Cine-Phylum - A Evolução da Espécie

Um terço (ou menos... ou mais... ou quem sabe?) da crítica de "A Árvore da Vida"

2011-10-01T20:56:00.000-03:00

Levando-se em conta que eu demoro super pra escrever os meus textos, e que hoje é sábado, e que eu já tô bêbado pra burro, e que eu provavelmente ficarei ainda mais bêbado durante o decorrer da noite/madrugada, e que eu poderei entrar num período de ressaca bastante longo, inclusive, postei um pouco (tipo, muito, relativamente falando, mas pra quem costuma escrever 2.500 palavras por texto, é pouco mesmo) da minha crítica de “A Árvore da Vida” aí embaixo. Assim que terminar o resto, completo aqui.

Por Daniel Esteves de Barros.

Crítica:

Mostrando-se altamente filosófico desde o seu princípio, “A Árvore da Vida” logo trata de nos reduzir a nada. Sim, a nada mesmo. “Onde estavas tu, quando eu lançava os fundamentos da terra?” é a frase contundente que abre o filme, realçando-se ainda mais ao ser reproduzida somente sobre uma tela integralmente escurecida. Afinal, quem somos nós pra nos considerarmos os senhores do universo? Quem somos nós pra acharmos que a nova crise do sistema econômico merece ser retratada em duas ou três páginas do jornal nosso de cada dia, enquanto explosões milhares de vezes maior do que o nosso sistema solar inteirinho acarretam na criação de outros novos sistemas? Quem somos nós pra passarmos horas falando sobre a Primavera Árabe (apesar de a grande maioria da população sequer fazer ideia do que seja isso, o que é uma pena), enquanto uma simples, aos olhos da imensidão azul deste nosso planeta, “pedrinha celestial” choca-se e acaba com a farra de uma raça inteira de seres que perduraram milhões de anos a mais do que a nossa própria espécie? Quem somos nós pra querermos “vencer na vida” (seja lá o que for isso), enquanto galáxias inteiras são engolidas por buracos negros em frações de um único segundinho mal contado que seja?

E o modo como Malick, junto de seus demais colaboradores, retrata essa relação de inferioridade humana é, em alguns momentos, digna de se fazer inveja à maestria com a qual Stanley Kubrick “passeia pelo universo” com a sua câmera em “2001 – Uma Odisséia no Espaço” (que afirmo ser “apenas” o meu segundo filme favorito). Filmando o espaço sideral de forma irrepreensivelmente linda, mas sem jamais deixar de realçar a fúria inexorável e irrefreável das transformações estelares, o experiente cineasta (de apenas cinco longas, sendo este “A Árvore da Vida” o melhor de todos) ainda dá as mãos pro quase-oscarizado-compositor (pelo seu belo trabalho no super bom, mas superestimado, “O Discurso do Rei”) Alexandre Desplat e deixa que a trilha-sonora do rapaz (de meia idade) complete aquilo que está sendo divinamente explicitado em tela. E é através das músicas majestosas de Desplat que sentimos que o que nos vai sendo retratado ali, apesar de indiscutível e objetivamente lindo, é o surgimento de uma série de sinfonias confusamente sensoriais que ilustram os mais diversificados sentimentos da forma mais paradoxal o possível, contrastando diretamente a alegria daquele maravilhoso festival de explosões coloridas, com a melancolia de nossa visível incapacidade de reação, diante daquele fenômeno tão naturalmente violento.

Aliás, essa direção voluntariamente ambígua de Malick merece tanta atenção aqui quanto às fotos da Scarlett Johansson – bem à vontade, diga-se – que vazaram pela net na semana retrasada, devendo-se destacar, acima de tudo, a cena da já citada “pedrinha celestial” que põe fim à era dos lagartões com complexo de grandeza. Um diretor mais exagerado, e menos capacitado (e aí, Emmerich?! Beleza?!), é claro, aproveitar-se-ia daquela situação toda pra fazer uma destruição em massa carregada de CGI e, na certa, esgotaria todo o orçamento direcionado ao longa em questão só pra filmar esse disaster movie de uma sequência só. Malick, logicamente, já prefere investir em simbolismos inteligentes e extrair, da sutileza – que não é nada sutil – daquele sublime – que não é nada sublime – momento, uma metáfora para o “nascimento” da espécie humana. Logo, não é difícil de fazermos uma analogia comparando o meteoro que atinge a Terra com um sêmen que atinge um ovário, principalmente se notarmos que, poucos segundos após o ocorrido, nos deparamos com a personagem de Jessica Chastain em período de evoluída gestação (e o solo de violino que acompanha tais cenas até o nascimento do filho do casal, não só é um dos momentos mais arrepiantes de todo o longa, como também parece querer nos sussurrar a todo o instante: “a vida é um milagre, não é nada diante do universo, mas é um milagre”).

Malick destaca-se super também no posicionamento de câmeras. E pode-se dizer que é justamente através de tal posicionamento que o cineasta conta a estória toda sem ter que recorrer a uma trama necessariamente mirabolante, mas marcada por um roteiro recheado de diálogos magistrais (citarei alguns mais para frente). Se a grandeza do universo e a superioridade da natureza são retratadas pelas lentes do diretor através de grandes planos gerais que captam cada mínimo detalhe do ambiente filmado, Malick acerta ainda mais quando filma a família O’Brien, que protagoniza a trama principal (mas nem tão principal assim, se é que me entendem), e achega a câmera deles, fazendo com que a seleção de planos aproximados, primeiros e primeiríssimos planos e, eventualmente, alguns planos detalhes, tornem-nos mais íntimos daquela patota toda, mostrando então que, por mais pífios que sejamos aos olhos do universo, somos nós mesmos que protagonizamos a nossa própria existência, por menor que esta seja.

Claro, a natureza está sempre ali, nos esnobando a todo o instante, mas ainda assim, temos todo o direito de nos colocar à frente de todas as coisas em nossa própria vida. E é justamente nesse ponto que a já citada direção ambígua de Malick atinge o seu momento máximo. Ao mesmo tempo em que o diretor filma os personagens principais com planos fechados, dando total importância a eles, a mixagem de som puxa o tapete da moçada e equaliza os ruídos do cenário de forma desfavorável à raça humana. Notem que, por mais barulhentas que naturalmente seriam as ações dos personagens, os ruídos emitidos pelo vento ou pela água corrente (que, na certa, foram acrescentados pela edição de som) SEMPRE ficam em primeiro plano durante o decorrer da narrativa.

Da série-que-não-é-bem-uma-série: "caras que fizeram os caras do Nirvana fazer o que fizeram há exatamente um ano e um dia"

2011-09-25T21:53:00.002-03:00

Por Daniel Esteves de Barros.

Bom, "Nevermind" vinte aninhos, lindão, maravilha, passou da deprê pós-adolescência pra entrar na deprê pré-adultescênc... digo... pré-adulta. O bebê bonitinho da capa cresceu, virou um caboclo feio pra p*rra (assim como aconteceu comigo, com você (a não ser que você seja uma garota linda e voluptuosa... a propósito, se você for mesmo uma garota linda e voluptuosa, o número de meu celular é... enfim... foco, Daniel! Foco!) e com todo o homem), Kurt Cobain ficou milionário, famoso, casou-se com Courtney Love, foi pai de Frances Bean Cobain e meteu uma bala na própria cabeça, enquanto que Krist Novoselic virou ativista e comentarista político num jornal de certo respeito e Dave Grohl se tornou "só" o frontman de uma banda que é considerada uma das mais importantes do final dos anos '90 e da atualidade, uma tal de Foo Fighters aí... manjam (ah, e o ex-baterista Chad Channing foi... ah, sei lá o que aconteceu com ele)?

Durante os últimos dias (e até mesmo hoje, já que passei a mão no controle remoto agora há pouco, botei na MTV e lá tava o "Nevermind" sendo "homenageado" através de seu líder aloirado engatinhando pra fora do palco do malhado show no Rio, uma das piores apresentações dos caras), muito se falou do então álbum musical mais importante dos anos '90 e do que aconteceu com a moçada que tava envolvida diretamente com ele (a gente (eu nem tanto, pois tinha apenas sete anos, naquela ocasião), que tava envolvido de maneira indireta, acabou se tornando um bando de frustrados, vagabundos, melancólicos e voluntariamente losers, algo que a negada do Nirvana era antes do "Nevermind"). Justo, afinal, ontem, 24 de setembro de 2011, o álbum completou 20 anos... sendo o primeiro aniversário redondo digno e livre pra se comemorar, já que, em 2001, quando o álbum fez exatos 10 anos, a comemoração foi ofuscada um pouquinho (um pouquinho tipo, bastantinho) pelo famigerado "11 de setembro de 2001".

Enfim, tá tudo muito lindo, tá tudo muito belo, tá tudo muito certinho, mas e a galera que inspirou o Nirvana? Como fica? Quando o "Nevermind" estourou, não foi só o conjunto musical mais importante dos últimos 20 anos que estourou. Direta ou indiretamente, voluntaria ou involuntariamente, Kurt & CIA. hypearam ainda mais uma série de bandas indie dos anos '80 que, segundo os próprios caras do Nirvana, influenciaram super nas composições do "Bleach", do "Nevermind" e até mesmo do "In Utero". Tô falando da galera do Dinosaur Jr., do Sonic Youth e, principalmente, dos Pixies (Novoselic afirma até hoje que "Smells Like Teen Spirit" é mais Pixies do que Nirvana, propriamente dito), que ascenderam um pouco com o "Nevermind", atingindo proporções mainstream, e que, depois da febre toda, voltaram um pouqinho à exclusividade da música independente.

Enfim, o "Nevermind" foi merecidíssimamente coroado, mas vou aproveitar a deixa pra postar aqui uns clipes dos maiores inspiradores do Nirvana (além dos Beatles e do Velvet Underground, que inspiraram todo mundo, inclusive os próprios "caras que inspiraram os caras que inspiraram os caras que inspiraram os caras que inspiraram o Nirvana"):

Dinosaur Jr., em Sampa, na Paulista, em plena terça à tarde (!!!!!!!!) e "de grátis":

Dinosaur Jr., no Reading Festival (sim, palco do "eleito melhor show da carreira do Nirvana"):

Pixies - "Here Comes Your Man", lá no Eurockeenes Festival, em Belfort, França:

* Uma das músicas mais hypeadas (se não "a mais hypeada") desta vibe pós-new-wave-pré-grunge, composta pelos maiores inspiradores de Kurt Cobain:

Pra dar aquela contrastada esperta com o vídeo acima, "Here Comes Your Man" numa época em que o sucesso dos caras era consideravelmente menor (apesar dos gritos da plateia, que geralmente era formada por um público bem mais alternativo) do que na cola do "Nevermind":

O Sonic Youth, então, nem se fala. Na estrada desde 1981, só foram chamar a atenção da mídia pra valer no começo dos anos 1990, com a clássica "100%" (considerada, por muitos (ou seria só por alguns?), o hino do indie-rock), embalada... adivinhem... pelo sucesso do "Nevermind".

Vamos fazer a distinção da recepção dos caras (e da, ainda guria, Kim) com um vídeo de 1983 (ano em que eu nasci, por sinal) e outro dos tempos do "Nevermind":

Poiters, França, em 1983 (show em um espaço que abrigaria muito bem um circo de quinta categoria):

9 anos depois, em pleno Central Park lotado, com direito a alguns gritinhos de histeria, nego dando mosh, Moore literalmente destruindo a guitarra e recebendo aplausos da galera, ao invés de algo mais usual como: "Que é que esse babaca quer pagar pau pro Jimmy Hendrix?", e Kim Gordon já loiraça e gostosa, e tudo mais:

Fazendo a mesma brincadeira com o Dinosaur Jr., dá uma sacada no espaço apertadérrimo do show dos caras durante o final dos anos '80...

...e no espaço arranjado pela MTV, num show produzido pela mesma emissora, algo que seria raro (pra não dizer humanamente impossível) de se acontecer na era pré-"Nevermind":

Agora dá uma sacada aí embaixo, bem no auge da fama do "Nevermind", toda essa galera tocando rock alternativo no Letterman, pr'alguns milhões de espectadores... e naquela época o Letterman não tocava qualquer hypezinho recém-criado na Inglaterra (sim, tô falando do ótimo Vaccines), não.

