Crítica Técnica: Devoradores de Estrelas (Phil Lord e Christopher Miller, 2026), por Daniel Esteves de Barros

 Crítica Técnica: Devoradores de Estrelas (Phil Lord e Christopher Miller, 2026)

por Daniel Esteves de Barros

Nota: ★★★★☆ (4/5)

A adaptação cinematográfica de Project Hail Mary — distribuída no Brasil sob o título Devoradores de Estrelas — configura-se como um exercício singular de sustentação narrativa centrada na performance, ancorada de maneira quase integral na corporeidade e expressividade do protagonista interpretado por Ryan Gosling. Trata-se de uma obra cuja espinha dorsal dramatúrgica repousa sobre uma aplicação prática dos princípios do Sistema Stanislavski, sobretudo no que concerne à construção de uma interioridade verossímil em condições de isolamento extremo.

A mise-en-scène, deliberadamente rarefeita em termos de interação humana, impõe ao ator a responsabilidade de preencher o vazio diegético com microgestualidade, ritmo interno e variações tonais que impedem a estagnação dramática. Gosling mobiliza um repertório híbrido: por um lado, adota uma fisicalidade que remete ao slapstick clássico — evocando diretamente a tradição dos irmãos Marx, especialmente Groucho Marx — e, por outro, equilibra esse registro com um timing cômico contemporâneo, fortemente dependente da verbalização e da autoconsciência do personagem.

O resultado é uma performance que oscila com fluidez entre o cômico e o dramático, sem ruptura perceptível de registro, o que evidencia um domínio técnico considerável. A atuação não apenas sustenta o filme, mas também redefine sua cadência: o tempo narrativo passa a ser regulado pela respiração do ator, e não por dispositivos clássicos de montagem ou progressão de enredo.

A introdução do segundo eixo dramático — materializado por uma entidade em CGI — desloca o filme de um monólogo performativo para uma dialética relacional. A construção dessa alteridade é particularmente bem-sucedida no campo da semiótica da comunicação: o filme dramatiza o surgimento de uma proto-linguagem entre duas inteligências radicalmente distintas, evocando processos históricos de contato intercultural. Há aqui uma dimensão quase antropológica, na qual o cinema simula o nascimento da diplomacia entre civilizações.

Essa relação, construída com notável organicidade, contrasta fortemente com obras similares, como Spaceman, protagonizado por Adam Sandler, cuja interação entre humano e entidade alienígena carece de densidade afetiva e química dramática. Em Project Hail Mary, ao contrário, a alteridade não é apenas funcional ao enredo, mas estruturante da experiência emocional do espectador.

Do ponto de vista temático, o filme tangencia discussões filosóficas relevantes — como a tensão entre ciência e transcendência —, porém opta por uma abordagem superficial. A ausência de aprofundamento no debate metafísico, especialmente em torno da ideia de Deus sob a ótica de uma cientista, revela uma escolha consciente por acessibilidade narrativa. Tal decisão, embora amplie o alcance do filme, limita seu potencial enquanto ficção científica especulativa no sentido mais rigoroso do termo.

Nesse aspecto, a obra se afasta de paradigmas mais densos do gênero, como 2001: A Space Odyssey, de Stanley Kubrick, cuja estrutura simbólica permite múltiplas leituras — inclusive sob uma chave nietzschiana de evolução humana. Project Hail Mary prefere a simplificação conceitual: transforma uma premissa cosmológica complexa em um dispositivo narrativo de fácil assimilação, o que, embora eficaz em termos de engajamento, reduz a profundidade epistemológica da obra.

Tecnicamente, contudo, o filme apresenta momentos de excelência. A fotografia explora uma paleta cromática que alterna entre verdes, vermelhos e tons rosados, criando atmosferas que flertam com o expressionismo cromático e evocam, em determinados momentos, a experiência sensorial de distorção espaço-temporal observada em 2001. 

A direção de arte, por sua vez, destaca-se na concepção de ambientes alienígenas, especialmente na construção de espaços orgânicos e translúcidos que sugerem uma tecnologia não antropocêntrica.

Há, entretanto, fragilidades no campo da verossimilhança interna: a coexistência de uma civilização aparentemente simples com um nível tecnológico avançado não é plenamente justificada, gerando ruídos na lógica diegética.

A direção opta por um registro relativamente conservador, evitando interferir excessivamente na performance de Gosling. Essa escolha, embora limite a inventividade formal, demonstra uma compreensão clara da hierarquia dos elementos narrativos: o filme reconhece sua dependência do ator e organiza sua gramática visual em função disso. Nesse sentido, aproxima-se de obras como 127 Hours, de Danny Boyle, ainda que com maior contenção estilística.

Em síntese, Project Hail Mary configura-se como uma ficção científica eminentemente humanizada — talvez uma das mais humanizadas do cinema contemporâneo —, cuja força reside na intersecção entre performance e afetividade. Se, por um lado, carece de maior densidade conceitual, por outro, compensa essa lacuna com uma construção emocional eficaz e uma atuação central de altíssimo nível.