.