Vídeo de época (da época que Letterman e J. Mascis - frontman do Dinosaur - não tinham cabelo branco), a clássica indie "The Wagon" sendo reproduzida no programa noturno estadunidense:

Tem também os Pixies que, dos três, foi sempre o "menos nem-tão-famoso-assim" na era pré-Nirvana. Depois do Nirvana, então, nem se fala no flerte que os caras tiveram com o mainstream:

E, claro, o Sonic Youth, um dos mais apagados nos anos 1980 e mais glorificados pela mídia no início dos anos 1990. Aqui, o hino noventista que Cobain, Novoselic e Grohl indireta e involuntariamente (ou não) ajudaram a consagrar:

Bom, era mais ou menos isso. Queria pagar de "diferente" mais uma vez e, ao invés de ficar homenageando somente o Nirvana, como tem sido feito na última semana (por coincidência, acabei de ligar a TV e botar na MTV, mais uma vez, e agora estão homenageando o Sonic Youth, com o clipe de "Teenage Riot", e o Dinosaur Jr., com uma versão ao vivo de "Freak Scene", bem na programação especial dedicada ao Nirvana... acabaram com a minha tentativa de "originalidade"), ou então ilustrar o que mudou na música depois do "Nevermind", preferi mostrar os grupos que colaboraram musicalmente com o segundo álbum oficial da galera mais famosa de Seattle e ressaltar o fato de o disco aniversariante ter retribuído o favor, colocando esse pessoal que, sim, já era muito conhecido no meio alternativo, mas que, até então, mantinha total distância do mainstream e da mídia, de uma forma geral.

Abaixo, dois presentes pra quem aguentou ler isso aqui até o final: show completo dos Pixies, no SWU do ano passado, e do Sonic Youth, em Paris, e que vai botar pra ferver (assim espero) a coisa no SWU deste ano.

Sonic Youth, no Rock em Scéine Festival, em Paris, 27 de agosto de 2004:

Pixies, na primeira edição do Starts With You (vulgo, SWU 2010), em Itu, 11 de outubro de 2010:

Planeta dos Macacos: A Origem, e o Complexo de Édipo, Marx, Bakunin, A Revolução dos Bichos, A Classe Operária Vai ao Paraíso, a lenda dos feiches e a minha internet zicada... ah, e tem também a (nada) incrível volta temporária (assim espero) ao Blogspot

2011-09-24T23:59:00.000-03:00

Por Daniel Esteves de Barros.

Avaliação: **** (Ótimo Filme).

Título Original: Rise of the Planet of the Apes.
Gênero: Ficção-Científica.
Tempo de Duração: 105 minutos.
Ano de Lançamento: 2011.
Site Oficial: http://www.apeswillrise.com
Países de Origem: Estados Unidos da América.
Direção: Rupert Wyatt.
Roteiro: Ricky Jaffa e Amanda Silver, baseados em personagens criadospor Pierre Boulle.
Elenco: Andy Serkis (Cesar), James Franco (WillRodman), Freida Pinto (Caroline Aranha), John Lithgow (Charles Rodman), TomFelton (Dodge Landon), Brian Cox (John Landon), Tom Felton (Draco Malfoy),Tyler Labine (Franklin), Jamie Harris (Roy), Leah Gibson (Alyssa Williams),David Oyelowo (Steve Jacobs), Chelah Horsdal (Irena), Karin Konoval (Maurice),Richard Ridings (Buck), Terry Notary (Alfa / Olhos Brilhantes), Jesse Reid(Donnie), Mattie Hawkinson (Linda), Christopher Gordon (Koba) e Devyn Dalton(Cornelia).

Sinopse: San Francisco. Will Rodman (JamesFranco) é um cientista que trabalha em um laboratório onde são realizadas experiênciascom macacos. Ele está interessado em descobrir novos medicamentos para a curado mal de Alzheimer, já que seu pai, Charles (John Lithgow), sofre da doença.Após um dos macacos escapar e provocar vários estragos, sua pesquisa écancelada. Will não desiste e leva para casa algumas amostras do medicamento,aplicando-as no próprio pai, e também um filhote de macaco de uma das cobaiasdo laboratório. Logo Charles não apenas se recupera como tem a memóriamelhorada, graças ao medicamento. Já o filhote, que recebe o nome de César,demonstra ter inteligência fora do comum, já que recebeu geneticamente osmedicamentos aplicados na mãe. O trio leva uma vida tranquila, até que, anosmais tarde, o remédio para de funcionar em Charles e, em uma tentativa de defendê-lo,César ataca um vizinho. O macaco é então engaiolado, onde passa a ter contatocom outros símios e, cada vez mais, se revolta com a situação (AdoroCinema).

Rise of the Planet ofthe Apes – Trailer:

Crítica:

* Primeiro: já assisti a “Planeta dos Macacos” (a versão original, com o Charlton “Ben-Hur” Heston e tal...), “De Volta ao Planeta dos Macacos” e aomalhado “Planeta dos Macacos”,comandado pelo doidão excêntrico do Tim Burton.

* Segundo: isso foi há muiiiiiiiito tempo (tipo, há unsquatro ou cinco pares de anos, não me recordo ao certo), portanto, quase quenão me lembro de nadica de nothing das versõesanteriores.

* Terceiro: não, o fato de eu não me lembrar de quase que nadicade nothing das versões anteriores emnada me influenciou na apreciação quase que completa desta obra em questão.

* Quarto: sim, se você não assistiu a nenhum dos “Planeta dos Macacos” anteriores, podecorrer pro cinema sem medo de ver este “...AOrigem”, que você vai curti-lo do mesmo jeito... ou não.

* Quinto: tsc... não tem quinto, vamos parar de enrolar ebora começar a trabalhar logo...

Bom, soltei essa no Twitter e, claro, reproduzo por aquitambém: “fazia muito tempo que não via umfilme construir tão bem o fenômeno de identificação público/ personagem, sobreos alicerces do Complexo de Édipo, quanto este “Planeta dos Macacos: A Origem”constrói”.

O quê?! Não entenderam p*rra nenhuma?! Oras, e desde quandoa crítica de cinema tem a função de explicar, ao invés de complicar? Tamos aquié pra gerar dúvidas mesmo, e não respostas. Respostas tornam tudo muito óbvio.Querem uma prova? Ok, tornemos a coisa toda bastante óbvia a partir de agora(e, se você não se interessa por teorias malucas envolvendo a linguagemcinematográfica, pule logo pro próximo parágrafo do próximo parágrafo... não,não pro próximo do próximo... mas sim pro próximo do próximo do próximo...isso, pula pra esse aí que começa com “Seessa birutice toda escrita aí...”).

Uma teoria que comento até que bastante por aqui (o que nãoquer dizer que eu concorde super com ela, mas vá lá...), é a tal da teoria dofenômeno de identificação personagem/público. Como isso ocorre? Bom, tentareiser breve (~~tentarei p*rra nenhuma, vocês que leiam tudo, seus folgados!~~).Começa com o Complexo de Édipo, quando temos uma “paixonite” pela nossa mãe (não,a coisa não vai descambar pro incesto, prometo). Nascemos desprotegidos, em ummundo, até então, desconhecido. Choramos, queremos voltar pro útero, mas issonão rola. Vamos então pros braços da nossa mãe e somos amamentados, resultando noprimeiro contato diretamente físico (quer dizer: sem luvas cirúrgicasenvolvendo as mãos que nos seguram, ou coisas do tipo) com um ser humano e quenos oferece uma primeira recompensa (o alimento). Como não sentirmos um apreçotodo especial por nossa mãe, logo após ela nos envolver nos braços e nos dar umpresente de “feliz primeiro dia de vida”? Mas aí chega o pai, todo barbado,soado, fedidão, troglodita, peludo, e o malandrão vai e arranca o nosso “primeiroamor”, passando, involuntariamente, a dividi-la conosco. Cria-se então umembate psicológico escondidinho bem ali, no subconsciente do bebê. O pai não semanca da situação toda, é claro, mas o recém-nascido fica com o “sangue no olho”.

O problema, porém, é a diferença abissal entre os dois pólosdessa “batalha” afetuosa. De um lado, o projenitor, gigante diante de nós, etambém detentor dos afetos da signoranostra madre. De outro lado, o bebê,minúsculo, frágil, e com cara de joelho, que malemá sabe fazer outra coisa,senão chorar (e sujar a fralda também... enfim... eu tava falando do Complexode Édipo e tal... né? Voltemos). Sentiram o drama? Por mais que cresçamos e nostornemos uns cavalos insensíveis, essa pequena grande “injustiça”, “imposta”pelo nosso “velho”, pra sempre martelará o nosso subconsciente. E é justamente(ou não) por este motivo que nos relacionamos com o lado mais fraco de umadisputa, afinal, sem nem perceber, nos espelhamos sempre nos mais fracos eoprimidos (e você achando que era todo bonzinho porque ficava com dó quando oSeu Madruga batia no Chaves, né?). É justamente (ou não) por este motivo quetorcemos pro São Caetano bater o Vasco (a não ser que você seja vascaíno, éclaro), na final da pseudo-copa alcunhada João Avelange, em 2001, mesmo nãotendo nada (ou não) contra o time carioca da faixa preta diagonal. Por fim, éjustamente (ou não) por este motivo que torcemos pra que os mocinhos triunfemnos filmes. Não é uma simples questão moral, mas sim de identificação com aponta mais fraca da corda (ou alguma vez você já torceu pr’um mocinho derrotar umvilão que impõe desafios relativamente menores à sua capacidade de resolvê-los?).

Se essa birutice toda escrita aí em cima é válida, não mearrisco a dizer (confesso que, apesar de respeitá-la pra burro, considero-a umpouquinho fatalista demais, digamos assim), mas a verdade é que em “Planeta dos Macacos: A Origem” elaparece fazer todo o sentido. Mesmo, essa teoria aparentemente sumariada é postaem prática aqui e funciona toda lindona.

Mesmo! Afinal, por que torceríamos pr’um bando de macacosque se opõem tão conflitantemente à nossa própria raça? A resposta é que, tantoo roteiro, de Amanda Silver e Rick Jaffa, quanto à direção, de Rupert Wyatt,investem satisfatoriamente nas situações às quais o protagonista-chimpanzéCesar (e também os seus comparsas de jaula) acaba sendo submetido, sofrendohumilhações, sentindo-se excluído, levando surras e, por um tantinhozinhoassim, não chega a ficar parecido comigo, em meu ambiente de trabalho.

Mas e quando a macacada começa a botar pra quebrar e kick some asses da moçada comedora de x-burgers e bebedora de milk shakes? Aí, meu amigo, por mais queapoiemos super a causa dessa galerinha peludaça, e com ideais inspirados nacontracultura punk (ainda que elesnem façam ideia do que seja isso), o Complexo de Édipo, escondido lá nocantinho do nosso armário cerebral, nos dá mais um puxãozinho de orelha epassamos a torcer pra que a cowboyzadade terno, por mais canalha que se apresente no filme, consiga, ao menos, sairilesa dos ataques dos símios.

Não é exagero nenhum, por sinal, afirmar que “Planeta dos Macacos: A Origem” é dessesfilmes em que a gente fica perdidão, decidindo pra quem devemos, de fato,torcer pra vencer o conflito. E isso, é claro, é um ponto extremamente positivodo longa, uma vez que percebemos o quão visível é o poder de redenção docinema, que utiliza um método tão simples (e tão complexo, ao mesmo tempo) prafazer com que deixemos um pouco de lado os nossos posicionamentos morais pranos identificar integralmente com o protagonista anti-herói, o chimpanzé espertoCesar.

E o pouco conhecido Rupert Wyatt (dirigiu apenas três longase um curta) parece ter as manhas e dá o tom da coisa toda por aqui. Abrindo ofilme com uma perseguição que ganha muita dinâmica através de ângulos quefilmam a floresta, palco da ação, em 90º e com a câmera na mão, Wyatt logoutiliza alguns recursos da montagem de Conrad Buff IV e Mark Goldblatt pradar agilidade narrativa pra “Planeta... AOrigem” já em seu início, quando ilustra uma elipse com um close no olho castanho de uma chimpanzée a encerra com um zoom out no mesmoolho – mas agora com uma tonalidade mais brilhante (e o nome dado ao bicho, “OlhosBrilhantes”, logo se revela uma clara homenagem ao também ótimo longa original)– resultando quase que num raccord.

Os planos-sequências (que, por sinal, também assumem afunção de elipse) que ilustram a evolução etária de Cesar, também são amostrasda competência de Wyatt, que, de forma rápida e dinâmica, percorrem longosperíodos de três ou cinco anos enquanto mostra o excêntrico “bichinho deestimação” (que o personagem de Franco jura não ser bicho de estimação, mas simuma espécie de filho pra ele) brincando na casa de seu “proprietário” ou pulandode galho em galho em uma floresta que passa a ser um cenário pra lá deimportante pro filme.

