🎬 Crítica Técnica: O Morro dos Ventos Uivantes (Emerald Fennell, 2026), por Daniel Esteves de Barros.

🎬 Crítica Técnica: O Morro dos Ventos Uivantes (Emerald Fennell, 2026), por Daniel Esteves de Barros.

Nota: ★★☆☆☆ (2/5)

A adaptação de 2026 de O Morro dos Ventos Uivantes apresenta-se como um artefato cinematográfico de elevada competência formal e simultânea inconsistência conceitual. Trata-se de uma obra tecnicamente sofisticada, mas dramaticamente desidratada — um exercício estético de alta voltagem plástica que não encontra equivalência na densidade psicológica da matriz literária.

Fidelidade, Liberdade Artística e Compressão Narrativa

Toda adaptação pressupõe tensão entre fidelidade e liberdade criativa. Nos primeiros sessenta minutos, o filme mantém razoável alinhamento estrutural com o romance, especialmente ao enfatizar infância e juventude de Catherine e Heathcliff. Contudo, essa ênfase inicial não amadurece em progressão psicológica consistente.

A compressão de um romance estruturalmente complexo em cerca de 2h15 resulta em fragmentação narrativa. A segunda metade assume ritmo de montagem quase episódica, próxima ao videoclipe sensorial, dissolvendo o arco trágico em sucessão de atmosferas. O estudo ontológico das personagens — elemento central na obra de Brontë — cede lugar a uma dramatização superficial.

O resultado é uma adaptação que preserva eventos, mas esvazia processos internos.

Direção e Construção de Personagens

A direção de Emerald Fennell demonstra competência na condução da tensão inicial, sobretudo no trabalho com os atores mirins. A jovem Catherine captura traços fundamentais de formação psicológica, constituindo um dos momentos mais sólidos da obra.

Entretanto, essa construção não encontra continuidade dramática. A transição para a maturidade emocional ocorre de forma abrupta e pouco orgânica.

A opção por reduzir ou omitir a relevância de Hindley compromete a degradação estrutural da família Earnshaw e enfraquece o eixo de brutalização moral que sustenta a trajetória de Heathcliff.

Heathcliff e a Despotencialização do Arquétipo

A interpretação de Jacob Elordi apresenta um Heathcliff emocionalmente amortecido. Se comparado à performance de Laurence Olivier na adaptação de 1939, observa-se perda significativa de intensidade volitiva.

O Heathcliff literário é movido por vingança como força ontológica. Aqui, a personagem surge romantizada e dramaticamente “nerfada”: menos cruel, menos obsessiva, menos ameaçadora. A monotonia vocal e a contenção expressiva reduzem o impacto trágico.

Mais do que falha interpretativa, trata-se de escolha de roteiro que suaviza a brutalidade moral da obra original.

Catherine: Intensidade e Artificialidade

Margot Robbie, também produtora, alterna momentos de vigor dramático com passagens de artificialidade performativa. Em registros mais densos, sustenta o conflito interno com competência. Contudo, a exacerbação da birra emocional aproxima a personagem de arquétipos melodramáticos reminiscentes de Vivien Leigh em Gone with the Wind, sem atingir a mesma complexidade.

A Catherine apresentada é intensificada na superfície, mas simplificada na estrutura.

Direção de Arte, Figurino e Verossimilhança Sociocultural

Tecnicamente, o filme é irrepreensível em direção de arte e figurino. A recriação da Inglaterra rural vitoriana apresenta rigor plástico e composição visual sofisticada. A paleta cromática — como na já emblemática saia rosada de Catherine — reforça contrastes simbólicos.

Contudo, há discrepância geossocial evidente. A ostentação estética atribuída à residência dos Linton aproxima-se mais do imaginário aristocrático de produções como Bridgerton ou Downton Abbey do que da austeridade histórica do norte da Inglaterra vitoriana.

A estilização supera a contextualização. O resultado é plasticamente belo, porém sociologicamente dissonante.

Fotografia e Estilização Gótica

A fotografia captura adequadamente o tom gótico da obra, evocando desolação e isolamento. Entretanto, o excesso de estilização — especialmente em cenas de neblina e na reentrada simbólica de Heathcliff nas “trevas” — aproxima a mise-en-scène de um romantismo estetizado excessivo.

A atmosfera flerta com o kitsch, comprometendo a sobriedade emocional da narrativa literária.

Trilha Sonora e Ruptura Diegética

O elemento mais problemático da obra reside na trilha sonora. A inserção de composições pop/tecno-pop rompe a coesão diegética e interfere na imersão histórica.

Não há contraponto irônico consistente nem atualização conceitual justificável. A camada sonora funciona como ruído estrutural, desestabilizando a suspensão da descrença e fragmentando a experiência estética.

Estratégia Mercadológica e Deslocamento Tonal

Percebe-se orientação para público semelhante ao das franquias Twilight e Fifty Shades of Grey: erotização emocional suavizada, voltada ao consumo juvenil.

O filme flerta com erotismo, mas evita radicalidade. Permanece em zona de sugestão calculada, indicando possível preocupação com retorno financeiro (considerando orçamento elevado e negociações de direitos envolvendo a Netflix).

Essa inflexão conduz a obra a um registro tonal oscilante entre o melodrama intensificado e a estetização kitsch.

Considerações Finais

A adaptação de 2026 é formalmente refinada, visualmente exuberante e tecnicamente sólida. Contudo, falha naquilo que constitui o núcleo do romance de Emily Brontë: o mergulho psicológico profundo e a radicalidade moral.

A busca por impacto visual e ampliação de público dilui a tragédia existencial em romance estilizado de pulsão atenuada.

Trata-se, portanto, de um filme esteticamente admirável, mas dramaticamente esvaziado — um espetáculo visual que não alcança a ferocidade ontológica do texto que pretende homenagear.