E se engana quem pensa que o jovem diretor pára de utilizarcertas convenções da linguagem cinematográfica por aí. Wyatt ainda captura oinício da farra que a macacada começa a tocar através de tomadas aéreas queilustram perfeitamente uma área verde sendo dominada por diversos pontinhosnegros que começam a se organizar. Há também o emprego de um travelling rotatório de 360º, que tornauma sequência envolvendo um helicóptero ainda mais eletrizante e, pra botar devez a cereja no bolo (e, se você ainda não assistiu a esse longa, ou ao longaoriginal ou ao do Tim Burton, que seja, pule pro próximo parágrafo, ou dará comos burros n’água, ou melhor, no spoiler quevem a seguir), o modo como o plano final é conduzido, com os chimpanzés no topode árvores que são filmadas sob uma perspectiva superior à mais alta torre deSan Francisco, indicando que, apesar de terem vencido uma única batalha, os símios já atingiram uma posição que passoua colocá-los num patamar acima de nossa própria civilização, o que viria aresultar no domínio daquela espécie sobre a nossa, tema da produção sessentista.

Falando em tema, se o filme estrelado por Heston dava um armeio que parecido com o final do ótimo cultitaliano “A Classe Operária Vai aoParaíso” pra coisa toda, neste “Planeta... A Origem” a tal da “classeoperária” acaba sendo mais destacada aqui (no orignal, a “classe operária”daqui assume uma outra função, que não revelarei qual é pra não cometer mais spoilers), começando pelas relações dedomínio/submissão. Logo, pequenos grandes detalhes que ilustram tal “embatesocial” passam a fazer toda a diferença, como a coleira colocada em Cesar, odedo do vizinho de William apontando pro pai do rapaz, o primeiro beijo que opersonagem de Franco tasca na personagem de Freida Pinto (ia botar só osobrenome da moça, mas ia pegar mal pra burro) e desperta o Complexo de Édipo –ainda que com uma inversão quanto ao sexo – no bicho (mas dessa vez o “Complexode Édipo” aqui é mais direto, e não tão viajadaço como eu citei lá em cima, nocomeço do texto). Todos estes detalhes aparentemente corriqueiros colaboram, emmaior ou menor grau, pra formação bakunista/marxista (mais marxista do quebakunista, conforme constatamos na máxima “a união faz a força”, representadana estória do graveto entre Cesar e Maurice, extraída da cRássica fábula dofazendeiro e dos quatro filhos... isso... aquela mesma que você aprendeu no primário) do protagonistaliteralmente animal.

Outra teoria bacana que se pode sacar assistindo ao filme éa do criador e da cria, ou, de certa forma, do pai e do filho. Assim comonossos pais, Will é a pessoa na qual Cesar se espelha durante a sua infância. Provavelmente,por estar iniciando a sua vida social aos poucos e não ter opinião formadasobre nada, Will (assim como o progenitor de cada um de nós) é a base de Cesarpra tudo, porém, ao abandonar a infância e atingir a pré-adolescência, ochimpanzé (bem como nós mesmos) começa a sentir-se deslocado do mundo o qualfoi inserido e nem sempre os dizeres de seu “pai” se encaixam tão bem quantoele gostaria. A cria passa então a agir de um modo adverso aos ensinamentos docriador, e o último, visando a segurança do primeiro, adota algumas medidasrepressoras que não são muito bem compreendidas pelo “filho”, que passa aquestionar a sua submissão perante o “pai”.

Porém, a teoria envolvendo uma luta de classes acabarealmente sendo mais plausível aqui e... o quê?! Tá, tá bom, chega de teorias malucassobre o embate entre homens e animais (que lembra muito um “A Revolução dos Bichos”, do GeorgeOrwell, e... tá... tá... parei...) e voltemos ao filme.

Suplementado ainda por efeitos visuais que, longe de serem blasters-mega-powers, como os de um “Avatar” ou os de um “Piratas do Caribe – O Baú da Morte”,conseguem, ao menos, dar vivacidade e movimentos naturais aos chimpanzésdigitalmente criados (simplificando: são criados por um processo semelhante aoque deu vida ao Gollum e ao Davy Jones) e por cenas de ação que, apesar deserem poucas, empolgam super quando bem realizadas por Wyatt e engrandecidaspela marcante e poderosa trilha-sonora de Patrick Doyle, “Planeta... A Origem” dá lá as suas pisadas no tomate,principalmente no tocante ao desenvolvimento de seus personagens.

O Will, do recém-indicado ao Oscar: James Franco, é até queinteressante, mas tá longe de ser original. É, no final das contas, umcientista bonzinho e politicamente correto que ama o seumacaquinho-cobaia-de-estimação e é impulsionado pela possibilidade de curar oAlzheimer do pai. Já a Caroline, de Freida Pinto, é tão dispensável pra tramaque parece ter sido colocada aqui apenas pra mostrar o eficiente clareamento dedentes que a atriz (e vale frisar que a atuação da moça não tá tão longe assimde uma Megan Fox, em “Transformers”,só que menos vulgar e menos (tipo, bemmmm menos) canastrona) fez após a famaalcançada com o apenas passável “QuemQuer Ser um Milionário?”. O Draco Mal... digo... o Tom Felton então,xiiiiii, nem se fala. O cara parece fazer questão de reinterpretar o seupersonagem de “Harry Potter” e oroteiro cria uma caricatura insuportável de badass em cima do moço, tornando-o ainda mais insuportavelmente exagerado doque já era na saga fílmica inspirada na saga literária de J. K. Rowling. Adiferença é que lá ele incomodava bem menos, já que aparecia bem menos.

Há também uma série de absurdos do tipo que nos fazem chamar“truco!” dentro da sala de projeção (ou, como dizem uns amigos meus: “paia!”...embora eu nunca tenha me ligado direito na relação dessa gíria com uma situaçãomentirosa que nos é apresentada), como o fato de chimpanzés desenvolverem inteligênciao bastante para conseguirem falar (????????????????????... é... eu sei...), maso ponto fraco do longa fica realmente por conta dos personagens unidimensionaise das atuações nada convincentes que o roteiro e seus personagens capengasrendem (salvam-se Franco, com o seu carisma e a sua expressividade habituais, eSerkis, que mesmo mais contido do que na pele do Gollum, ou do próprio “King Kong”, expressa-se bem o bastantepra dar muita vida a seu Cesar, que delineia certinho os momentos de pura empolgaçãoe de pura frustração).

Ainda que não crie um momento tão surpreendentementemarcante como o plano final da produção original, “Planeta dos Macacos: A Origem” é indispensável por revisar demaneira bastante interessante temas que ficaram marcados em clássicosliterários, e até mesmo cinematográficos, por conter uma das melhores direçõesdo ano e, principalmente, por colocar em conflito a nossa torcida alternadaentre os dois pólos da ação. Afinal: torcemos pelos “mocinhos” rebeldes eidealistas ou pelos vilões conservadores e que, em muitos momentos, utilizam assuas respectivas armas apenas como autodefesa (embora a primeira opção sejasempre a mais coerente e racional, naturalmente)?

Obs.: fiquei semacesso à net por muito tempo, portanto, é mais do que provável que todo mundoque tá lendo esse artigo ultra-atrasado aqui (que foi publicado umas quatro ou cincosemanas após ser escrito) já saiba que rola uma cena pós-créditos que indicauma possível continuação da obra em questão, né?

De volta à antiga nova casa

2011-02-24T20:02:00.003-03:00

Sou indelicado pra burro.

Nem mencionei por aqui que o domínio próprio do Cine-Phylum voltou a funcionar. Foi quando vi, no Alexa, que este domínio no Blogspot ainda vem recebendo visitantes, que me toquei de que deveria avisar-lhes que voltamos à antiga nova casa, sob o domínio http://www.cinephylum.com.br.

Aguardo vocês lá.

Globo de Ouro 2011 ou: Como Eu Aprendi a Parar de Me Preocupar e Amar a Pra da Previsibilidade da Pra do Oscar

2011-01-17T02:54:00.006-02:00

Ano passado postei uma matéria rápida sobre o Globo de Ouro, afirmando não ter entendido ao certo a vibe deste, já que, pra ir na contra-mão do Oscar, e seus principais termômetros pré-Globo de Ouro, escolheu “Avatar”, um filme extremamente comercial (algo atípico para premiações até mesmo mainstream como é o caso do Golden Globe), pra ser o grande destaque da noite, no lugar de “Guerra ao Terror”.

Neste ano encontro-me numa situação parecidíssima. Não entendi p**ra nenhuma a vibe do Globo de Ouro 2011.

P**ra, por que um prêmio tão do contra, tão fanfarrão, e tão difícil de ser levado a sério (algo que o Oscar também é) foi junto com a maré neste ano?

Sim, teve lá as suas exceções. O compatriota do Chaves (e, falando nisso, Florinda Meza morreu faz algumas horas, hein? Nossa infância vai, aos poucos, se esfacelando), “Biutiful”, por exemplo, perdeu Melhor Filme Estrangeiro pro dinamarquês até então desconhecidérrimo “Em Um Mundo Melhor” (que tem um título bacana e teve parecer totalmente favorável de Pablo Villaça, o que significa que eu preciso assisti-lo o quanto antes). Melissa Leo venceu por “O Lutador”, o que talvez tenha sido a grande (e uma das poucas) surpresa da noite, já que as chances disso acontecer de novo em alguma outra premiação pós-Globo de Ouro são menores do que as chances de Amy Winehouse (que é cantora POP, viu! Cantora POP, não cantora Soul/Jazz/R&B ou qualquer outra bos** que a imprensa julgue/invente ser e os senhores alienadamente possam acreditar) fazer um show com no mínimo 90 minutos de duração.

Ah, a vitória de Paul Giamatti, ao menos pra mim, também foi inesperada pra burro. O Globo de Ouro, comercial do jeito que é, tendia a dar o prêmio a um ator mais in (Johnny Depp) interpretando um personagem mais in (Chapeleiro Louco) em um filme mais in (“Alice no País das Maravilhas”... é, eu sei... não precisava nem ter mencionado o filme... dããããããããã).

No mais, o Globo de Ouro 2011 foi sim junto com a maré e representou tudo o que deverá representar o Oscar deste ano: previsibilidade.

“A Rede Social” levou os principais prêmios (Filme Drama, Direção, Roteiro... e até mesmo o inesperado, e injusto, Trilha-Sonora. E, na moral, só não levou Halle Berry, Natalie Portman... ou qualquer outro símbolo sexual que estivesse presente na ocasião... pra cama porque se trata de um filme, e não de um ser humano do sexo masculino e... tá, eu sei, eu sei... a piadinha foi constrangedora). O longa indie cool so fucking stylish do momento, “Minhas Mães e Meu Pai”, levou Melhor Filme Comédia ou Musical e Annette Bening, que na certa deve ter escondido uma bazuca dentro do bisonho cabelo que utilizou durante a cerimônia (e, no lugar dela, e de Helena Bob Dylan Bonham Carter também, eu processaria o cabeleireiro) levou Melhor Atriz Comédia ou Musical.

O quê?! Ah, é claro, como pude me esquecer?! “Toy Story 3” levou Melhor Animação. Colin Firth levou Melhor Ator. Natalie Portman levou Melhor Atriz. Surpreendente, não? Pois é, f*da que, pra pagar de cool, resolvi apostar (de última hora, diga-se, já que levo o Globo de Ouro tão a sério que só fiquei sabendo no último sábado que ele iria ocorrer neste último domingo) em uma vitória de James Franco (e também apostei em uma vitória dele no Oscar em um post que fiz no final de 2010, mas mudei de ideia recentemente após perceber realmente a força que Firth vem ganhando) e Jennifer Lawrence, além de comentar na possibilidade de “Como Treinar o Seu Dragão” vencer a categoria Melhor Animação, mesmo tendo apostado na mais nova produção da Pixar.

Estranho pra c***lho! Só assim pra definir o Globo de Ouro desse ano. Aliás, não só o desse ano, como também os dos demais anos que se passaram e até mesmo os dos que estão por vir.

Globo de Ouro é um porre, viu! É mais previsivelmente imprevisível (ou seria imprevisivelmente previsível? Eis a questão Tostines do momento) que mulher naqueles dias.

Em todo o caso, que venha logo essa p**ra desse Oscar e que David Fincher comemore logo o seu primeiro careca dourado.

O quê?! Ah, é... moral da estória: nunca aposte no não-óbvio achando que ele será o sim-óbvio... hããã?!?! Deixa pra lá, vai... preciso ir dormir... são três da matina e ~~amanhã~~ hoje acordo às sete.

Obs.: Aproveito pra mandar um abraço ~~pra quem é de abraço e um beijo pra quem é de beijo~~ pra galera do Twitter, que acompanhou essa minha transmissão mais do que apagada (ano passado fiz mais piadinhas), em especial pra @maribonfim, pro @peliculatweets e pra moçada do chat do http://totalmentecinefilos.blogspot.com/.

Obs 2.: Não comentei o prêmio especial Cecil B. De Mille em homenagem mais do que justa a Robert Fucking De Niro, pois sou pobre e não tenho TV por assinatura. Logo, fiquei a mercê de um link que, às vezes funcionava, às vezes dava os canos em mim, sendo que, justamente durante a aparição do eterno Touro Indomável, resolveu dar os canos... eita linquezinho ~~filho de uma vaca~~ complicado, sô!

Obs. 3: clique aqui para ver a relação completa dos vencedores desta última edição do Globo de Ouro

Sobre a importância de "De Volta Para o Futuro", várias piadas sem graça e uma resenha que não é resenha

2011-01-05T21:09:00.007-02:00

Obs.: Pois é, uma observação logo no início da matéria para que não digam depois que eu não avisei. O texto abaixo (que não tem quaisquer pretensões críticas, ou até mesmo racionais de minha parte) tá lotado de spoilers de toda a natureza, ou seja, se você ainda não assistiu aos três filmes que formam a série cinematográfica “De Volta Para o Futuro”, aconselho que ~~largue a mão de ser um mané sem noção e corra pra locadora mais próxima, cumprindo assim o seu dever cívico como cinéfilo~~ pare de ler este artigo aqui mesmo.

Esses dias assisti à trilogia “De Volta Para o Futuro”.

Sempre começo o meu ano cinematográfico com uma trilogia. Ano passado foi “O Poderoso Chefão”, minha predileta, e neste ano resolvi conferir, pela milésima vez na vida, a porra-louquice do Dr. Brown e a insegurança segura adolescente de Martin Seamus McFly, ou simplesmente Marty McFly (que, para Michael J. Fox, soa como um tipo de one hit wonder, já que o rapaz, até mesmo por problemas de saúde, não conseguiu fazer mais nada que tenha emplacado pra valer).

E por mais que eu prefira “O Poderoso Chefão” e “O Senhor dos Anéis”, não tem jeito, a tríade cinematográfica com direção assinada por Robert Zemeckis foi a que mais marcou a minha vida.

Eu era molecão e tal. Tinha os meus oito, nove anos, sendo que, seis ou sete deles, passei nos anos 1980. A parte II, a predileta da galera na época (e mais pra frente explicarei o porquê), iria passar em uma segunda-feira qualquer de 1993, na Tela Quente. Meu pai fez questão que eu assistisse com ele e beleza, fomos lá nós dois pra frente da TV. Duro que, para o velho (bem menos velho na época... não que ele esteja muito velho agora, mas enfim...) aquilo era como uma honra, tipo pro pai que torce pro XV de Jahu (time da cidade onde moro) levar o ~~coitado do~~ filho pra ver, pela primeira vez, o time jogar uma partida qualquer do campeonato paulista da série Z39, ou sei lá a divisão a qual o XV tá jogando atualmente.

Bom, mas aí eu assisti ao filme e, precisa ver, o meu pai ficava contente ao sacar que eu acompanhava a trama e ia meique auto-explicando os pontos desta, conforme ela se desenrolava. Sabe como é, né? Pai vê o filho fazendo qualquer coisa que ele julgue inteligente e fica contente pra burro... é como se ele perdesse a virgindade pela segunda vez (quê?! Putz, essa foi podre).

Só sei que aí cheguei à escola no dia seguinte e a molecada (aí sim explicando o porquê deles preferirem a segunda parte) toda doida... empolgadaça: “___ Você viu que massa – na época, era uma gíria bem utilizada – o filme de ontem?! Os caras vão pro futuro!”, e o outro aumentava o papo ainda mais exaltado: “___ Ô, e os carros que voavam, hein meu?! E o tubarão que morde o carinha lá e depois desaparece (eles não sabiam o que era um holofote, o que é muito mais do que normal praquela idade)?!”.

Oras, qual outro filme produzido pelo Cinema até então havia nos apresentado a um futuro tão bacana – ainda que brega, com características dos anos 1980, e implausível – quanto “De Volta Para o Futuro – Parte II”? Qual criança, ou pré-adolescente (e por que não dizer: adulto?), não ficaria malucaça diante de skates flutuantes, carros voadores, anúncios de filmes que “saltam” em sua direção, televisores do tamanho de janelas (isso sim é pertinente aos dias atuais, mas não é tão financeiramente acessível assim a ponto de uma família da periferia poder adquiri-lo, conforme sugere o filme) e coleiras automáticas que levam os cachorros pra darem um rolê pelas ruas?

Aí não teve jeito. Eu, mais uma legião de novos fãs, ficamos doidões pela produção de Steven Spilberg. Corri atrás dos outros dois filmes e amei todos. Na época, eu era alienadaço pra Dedéu (pra se ter uma ideia, após assistir ao filme pela 1ª vez passei a tomar somente Pepsi dietética por um bom tempo, sempre influenciado por Marty McFly, é claro) e tinha o péssimo hábito de sempre achar o último episódio de uma cinessérie o melhor de todos (hoje em dia, geralmente (e isso também diz respeito à trilogia em questão), é o contrário). Aliado isso ao fato de eu sempre ter sido fissuradão no mundialmente folclórico oeste longínquo estadunidense, é claro que o terceiro, e último, episódio tornou-se o meu franco favorito dentre os demais. Naquele tempo, era o meu filme predileto; o meu top 1; o meu “The God Fucking Father”; a minha razão de viver; a minha... bom, acho melhor parar por aqui mesmo.

Mas a verdade é que, com essa minha iniciação na saga através do segundo capítulo, e com a minha babação de ovo geral pelo terceiro, tornei-me um jovem cinéfilo. Bitolado no último, assistia a “De Volta Para o Futuro – Parte III” fim de semana sim, noutro fim de semana também (e precisava ver como o dono da locadora ficava feliz da vida com isso). Não deixava, no entanto, de assistir a vários outros filmes, na expectativa de encontrar um parceiro para a trilogia definitiva sobre viagem no tempo, mas não tinha jeito. Marty, Doc. Brown e o cão Einstein (e o cão Copérnico também) – e a Lorraine, versão anos 1950, que fez com que Lea Thompson viesse a ser o primeiro amor platônico cinematográfico de minha vida (e quem diria que eu acabaria virando celibatário... pois é, é a vida, ou melhor... é a razão... ou não), já que ela fazia o meu tipo de mulher preferida: a meiguinha com carinha de santa, mas safadinha... conhecida como meigalinha (Sacaram? Meiga/galinha. Hã? Hã? É, eu sei, eu sei... foi péssima) – eram incomparáveis para mim.

E prum moleque que, naquela época, havia passado mais da metade de seus dias de existência na década tida como a mais dispensável da história da humanidade, era praticamente impossível não amar incondicionalmente todos os três “De Volta Para o Futuro”, já que os filmes eram a cara daqueles tempos. Era como ser adepto do Islamismo e não viajar pra Meca, era como curtir Iron Maiden (também anos 1980) sem chacoalhar a cabeça, era como jogar Atari (pois é, também anos 1980 puríssimo) e não se irritar, e ao mesmo tempo se amarrar, com os sonzinhos típicos dos games 8 bits (parecidíssimos com os solinhos de teclado do novo álbum do Belle & Sebastian), era como... enfim... era como qualquer outra analogia besta que eu possa sugerir por aqui.

Mas fazia um tempão que eu não assistia aos filmes estrelados por J. Fox. Dei uma passada então nas Americanas (e não estou fazendo merchan), vi um Box da trilogia por R$ 19,90 (!!!) e saquei o cartão de crédito na hora. Enrolei um bom tempo para assisti-los e pensei que, com o semi-feriadão de virada do ano, era hora de botar o DVD velho da sala pra funcionar mais uma vez.

E mais uma vez pirei com a trilogia! Só que, dessa vez, inverti totalmente a minha ordem de preferência, passando a considerar o primeiro filme o melhor, e o terceiro o “menos melhor” (é... eu sei... não precisam dar-me aulas de gramática). However, desde o plano-sequência – que, após registrar, através de travellings, vários relógios despertando ao mesmo tempo, nos dá uma prévia do que será a figura excêntrica de Emett Brown e do quão fissurado pelo tempo o velhote nerdão é – que abre o episódio inicial, até a tomada que mostra o trem de Doc. Brown voando em direção à câmera, encerrando assim o terceiro filme, somos presenteados com uma infinidade de cenas que automaticamente viriam a entrar pra história do Cinema.

O que dizer da hilária cena em que, após contar aos filhos como conheceu o marido, Lorraine McFly frustra-se ao ver o esposo rindo feito um idiota ao assistir, pela milésima vez em sua vida, uma comédia antiga pra burro? E os sujeitos pirados que “matam” Doc. Brown guiando uma Kombi (veículo tipicamente ocidental) e usando turbantes (vestimenta tipicamente oriental)? E (minha predileta) o susto que Marty dá em uma típica família rural estadunidense dos anos 1950 após “invadir” o celeiro desta e ser confundido com um E.T.? E o modo como o protagonista usa uma fita do Van Halen pra assustar o pai – dos anos 1950 – e depois se identifica como Darth Vader? E o modo como a mãe – também dos anos 1950 – dá ao garoto o apelido de Calvin Klein? E a cena do esterco envolvendo o brutamontes Biff (que viria a ser sabiamente repetida nos dois últimos episódios)? E o modo como Marty “ensina” Chuck Berry a compor e a tocar “Jhonny B. Good” (Zemeckis, aliás, é especialista neste tipo de incidentes hilários que abalam a história da humanidade e funcionam organicamente, como a gente pode ver em maior grau, mas em menor qualidade, no ótimo “Forrest Gump”)? E (a cena mais conhecida da trilogia) quando Doc. Brown, ao segurar as duas pontas de dois fios, quase é eletrocutado por um raio? E... ah, chega de “E...”!

No mais, é isso. O primeiro episódio tem tudo isso que eu falei aí em cima e muitíssimo mais (muitíssimo mais mesmo). O segundo já segue uma linha mais loucaça (e é impressionante constatarmos a engenhosidade do roteiro, que cria uma p*ta trama em cima de um singelo livro), cheia de suas idas e vindas que se amarram mais do que naturalmente (sem contar o momento mais tenso de toda a saga – Marty, Biff, o Cadilac vermelho, o skate voador, o túnel, o livro e, é claro, o caminhão de estrume – daqueles que, quando acaba, você grita “gol” e corre medir a sua pressão arterial pra ver se tá tudo ok... e, é claro, a já comentada visão futurista otimista e nerdística de Spilberg, Zemeckis e Cia.), enquanto que o terceiro, se comparado aos anteriores, conta com uma estória bacana, mas que fica devendo (é tipo quando você toma uma Heineken, aí depois toma uma Bohemia e, no final, toma uma Bhrama, que é muito boa, mas fica devendo pras outras duas, principalmente pra primeira) e, é claro, o romance entre Doc. Christopher Loiyd Brown e Clara Clayton, que não emplaca nem f****do. Ainda assim, as homenagens a clássicos excepcionais como: “Por um Punhado de Dólares”, “Era Uma Vez no Oeste”, “Matar ou Morrer” e (quem diria, hein?) “Taxi Driver”, o senso de humor impagável (Clint Eastwood), o raccord que “transforma” o Marty McFly que vai de encontro a uma gravura de um grupo de nativos estadunidenses lutando, no Marty McFly que vai realmente de encontro a um grupo de nativos estadunidenses lutando pra valer, a recriação do velho oeste, a cena do trem (que, em termos de tensão, deve muito pouco, mesmo, à cena do túnel no segundo filme) e a destruição do DeLorean (um dos momentos mais tristes da história do Cinema... e aqui confesso que, sem o meu pai (que assistiu ao filme comigo novamente) notar, virei o rosto para enxugar as poucas (foram poucas mesmo, antes que alguém venha me zoar) lágrimas que escorriam dos meus olhos), fazem o filme levar a sua câmera de prata (leia-se: quatro estrelas).

Engraçada, diferente, inteligente, inovadora, revolucionária e, mais importante, divertida, a saga “De Volta Para o Futuro” é a cara dos anos 1980 (note a calça de cintura baixa usada por Marty e a sua jaqueta com cara de colete salva-vidas) e o resumo de uma década que, apesar de bastante falha do ponto de vista artístico, ao menos botava a família toda pra comer pipoca e se entreter na frente da TV.

Micro-Críticas de Twitter: "Tron - Uma Odisséia Eletrônica" e "Tron - O Legado"

2010-12-31T22:55:00.004-02:00

Como ficção-científica, “Tron – Uma Odisséia Eletrônica” revolucionou o gênero e mostrou-se vanguardista (preciso parar um pouco de usar esta palavra) ao estabelecer certos conceitos de realidade virtual não vistos até então. Como Cinema, foi um deleite visual e um avanço considerável no que se refere aos seus efeitos visuais. Como narrativa, todavia, é incompetente e confuso demais ao desenrolar uma trama tecnicamente simples, tornando-se consideravelmente enfadonho em sua metade final. Cotação: 3/5.

Longe de ter um visual tão impressionante quanto o filme que lhe deu origem, “Tron – O Legado” também está longe de influenciar e revolucionar o gênero. Mesmo assim, a direção de arte é competentíssima e a fotografia acerta ao dar destaque total ao branco, preto e laranja. Desta vez a trama é ainda mais simples e, apesar de não ser tão eficiente, além de conter uns pequenos clichês, ganha tempo de sobra para ser explicada e desenvolvida nos conformes. Cotação: 3/5.

Top 10 - Melhores (e Piores) Filmes de 2010

2010-12-31T22:03:00.009-02:00

Final de ano é sempre a mesma coisa nos blogs de Cinema. Aquele baita clichê de relaçãozinha de filminhos, numerozinhos, estrelinhas e o diabo a quatro.

O pior de tudo é constatar que, como cinéfilo, sou bem vagabundo (e se como cinéfilo sou ocioso, calcule nos demais aspectos). Neste ano, vergonhosamente (e confesso que estou REALMENTE envergonhado) assisti a menos filmes do que havia assistido nos últimos cinco anos, sendo que não atingi sequer a marca das noventa produções. Bom, pelo menos assisti a mais de um filme por semana, se formos tirar a média (pois é, bela merda!).

Enfim, chega de tagarelar (como faço costumeiramente) e vamos às explicações (ou seja, agora vou tagarelar ainda mais):

* Como podem perceber, segue abaixo a relação de filmes que assisti durante o ano de 2010. Juntamente com os títulos nacionais de cada obra cinematográfica, seguem: o título original destas, o(s) país(es) onde foram produzidas (lembrando que, o quesito para determinar a(s) nacionalidade(s) de um determinado filme consiste, assim como tudo em um mundo capEtalista, na nacionalidade da origem da grana utilizada para realizá-lo), o ano em que foram produzidas, o(s) nome(s) de seu(seus/sua/suas) diretor(diretores/diretora/diretoras) e, é claro, a cotação delas.

* Falando em cotações, vale lembrar que as avaliações do Cine-Phylum variam de 0 a 5 estrelas (e este ano, felizmente, não assisti a nenhum filme digno de 0 estrelas), sendo ° (0) para filmes péssimos (o quê não aconteceu em 2010), * (1) para filmes ruins, ** (2) para filmes razoáveis, *** (3) para bons filmes, **** (4) para ótimos filmes e ***** (5) para obras-primas.

* Ao fim da relação, seguem quatro tops: sendo o primeiro, a relação dos 10 melhores filmes que assisti neste ano, independentemente de sua data de lançamento no Brasil e no resto do mundo; o segundo, a relação dos 10 piores filmes que assisti neste ano, independentemente de sua data de lançamento no Brasil e no resto do mundo; o terceiro, a relação dos 10 melhores filmes que assisti neste ano e que foram lançados comercialmente no Brasil em 2010; o quarto, a relação dos 10 melhores filmes que assisti neste ano e que foram lançados comercialmente no Brasil em 2010.

* No primeiro top, selecionei 11 filmes, visto que as produções que ocupam os lugares de n.° 7 e 8 são duas versões diferentes de um mesmo longa (“Blade Runner”), ou seja, se deixasse apenas 10 produções listadas, teríamos, na prática, apenas 9 e... enfim, vocês entenderam...

* Não sei o porquê listei a explicação acima, agora terei que admitir que assisti a apenas 80 filmes, ao invés de 83, já que as produções de n.° 07, 08, 09 e 10, na relação geral, são quatro versões diferentes de uma mesma obra fílmica.

* Lembrando que, na relação geral, ~~estão~~ estarão listadas as produções as quais assisti neste ano em ordem alfabética, assim que arrumar ~~paciência~~ tempo para tal. No primeiro e no terceiro top as produções foram listadas de acordo com a minha ordem de preferência e no segundo e no quarto top elas foram listadas de acordo com a minha ordem de rejeição.

* Gostaria de dizer também que... ah, deixa pra lá... já escrevi demais.

Relação geral dos filmes assistidos em 2010:

01 – O Poderoso Chefão (The Godfather, EUA, 1972, Francis Ford Coppola) - *****

02 – O Poderoso Chefão – Parte II (The Godfather – Part II, EUA, 1974, Francis Ford Coppola) - *****

03 – O Poderoso Chefão – Parte III (The Godfather – Part III, EUA, 1990, Francis Ford Coppola) - *****

04 – Sherlock Holmes (Sherlock Holmes, EUA, 2009, Guy Ritchie) - ****

05 – Onde Vivem os Monstros (Where The Wild Things Are, EUA, 2009, Spike Jonze) - ***

06 – A Mente Que Mente (The Great Buck Howard, EUA, 2008, Sean McGinly) - **

07 – Blade Runner – Versão para Cinema EUA (Blade Runner, EUA/HKG, 1982, Ridley Scott) - ****

08 – Blade Runner – Versão para Cinema Internacional (Blade Runner – International Cut, EUA/HKG, 1982, Ridley Scott) - ****

09 – Blade Runner – Versão do Diretor (Blade Runner – Director Cut, EUA/HKG, 1992, Ridley Scott) - *****

10 – Blade Runner – Versão Final do Diretor (Blade Runner – Final Director Cut, EUA/HKG, 2007, Ridley Scott) - *****

11 – Um Olhar do Paraíso (The Lovely Bones, EUA/GBR/NZL, 2009, Peter Jackson). - **

12 – Amor sem Escalas (Up in the Air, EUA, 2009, Jason Reitman) - ****

13 – Invictus (Invictus, EUA, 2009, Clint Eastwood) - *

14 – Preciosa – Uma História de Esperança (Precious, EUA, 2009, Lee Daniels) - ****

15 – Educação (An Educacion, GBR/EUA, 2009, Lone Scherfig) - ****

16 – Um Homem Sério (A Serious Man, EUA, 2009, Joel e Ethan Coen) - ****

17 – Um Sonho Possível (The Blind Side, EUA, 2009, John Lee Hancock) - *

18 – Coração Louco (Crazy Heart, EUA, 2009, Scott Cooper) - ****

19 – In The Loop (In The Loop, GBR, 2009, Armando Iannucci) - *****

20 – Ilha do Medo (Shutter Island, EUA, 2010, Martin Scorsese) - ****

21 – Alice no País das Maravilhas (Alice in Wonderland, EUA, 1951, Clyde Geronimi, Wilfred Jackson e Hamilton Luske) - *****

22 – Alice no País das Maravilhas (Alice in Wonderland, EUA, 2010, Tim Burton) - ***

23 – Homem de Ferro 2 (Iron Man 2, EUA, 2010, Jon Favreau) - ****

24 – Tudo Pode Dar Certo (Wathever Works, EUA, 2009, Woody Allen) - ****

25 – As Melhores Coisas do Mundo (As Melhores Coisas do Mundo, BRA, 2010, Laís Bodanzky) - *****

26 – Fúria de Titãs (Crash of the Titans, EUA, 1981, Desmond Davis) - ****

27 – Fúria de Titãs (Crash of the Titans, EUA, 2010, Louis Leterrier) - ***

28 – Pacto Sinistro (Strangers on a Train, EUA, 1951, Alfred Hitchcock) - ****

29 – As Aventuras de Robin Hood (The Adventures of Robin Hood, EUA, 1938, Michael Curtiz, William Keighley) - ****

30 – Laranja Mecânica (A Clockwork Orange, GBR/EUA, 1971, Stanley Kubrick) - *****

31 – A Fita Branca (Das Weisse Band - Eine deutsche Kindergeschichite, DEU/AUT/FRA/ITA, 2009, Michael Haneke) - *****

32 – Robin Hood (Robin Hood, GBR/ EUA, 2010, Ridley Scott) - **

33 – O Demônio das Onze Horas (Pierrot le Fou, FRA/ITA, 1965, Jean-Luc Godard) - *****

34 – Príncipe da Pérsia – As Areias do Tempo (Prince of Pérsia – The Sands of Time, EUA, 2010, Mike Newell) - ***

35 – Kick Ass – Quebrando Tudo (Kick Ass, GBR/EUA, 2010, Matthew Vaughn) - ****

36 – A Saga Crepúsculo: Eclipse (Eclipse, EUA, 2010, David Slade) - ***

37 – À Prova de Morte (Death Proof, EUA, 2007, Quentin Tarantino) - ****

38 – Predadores (Predators, EUA, 2010, Nimród Antal) - *

39 – A Origem (Inception, EUA, 2010, Christopher Nolan) - ****

40 – O Aprendiz de Feiticeiro (The Sorcerer's Apprentice, EUA, 2010, Jon Turteltaub) - *

41 – O Último Mestre do Ar (The Last Airbender, EUA, 2010, M. Night Shyamalan) - ***

42 – Karatê Kid – A Hora da Verdade (The Karate Kid, EUA, 1984, John G. Avildsen) - ****

43 – The Karate Kid (The Karate Kid, EUA/CHI, 2010, Harald Zwart) - ***

44 – [ *REC ] 2: Possuídos ([ *REC ] 2, ESP, 2009, Jaume Balagueró e Paco Plaza) - *

45 – Natureza Quase Humana (Human Nature, FRA/EUA, 2001, Michel Gondry) - *****

46 – Brilho Eterno de uma Mente Sem Lembranças (Eternal Sunshine of the Spotless Mind, EUA, 2004, Michel Gondry) - *****

47 – Sonhando Acordado (La Science des Rêves, FRA/ITA, 2006, Michel Gondry) - ****

48 - Rebobine, Por Favor (Be Kind, Rewind, GRB, EUA, 2008, Michel Gondry) - ***

49 – Pickpocket – O Batedor de Carteiras (Pickpocket, FRA, 1959, Robert Bresson) - *****

50 – Solomon Kane – O Caçador de Demônios (Solomon Kane, FRA/CZE/GBR, 2009, Michael J. Bassett) - **

51 – A Ressaca (Hot Tube Time Machine, EUA, 2010, Steve Pink) - **

52 – Nosso Lar (Nosso Lar, BRA, 2010, Wagner de Assis) - *

53 – Wall Street: Poder e Cobiça (Wall Street, EUA, 1987, Oliver Stone) - *****

54 – Touro Indomável (Raging Bull, EUA, 1980, Martin Scorsese) - *****

55 – Tropa de Elite 2 - O Inimigo Agora é Outro (Tropa de Elite 2 - O Inimigo Agora é Outro, BRA, 2010, José Padilha). - *****

56 – Wall Street: O Dinheiro Nunca Dorme (Wall Street: Money Never Sleeps, EUA, 2010, Oliver Stone) - ****

57 – The Runaways – Garotas do Rock (The Runaways, EUA, 2010, Floria Sigismond) - **

58 – Jean Gentil (Jean Gentil, DOM/MEX/GER, 2010, Israel Cárdenas e Laura Amelia Guzmán) - ****

59 – Distantes Juntos (Tuan Yuan, CHI, 2010, Wang Quanan) - **

60 – Nossa Vida (La Nostra Vita, ITA/FRA, 2010, Daniele Luchetti) - *****

61 – Pink Floyd – The Wall (Pink Floyd – The Wall, ING, 1982, Alan Parker) - *****

62 – Como Eu Terminei Este Verão (Kak Ya Provel Etim Letom, RUS, 2010, Alexei Popogrebsky) - **

63 – Se Eu Quiser Assobiar, Eu Assobio (Eu Cand Vreau Sa Fluier, Fluier, ROM/SWE, 2010, Florin Serban) - ***

64 – Bróder! (Bróder!, BRA, 2010, Jefferson De) - ****

65 – Ano Bissexto (Año Bissexto, MEX, 2010, Michael Rowe) - ****

66 – Minha Vida Com Carlos (Mi Vida con Carlos, CHL/ESP, 2010, Germán Berger-Hertz) - ***

67 – Filme Socialismo (Film Socialisme, CHE/FRA, 2010, Jean-Luc Godard) - **

68 – Outubro (Outubro, PER, 2010, Diego Vega) - ****

69 – Harry Potter e o Prisioneiro de Azkaban (Harry Potter and the Prisioner of Azkaban, GBR/EUA, 2004, Alfonso Cuarón) - ****

70 – Harry Potter e o Cálice de Fogo (Harry Potter and the Goblet of Fire, GBR/EUA, 2005, Mike Newell) - ****

71 – Harry Potter e a Ordem da Fênix (Harry Potter and the Order of the Phoenix, GBR/EUA, 2007, David Yates) - **

72 – Harry Potter e o Enigma do Príncipe (Harry Potter and the Half-Blood Prince, GBR/EUA, 2009, David Yates) - **

73 – Harry Potter e as Relíquias da Morte: Parte 1 (Harry Potter and the Deathly Hallows: Part 1, GBR/EUA, 2010, David Yates) - *****

74 – A Rede Social (The Social Network, EUA, 2010, David Fincher) – ****

75 – As Crônicas de Nárnia – O Leão, a Feiticeira e o Guarda-Roupa (The Chronicles of Narnia: the Lion, the Witch and the Wardrobe, EUA/GBR, 2005, Andrew Adamson) - **

76 – As Crônicas de Nárnia – Príncipe Caspian (The Chronicles of Narnia: Prince Caspian, EUA/POL/SVN/CZE, 2008, Andrew Adamson) - ****

77 – As Crônicas de Nárnia – A Viagem do Peregrino da Alvorada (The Chronicles of Narnia: The Voyage of the Dawn Treader, EUA, 2010, Michael Apted) - ***

78 – O Garoto de Liverpool (Nowhere Boy, GBR/CAN, 2009, Sam Taylor-Wood) - **

79 – Mestre dos Mares – O Lado Mais Distante do Mundo (Master and Commander: The Far Side of the World, EUA, 2003, Peter Weir) - *****

80 – Scott Pilgrim Contra o Mundo (Scott Pilgrim vs. the World, EUA, 2010, Edgar Wright) - ****

81 – Megamente (Megamind, EUA, 2010, Tom McGrath) – ***

82 – Tron – Uma Odisséia Eletrônica (TRON, EUA, 1982, Steven Lisberg) - ***

83 – Tron – O Legado (TRON: Legacy, EUA, 2010, Joseph Kosinski) - ***

Top 10 – Melhores filmes de 2010 (independentemente da data de seu lançamento):

1 – O Poderoso Chefão (The Godfather, EUA, 1972, Francis Ford Coppola).

2 – Laranja Mecânica (A Clockwork Orange, GBR/EUA, 1971, Stanley Kubrick).

3 – O Poderoso Chefão – Parte II (The Godfather – Part II, EUA, 1974, Francis Ford Coppola).

4 – O Poderoso Chefão – Parte III (The Godfather – Part III, EUA, 1990, Francis Ford Coppola).

5 – Pickpocket – O Batedor de Carteiras (Pickpocket, FRA, 1959, Robert Bresson).

6 – O Demônio das Onze Horas (Pierrot le Fou, FRA/ITA, 1965, Jean-Luc Godard).

7 – Natureza Quase Humana (Human Nature, FRA/EUA, 2001, Michel Gondry).

8 – Blade Runner – Versão Final do Diretor (Blade Runner – Final Director Cut, EUA/HKG, 2007, Ridley Scott).

9 – Blade Runner – Versão do Diretor (Blade Runner – Director Cut, EUA/HKG, 1992, Ridley Scott).

10 – Brilho Eterno de uma Mente Sem Lembranças (Eternal Sunshine of the Spotless Mind, EUA, 2004, Michel Gondry).

11 – Tropa de Elite 2 (Tropa de Elite 2, BRA, 2010, José Padilha).

Top 10 – Piores filmes de 2010 (independentemente da data de seu lançamento):

1 – [ *REC ] 2: Possuídos ([ *REC ] 2, ESP, 2009, Jaume Balagueró e Paco Plaza).

2 – Nosso Lar (Nosso Lar, BRA, 2010, Wagner de Assis).

3 – O Aprendiz de Feiticeiro (The Sorcerer's Apprentice, EUA, 2010, Jon Turteltaub).

4 – Invictus (Invictus, EUA, 2009, Clint Eastwood).

5 – Um Sonho Possível (The Blind Side, EUA, 2009, John Lee Hancock).

6 – Predadores (Predators, EUA, 2010, Nimród Antal).

7 – Como Eu Terminei Este Verão (Kak Ya Provel Etim Letom, RUS, 2010, Alexei Popogrebsky).

8 – Solomon Kane: O Caçador de Demônios (Solomon Kane, FRA/CZE/GBR, 2009, Michael J. Bassett).

9 – Um Olhar do Paraíso (The Lovely Bones, EUA/GBR/NZL, 2009, Peter Jackson).

10 – Filme Socialismo (Film Socialisme, CHE/FRA, 2010, Jean-Luc Godard).

Top 10 - Melhores filmes de 2010 (lançados comercialmente no Brasil em 2010):

1 – Tropa de Elite 2 - O Inimigo Agora é Outro (Tropa de Elite 2 - O Inimigo Agora é Outro, BRA, 2010, José Padilha).

2 – A Fita Branca (Das Weisse Band - Eine deutsche Kindergeschichite, DEU/AUT/FRA/ITA, 2009, Michael Haneke).

3 – Harry Potter e as Relíquias da Morte: Parte 1 (Harry Potter and the Deathly Hallows: Part 1, GBR/EUA, 2010, David Yates).

4 – As Melhores Coisas do Mundo (As Melhores Coisas do Mundo, BRA, 2010, Laís Bodanzky).

5 – Ilha do Medo (Shutter Island, EUA, 2010, Martin Scorsese).

6 – À Prova de Morte (Death Proof, EUA, 2007, Quentin Tarantino).

7 – Kick Ass – Quebrando Tudo (Kick Ass, GBR/EUA, 2010, Matthew Vaughn).

8 – A Origem (Inception, EUA/GBR, 2010, Christopher Nolan).

9 – A Rede Social (The Social Network, EUA, 2010, David Fincher).

10 – Tudo Pode Dar Certo (Wathever Works, EUA, 2009, Woody Allen).

Menções honrosas:

11 – Um Homem Sério (A Serious Man, EUA, 2009, Ethan e Joel Coen).

12 – Amor Sem Escalas (Up in the Air, EUA, 2009, Jason Reitman).

13 – Wall Street: O Dinheiro Nunca Dorme (Wall Street: Money Never Sleeps, EUA, 2010, Oliver Stone).

14 – Sherlock Holmes (Sherlock Homes, EUA, 2010, Guy Ritchie).

15 – Coração Louco (Crazy Heart, EUA, 2009, Scott Cooper).

16 – Scott Pilgrim Contra o Mundo (Scott Pilgrim vs. the World, EUA, 2010, Edgar Wright).

17 – Preciosa – Uma História de Esperança (Precious, EUA, 2009, Lee Daniels).

18 – Educação (An Educacion, GBR/EUA, 2009, Lone Scherfig).

Top 10 – Piores filmes de 2010 (lançados comercialmente no Brasil em 2010):

1 – [ *REC ] 2: Possuídos ([ *REC ] 2, ESP, 2009, Jaume Balagueró e Paco Plaza).

2 – Nosso Lar (Nosso Lar, BRA, 2010, Wagner de Assis).

3 – O Aprendiz de Feiticeiro (The Sorcerer's Apprentice, EUA, 2010, Jon Turteltaub).

4 – Invictus (Invictus, EUA, 2009, Clint Eastwood).

5 – Um Sonho Possível (The Blind Side, EUA, 2009, John Lee Hancock).

6 – Predadores (Predators, EUA, 2010, Nimród Antal).

7 – Solomon Kane: O Caçador de Demônios (Solomon Kane, FRA/CZE/GBR, 2009, Michael J. Bassett).

8 – Um Olhar do Paraíso (The Lovely Bones, EUA/GBR/NZL, 2009, Peter Jackson).

9 – Filme Socialismo (Film Socialisme, CHE/FRA, 2010, Jean-Luc Godard).

10 – The Runaways – Garotas do Rock (The Runaways, EUA, 2010, Floria Sigismond).

Menções horrorosas:

11 – Robin Hood (Robin Hood, EUA/GBR, 2010, Ridley Scott).

12 – A Ressaca (Hot Tube Time Machine, EUA, 2010, Steve Pink).

13 – A Mente Que Mente (The Great Buck Howard, EUA, 2008, Sean McGinly).

14 – O Garoto de Liverpool (Nowhere Boy, GBR/CAN, 2009, Sam Taylor-Wood).

Bom é isso. Feliz Ano Novo a todos e que em 2011 blá, blá, blá...

O Cine-Phylum em gráficos - 2010

2010-12-31T13:27:00.004-02:00

Aí está o desempenho do Cine-Phylum (o http://www.cinephylum.com.br/, não a versão Blogspot, que voltei a utilizar temporareamente) durante este ano de 2010, em gráficos (e sim, tem que clicar na imagem para poder vizualizar os dados):

Tivemos mais de 120.000 visitas e 360.000 pageviews entre janeiro e dezembro e só gostaria de dizer que, se tivesse condições financeiras... bem... eu daria, sei lá, R$ 1,00 pra cada um de vocês :p

Brincadeiras à parte, gostaria de agradecer muitíssimo mesmo a presença de todos vocês ao longo deste ano e que, em 2011, continuemos por aqui analisando cada vez mais filmes.

Abraços!

Oscar 2011 - Prováveis Vencedores (Ou Provavelmente Não)

2010-12-31T03:31:00.006-02:00

Sou vanguardista. Isso é fato.

Galera encanada em saber quem serão os indicados ao próximo Oscar e eu aqui, já fazendo as apostas nos prováveis vencedores.

Ok, ok... eu sei... não é vanguardismo nenhum indicar os possíveis vencedores deste próximo Oscar (e espero que tenham captado o tom jocoso e irônico de meus dizeres no início deste texto), pois, como percebemos, esta cerimônia será certamente a mais previsível de todos os tempos (no que se refere à filme, direção e roteiro. As demais categorias ainda continuam levemente obscuras). Mesmo.

A vitória de “Quem Quer Ser um Milionário?”, em 2009, era tão certa quanto o fato de leite de soja sabor milho-verde ser uma das piores porcarias líquidas já criadas pelo ser humano. Mas ainda assim, o filme dirigido por Danny Boyle era levemente arranhado por “O Curioso Caso de Benjamin Button”, que recebeu não menos do que 13 indicações aos mais variados prêmios do troféu careca de ouro e, como bem sabemos, esse número respeitável de indicações impõe moral a qualquer concorrente que seja.

Mas e “A Rede Social”? A produção que, como “... Benjamin Button”, foi dirigida por David Fincher, vem arrematando todos os prêmios gringos de final de ano. Não bastasse isso, diferentemente de “... Milionário?”, “A Rede Social” certamente não terá nenhum outro grande concorrente.

A cerimônia do próximo ano volta a ocorrer em fevereiro, ou seja, dificilmente algum outro filme – seja “A Origem”, seja “Cisne Negro” – conseguirá fazer uma campanha tão forte para desbancar a obra dirigida por Fincher em tão pouco tempo.

Isso sem contar, é claro, que a única produção capaz de desbancar o longa que discorre sobre a criação do Facebook seria “A Origem”, que conta com muito mais glamour por parte do público – e até mesmo da crítica especializada – do que “A Rede Social”. Entretanto, os velhotes conservadores que botam as cartas na mesa da Academia dificilmente vão prestigiar um filme com uma proposta vanguardista pra burro, o que é o caso de “A Origem”. Tampouco darão muita chance a “Cisne Negro”, produção que vem atiçando a libido masculina com um beijo homossexual mais do que lascivo ocorrido entre Natalie Portman e Mila Kunis, algo, digamos, avançadinho demais para os anfitriões da mais tradicional e superestimada premiação da Sétima Arte.

Enfim, chega de papo furado e vamos aos meus palpites:

Melhor Filme – “A Rede Social”

Melhor Direção – David Fincher, por “A Rede Social”

Melhor Ator – James Franco, por “127 Horas”

Melhor Atriz – Natalie Portman, por “Cisne Negro”

Melhor Ator Coadjuvante – Christian Bale, por “O Vencedor”

Melhor Atriz Coadjuvante – Em dúvida, prefiro não opinar.

Melhor Roteiro Original – “A Origem”

Melhor Roteiro Adaptado – “A Rede Social”

Melhor Edição – “A Origem”

Melhor Animação – “Toy Store 3”

Melhor Fotografia – “A Origem”

Bom. É isso.

O quê? As demais categorias? Hummm... minha bola de cristal nada confiável só apontou-me os prováveis vencedores acima, já os demais, deixo para as próximas semanas, tudo bem?

Melhores filmes da década de 2.000 - Episode II - The Empire Strikes Back

2010-12-31T00:44:00.012-02:00

Cada cabeça uma sentença. Tem aquele que diz que a primeira década deste novo século (e novo milênio também) teve o seu fim às 00h00min00seg de 1º de janeiro de 2010 (encaixo-me neste grupo). Tem o outro que vem e fala que a década só termina às 00h00min00seg de amanhã. Tem também o ciclano que não tá nem aí pra porcaria nenhuma, mas esse não vem ao caso no momento.

A parada (linguagem de mano... eca!) é que, termine a década quando terminar, no início de 2010 publiquei a seguinte lista.

Pois é, pensando por esse lado, informo à galerinha do segundo grupo citado acima que, se continuam insistindo que a década realmente termina após o profético (profético? Sim, eu não tinha nada melhor para dizer) dia de hoje, considerem a lista linkada no parágrafo acima e somem os filmes abaixo:

* Tropa de Elite 2 - Aos que acreditavam que o filme de estréia já havia atirado balas certeiras para tudo o que é lado, em 2010 surgiu esta continuação infinitamente mais madura, e ainda mais perfeita, que foca mais no lado político da coisa e dispara uma bala de rifle automático com mira laser.

* A Origem - Creio que "A Origem" tenha lá as suas falhas, mas a produção merece muitíssimo destaque por mostrar-se deliciosamente vanguardista em muitos aspectos como: roteiro, direção e, é claro, montagem.

* Scott Pilgrim Contra o Mundo - Também acho que "Scott Pilgrim..." tenha lá as suas falhas. Por outro lado, também acho que a produção merece destaque por mostrar-se deliciosamente (ainda que nem tanto) vanguardista, principalmente no que diz respeito à sua montagem. Possivelmente, influenciará no jeito de se fazer filmes teen nerdísticos daqui para a frente. Ou não.

* A Rede Social - Outra produção com as suas falhas, mas que merece destaque por ser o espelho da geração interneteira nerdística pseudo-exibicionista.

* Harry Potter e as Relíquias da Morte: Parte 1 - Início (ou seria meio?) do fim da franquia mais rentável da década. Eficientíssimo como Cinema, provando que, cada vez mais, o dito Cinema-pipoca valoriza a linguagem cinematográfica. Ou não.

* Toy Story 3 - Esse eu ainda nem assisti, mas vale citar por completar a trilogia que, definitivamente, mudou absolutamente todos os conceitos gráficos de animação.

* Nossa Vida - Elio Germano não é o novo Robert DeNiro, mas constrói seu personagem com um vigor parecidíssimo com o do eterno "Touro Indomável" (embora ambos os atores tenham estilos diferentes).

* As Melhores Coisas do Mundo - Filme brasileiro menor e com uma visão longe das periferias, "As Melhores Coisas do Mundo" investe em um drama teen que reinventa os clichês do gênero e revela-se deliciosamente tocante, mas sem jamais mostra-se piegas.

Bom, é isso. Modifiquei ~~um pouco~~ muitíssimo a proposta da primeira lista, mas, no geral, acabei selecionando alguns dos que julgo ser os melhores filmes de 2010 - e, consequentemente, da década - e alguns outros que, apesar de não considerar necessariamente obras fílmicas excepcionais, aposto na possibilidade de suas respectivas propostas influenciarem em produções a serem lançadas futuramente. Ou não.

Top 3 - Melhores Músicas de 2010

2010-12-30T22:41:00.008-02:00

Ainda continuando no clichezão de fim de ano, gostaria de aproveitar o fato de 2010 ter sido extremamente musical pra mim (e 2011 será ainda mais) e publicar um Top 3 com as minhas músicas prediletas lançadas durante este ano.

Comecemos com a 3ª:

The Drums é uma banda de indie pop (seguindo a linha do post-punk revival) nova-iorquina surgida no ano passado, lançando o single Summertime: que ficou famosérrimo por ter hypeado a já clássica "Let's Go Surfing", entre outras. Fortalecido pelo vocal de Jonathan Pierce, no melhor estilão de tom: Steven Patrick Morrissey (este que afirmou gostar bastante da banda em questão), o quarteto (que sofreu uma substituição na guitarra: saindo Adam Kessler e entrando Jacob Graham), que agora é apenas um trio, provou em 2010 - com o álbum que carrega consigo o nome do grupo - que veio, definitivamente, para ficar, conforme constatamos com a melancólica, mas com uma batida executada de forma bem blasé (conforme rege o manual indie): "Best Friend".

A 2ª colocada é uma do Belle & Sebastian:

Há quatro anos sem lançar um álbum de estúdio, a banda de twee pop, natural da cool Glasgow, resolveu reaparecer em 2010 com a corda toda. Lançaram então o "Write About Love", que torra o saco em alguns momentos pelo excesso de homenagens aos anos 1980, sobretudo os solinhos de teclado, que lembram aquelas musiquinhas de video-game de 8 bits. Juro que, enquanto ouvia certas faixas deste novo álbum, lembrava-me imediatamente daquele brinquedo brega pra cacete: o genesis... digo... genius. Wathever, o que importa é que o "Write About Love" é uma ótima compilação de músicas em geral, dentre as quais, a que mais se destaca acaba sendo: "I'm Not Living in the Real World", lindérrima até dizer chega.

E a medalha de ouro vai para... o ~~Oasis sem Noel Gallagher~~ Beady Eye:

Negada que achava Oasis uma merda (longe de ser o meu caso, já que sou fã incondicional da banda que lançou os irmãos Gallagher pro mundo da Música) se ferrou de acordo ao comemorarem o fim da banda; Ainda que voltem sem o seu ícone máximo: o guitarrista Noel, os ingleses de Manchester formaram, em 2009 - antes mesmo do fim oficial do conjunto musical de maior renome na terra da raínha durante os anos 1990 - o Beady Eye e, neste ano, tocaram o terror com o lançamento do single "Bring the Light". A faixa-título, aliás, segue uma linha anos 1950 mais ousados. Imaginem Jerry Lee Lewis com uma "Great Balls of Fire" em um ritmo mais pro post-britpop. Imaginaram? Pois é, esta é "Bring the Light", minha música predileta lançada em 2010 (e quem se importa, né memo?).

Micro-Críticas de Twitter: "O Garoto de Liverpool", "Megamente" e "Scott Pilgrim Contra o Mundo"

2010-12-30T00:16:00.005-02:00

Tão melodramático quanto uma novela mexicana (e não, não estou exagerando. Mesmo), “O Garoto de Liverpool” concentra as suas poucas forças em seu elenco – que ora erra na mão e abusa do overacting, ora revelasse efusivo na medida certa – e em seu protagonista, que dispensa apresentações. Destaque para Strawberry Fields, The Quarrymen e “pinturas de Stu” (quem é fã de Beatles, como eu, sabe do que estou falando). No mais, um filme decepcionante, como Cinema e como cinebiografia. Cotação: 2/5.

A Dreamworks insiste em continuar fazendo animações protagonizadas por sujeitos histéricos e inconvenientemente tagarelas. Todavia, “Megamente” tem lá os seus momentos inspiradíssimos (principalmente as homenagens/sátiras a “Superman – O Filme” e ao Jor-El, de Marlon Brando) e trabalha muitíssimo bem com lições de moral como: “ser bom ou mal”, “é você quem faz o seu próprio destino” e “mede-se o caráter de uma pessoa pelo poder que ela possui”. Fora a sinopse, que tem o seu quê de originalidade. Cotação: 3/5.

Mesmo que soe enjoativo em muitos dos momentos de sua proposta voluntariamente nonsense e bizarra, “Scott Pilgrim Contra o Mundo” é uma aula de Cinema vanguardista que, fortalecido por uma direção ousada, somada a efeitos especiais “vídeo-gamestícos” (adjetivo este que acabo de inventar. “Deus ex-machina” de minha parte), conta ainda com o toque todo especial de uma montagem rítmica eficiente e revolucionária, como não via há muito tempo no Cinema. Cotação: 4/5.

Por 2010 é só, pessoal!

2010-12-29T23:57:00.005-02:00

Por 2010 é só, pessoal!

Pois é, é parafraseando a série animada “Looney Toones” de forma excessivamente clichê e inconveniente, que encerro as atividades do Cine-Phylum neste seu terceiro ano de existência.

2010 já era, it’s over, good bye, sayonara, adios, au revoir, tchuss, ou simplesmente: adeus!

Estive pensando em escrever críticas de filmes os quais já assisti há um bom tempo, como é o caso de “Scott Pilgrin Contra o Mundo”, “Megamente”, “O Garoto de Liverpool” e “Outubro”, mas a verdade é que tais produções cinematográficas já se tornaram tão “semana passada” que não valeria o esforço de redigir textos sobre obras que já foram analisadas por muitos outros profissionais.

Pensei também em escrever sobre “Tron – O Legado”, mas o filme estreou por aqui no dia de meu aniversário, 17 de dezembro, o quê também torna o assunto bastante semana passada (e aqui, no sentido literal – ou quase – da expressão/gíria indie). Sem contar que, sei lá, há uns 45 dias já não ando com vontade alguma de escrever qualquer coisa que seja sobre qualquer produção cinematográfica que não me inspire excessivamente para tal (e, ultimamente, acredito que nem mesmo um “2001 – Uma Odisséia no Espaço” da vida consiguiria me inspirar).

De tal forma, não me resta outra alternativa senão desejar um Feliz 2011 aos queridos leitores deste blog de Cinema e informar que, a partir de janeiro, começamos a dar prioridade às produções cinematográficas que provavelmente concorrerão ao Oscar 2011. Por que? Porque é isso o quê nos dá audiência, oras? Quer mais do que a crítica de “A Rede Social” (que certamente vencerá o principal prêmio da próxima edição do careca dourado) que vem obtendo o triplo de visitas de críticas de filmes visivelmente comerciais, como é o caso de “Harry Potter e as Relíquias da Morte: Parte 1” e “As Crônicas de Nárnia: A Viagem do Peregrino da Alvorada”?

Bom, acho que era isso, não tenho mais nada a dizer, exceto um pedido para que continuem acessando o Cine-Phylum, ~~pois até o próximo dia 31 continuarei postando uns drops com comentários ultra-rápidos (com no máximo uns 500 caracteres cada) sobre os filmes os quais ando assistindo~~ (já postei isso no Twitter e ~~em breve posto~~ aqui no blog também), além de uma postagem sobre o Oscar, que devo estar publicando ainda essa semana (ou, quem sabe, amanhã mesmo?), e, é claro, a lista com os melhores e piores filmes de 2010, como tenho feito religiosamente ao final de cada ano, desde que dei início as atividades deste espaço virtual.

Mais uma vez: um ótimo 2011 para todos e nos vemos no ano que vem.

De volta à casa antiga.

2010-12-29T18:18:00.002-02:00

Já que o domínio do blog www.cinephylum.com.br tá ferrado, voltemos a usar a antiga e saudosa maloca virtual... temporareamente, eu espero.

Especial - Harry Potter

2009-07-16T01:05:00.002-03:00

A quem se interessar, clique aqui para conferir a minha opinião sobre os cinco primeiros filmes da série cinematográfica Harry Potter (o sexto filme será publicado em um post separado).

Mudança (total) de domínio - leiam!

2009-07-09T15:46:00.000-03:00

O Cine-Phylum estava completamente inerte ultimamente, não? Estava assistindo a pouquíssimos filmes, escrevendo muito pouco por aqui e a palavra “atualização” aparentava ter simplesmente desaparecido do vocabulário deste blog. Para isso, tenho uma justificativa. Não, não é a falta de tempo, mas sim os planos futuros que tinha para este espaço virtual: a criação de um domínio próprio.

Sim, após quase dois anos escrevendo por aqui, calculei que já era tempo do Cine-Phylum ser razoavelmente profissionalizado, por este motivo, comprei um domínio. Antes de ter esse domínio, no entanto, estive planejando algumas mudanças que o blog poderia ter, e este foi o real motivo de não ter me dedicado muito, ou quase nada, a este sítio virtual durante o último mês.

Percebi que, em primeiro lugar, havia uma necessidade vital de alterar o layout do Cine-Phylum, que já estava tornando-se enjoativo, ao menos para mim. Como bem sabem, sou um sujeito perfeccionista e, até encontrar um tema que realmente me agrada-se, demorei cerca de duas semanas. Mesmo após encontrar tal tema achei que era necessário altera-lo e, levando-se em conta que os meus conhecimentos em HTML são quase nulos (fiz um curso de web design há seis anos atrás e já não me lembro de mais nada no que diz respeito a essa área), demorei um bocado para conseguir moldar o tema novo do Cine-Phylum de acordo com os meus ideais.

Outro fator que fez com que essa transposição de domínios demora-se para ser realizada em um período muito acima do estimado, deve-se à minha decisão de adotar a interface Wordpress como alicerce para o Cine-Phylum, uma vez que, após realizar um teste em tal plataforma com o blog Cine Amalgam, constatei que ela dispunha de recursos mais atraentes do que a plataforma Blogspot e Abril e seria muito mais proveitoso trabalhar o Cine-Phylum no Wordpress.

Ainda há muito trabalho, mesmo, pela frente. O layout precisa ser mais bem acabado, os textos precisam ser igualmente formatados e, principalmente, preciso me acostumar mais com os recursos oferecidos pela plataforma Wordpress, pois só assim conseguirei trazer a todos vocês um blog de Cinema cada vez mais dinâmico, interessante, interativo e atualizado.

Mas chega de conversa fiada e vamos à casa nova do Cine-Phylum (a propósito, o Twitter também mudou de endereço)? Sejam bem-vindos!

Abraços a todos!

Daniel Esteves de Barros.

A Era do Gelo 3 - * de ***

2009-07-06T01:29:00.004-03:00

Sei que vou chover no molhado, mas não tem como deixar de defender a seguinte tese: Hollywood está, cada vez mais, preocupando-se em produzir filmes animados para crianças de todas as idades. Um exemplo? Basta notar que, durante a sessão deste “A Era do Gelo 3”, haviam pessoas de todas as idades na sala de exibição (que, por sinal, estava lotadíssima, e confesso que há muito tempo (desde o mediano “Piratas do Caribe: No Fim do Mundo”, para ser mais exato) não me via dentro de uma sala de projeção tão cheia de espectadores). Não, essas pessoas, definitivamente, não estavam acompanhando os seus filhos, pois estavam, assim como eu, sentadas sozinhas nas poltronas do cinema. Pois é, essa é a prova de que Hollywood, felizmente, vem cada vez mais acabando com esse preconceito imaturo de que animações são exclusivamente destinadas ao público infantil ou, na melhor das hipóteses, ao público infanto-juvenil.

Ficha Técnica:

Título Original: Ice Age: Dawn of the Dinossaurs
Gênero: Animação
Tempo de Duração: 94 minutos
Ano de Lançamento: 2009
Site Oficial: www.aeradogelo3.com.br
País de Origem: Estados Unidos da América.

Direção: Carlos Saldanha
Roteiro: Michael Berg, Peter Ackerman, Mike Reiss e Yoni Brenner, baseado
em história de Jason Carter Eaton
Elenco: John Leguizamo (Sid), TadeuMello (Sid - versão brasileira), Denis Leary (Diego), Márcio Garcia (Diego - versão brasileira), Ray Romano (Manny), Diogo Vilela (Manny - versão brasileira), Queen Latifah (Ellie), Cláudia Jimenez (Ellie - versão brasileira), Simon Pegg (Buck), Alexandre Moreno (Buck - versão brasileira), Seann William Scott (Crash), Josh Peck (Eddie), Crhis Wedge (Scrat), Karen Disher (Scratte) e Joey King (Esquilo).

Sinopse: Manny (Ray Romano) e Ellie (Queen Latifah) estão à espera de seu primeiro filho. Sid (John Leguizamo) sequestra alguns ovos de dinossauro, o que faz com que passe a ter sua própria família adotiva. Só que o roubo faz com que se meta em apuros, obrigando Manny, Ellie e Diego (Denis Leary) a entrarem em um mundo subterrâneo para resgatá-lo.

Fonte Ficha Técnica e Sinopse: AdoroCinema.

Ice Age 3 – Trailer:

Crítica:

Quando o assunto em pauta é “A Era do Gelo”, só me encontro na possibilidade de mencionar o primeiro filme, uma vez que não assisti ao segundo episódio desta bem sucedida série cinematográfica.

Um dos grandes atrativos da saga protagonizada pelo trio de amigos Sid (John Leguizamo), Manny (Ray Romano) e Diego (Dennis Leary) não diz respeito necessariamente à parte diegética da animação, mas sim ao fato da mesma não ter sido produzida por nenhum dos dois grandes estúdios de animações da atualidade: a fenomenal Walt Disney Pictures / Pixar Animation Studios e a extremamente irregular DreamWorks Animation / Pacific Data Images. A bola da vez, ao menos durante o lançamento do primeiro longa desta franquia que se passa na era glacial, era dos estúdios Fox Animation Studios / Blue Sky Studios, que chegaram comendo pelas beiradas e, em pouco tempo, passaram a abocanhar uma interessante fatia do mercado (ainda que não conseguissem superar o faturamento de suas duas maiores concorrentes).

Outro ponto interessante no primeiro longa residia na genial idéia do diretor Chris Wedge em adotar as ligeiras aventuras protagonizadas pelo divertido e pé-frio esquilo Scart (magistralmente criado pelo brasileiro Carlos Saldanha, diretor do segundo e, também, deste terceiro episódio) a fim de entrelaçar as peripécias do azarado bichinho com a jornada dos três protagonistas, resultando assim na intercalação entre um curta metragem dinâmico e divertido, com a estória principal.

É justamente nesta estória principal, no entanto, que habitavam os maiores problemas da projeção. Se por um lado o humor empregado era suficientemente divertido para segurar o espectador nas poltronas das salas de cinema por aproximadamente 90 minutos, por outro lado a trama e os personagens que a compunham não contavam com o mínimo de originalidade, sendo que muitos deles tornavam-se previsíveis e insossos, como é o caso do tigre de dentes-de-sabre Diego, que pouco acrescenta à estória, além de sua mudança de “lado” ao longo da projeção ser algo um tanto o quanto fácil de se deduzir.

Original, ou não, previsível, ou não, a jornada dos amigos, que se uniam para salvar um bebê humano da morte certa e restituí-lo ao seu bando, era bastante interessante e repleta de momentos inspirados e divertidos, como a sequência que envolve um grupo de pássaros drontes (mais conhecidos como dodôs) e a inteligentíssima cena (a melhor do filme, sem sombra de dúvidas) em que Sid admira a cadeia evolutiva de um determinado animal enquanto aprecia uma fileira indiana formada por diversos seres que se encontram congelados dentro de uma caverna tomada pelo gelo.

O terceiro episódio da série, por sua vez, nada mais é do que uma releitura do filme original. A trama é diferente em seu contexto, mas o formato é basicamente o mesmo: um grupo de personagens, com características exageradamente incompatíveis entre si, se une para salvar um amigo que, por sinal, também conta com inúmeras características incompatíveis com as demais de seus companheiros e, é claro que, ao longo desta jornada, seremos apresentados a várias lições que nos remetam ao verdadeiro valor da amizade, da família, da união e muito mais.

Contudo, há algo neste terceiro episódio que o difere positivamente do primeiro: o roteiro não bate tanto na tecla da diferença entre um personagem do bando para com os demais. Mas, se isto é bom, pois poupa o espectador de diversas piadinhas que soariam um tanto o quanto repetitivas caso a fórmula do primeiro filme fosse fielmente seguida aqui, também conta com aspectos extremamente negativos, pois ao mesmo tempo em que o roteiro evita realçar com muita insistência os traços das figuras dramáticas que o compõem, acaba esquecendo de os explorar individualmente, fazendo com que os únicos personagens interessantes acabem sendo, de fato, o adorável tagarela Sid e o lunático Buck, que é uma das grandes novidades que este novo episódio trás.

E é claro que o esquilo Scart e a sua “namoradinha” (a maior novidade do filme, talvez) também são extremamente interessantes. O longa, como não poderia deixar de ser, começa com a sua marca registrada: o roedor correndo incansavelmente atrás de sua tão cobiçada noz. Ainda que “A Era do Gelo 3” não insira o azarado esquilinho em situações tão engraçadas como a sequência no primeiro episódio onde ele, involuntariamente, se passava por um pára-raios e era atingido por uma devastadora carga elétrica, o filme se mostra bastante inspirado ao criar novos “desastres” para o pequeno animal que tenta, a todo o custo, proteger o seu fruto.

E se a aparição de uma namorada para o mais famoso personagem da franquia “A Era do Gelo” me fizera torcer o nariz antes mesmo de assistir ao filme, o roteiro, escrito à quatro mãos, se mostrou sagaz o bastante para criar situações que fizessem com que o romance entre ambos jamais se mostra-se cansativo, muito pelo contrário, diria até mesmo que Scart ganhou uma concorrente à altura, uma vez que a sua cara-metade adiciona uma carga de humor bem alta à animação, sendo que, assim como o seu “namorado”, a roedora não precisa dizer uma única palavra sequer para se revelar infinitamente mais cativante e atraente que a grande maioria das figuras que compõem o rol de personagens de “A Era do Gelo 3”, onde me vejo no direito de incluir: Diego, Crash, Eddie, Ellie e, acreditem, até mesmo Manny, que se revelava infinitamente mais conveniente no primeiro episódio.

Buck, por sua vez, mesmo seguindo o estereótipo do “tiozão-coronel-aposentado-biruta” (não, no filme ele não é coronel, mas segue bem a caricatura de um), revela-se um dos mais divertidos personagens. Longe de ser original, a doninha audaciosa ao menos confere a esta continuação vários de seus momentos mais cômicos e atraentes, bem como os excepcionais diálogos proferidos por ela (“___ Na verdade, descobri que havia ficado louco quando me apaixonei por um abacaxi, e olha que o bicho era feio que dói!”), além, é claro, de protagonizar os grandes momentos de adrenalina oferecidos por esta animação, entre as quais cito a cena onde ele “pilota” um ‘pterodactilo’.

Sid, entretanto, continua sendo a preguiça adoravelmente chata e tagarela de sempre. Sei que muitos irão discordar de mim, mas considero o protagonista desta animação o personagem mais atraente da mesma, superando até o próprio esquilo Scrat. Talvez seja justamente pelo fato de Sid ter essa personalidade paradoxal, já que ele é o chato-legal, o feio-engraçadinho e o inconveniente-pertinente. Pertinente também é a voz de seu dublador brasileiro, Tadeu Mello, que dá o tom ideal ao personagem (independentemente do quão bem Leguizamo tenha se saído dublando a preguiça na versão original) trazendo-o ainda mais próximo de seu público.

A trama, conforme já fora mencionado anteriormente, lembra muito a do primeiro filme, no que diz respeito ao formato desta, e mesmo que traga um Manny bem menos interessante (por que será que todo homem, quando casa, se torna um sujeito patético e desinteressante?) e um Diego tão sem sal quanto no longa anterior, prima por focar-se bastante em Sid em seu primeiro ato, e conferir total importância a Buck, durante o segundo ato de projeção, permitindo com que o seu ato final fique dividido entre ambos. Desta forma, o roteiro faz com que os personagens que realmente são mais interessantes acabem ganhando mais destaques, relegando os demais à condição de coadjuvantes.

A inserção dos tão comentados dinossauros também foi uma jogada bem inteligente do roteiro, pois coloca personagens que, outrora pareciam indestrutíveis, em um patamar de extremo perigo (note, apenas para citar um exemplo, a seqüência em que o poderoso tigre Diego perde uma “disputa” com um dinossauro para ver quem rosna mais aterrorizantemente) proporcionando assim uma carga de aventura maior à animação.

Mas mesmo com tantas qualidades, “A Era do Gelo 3” não consegue superar o episódio original da saga em nenhum quesito, exceto, talvez, no que se refira à direção do mesmo. Carlos Saldanha não só cria tomadas aéreas de modo que possamos acompanhar a ação de maneira bem mais satisfatória do que no filme anterior, como também faz uma conveniente parceria com a boa edição de Harry Hitner e a utiliza a fim de criar cortes fantásticos, que acabam dando muito mais charme à obra. Repare em uma cena, em especial, onde as trincas de um lago congelado, em questão de segundos, se transforma em um pedaço partido de uma casca de ovo.

Ops... esperem um pouco, disse que a direção era, talvez, o único quesito de “A Era do Gelo 3” que acabava superando o filme original, não disse? Pois desconsidere isso. Dedico este parágrafo inteiro para dizer que a parte gráfica desta animação é infinitamente superior à parte gráfica da animação que lhe deu origem. No episódio que deu origem à franquia, tínhamos gráficos extremamente bem desenhados. A água correndo, por exemplo, era fenomenal e tínhamos a clara impressão de que se tratava de água de verdade mesmo. Contudo, por mais que os personagens fossem todos muito bem desenhados, ainda sentíamos uma certa artificialidade na movimentação destes, sobretudo na do mamute Manny. Isso não ocorre neste terceiro capítulo da saga, onde não só os personagens ganham muito mais elasticidade em seus movimentos, como também acabam sendo desenhados de maneira mais cautelosa e minuciosa. Como não se encantar, por exemplo, com o cuidado que os responsáveis pela computação gráfica tiveram ao inserir pêlos praticamente perfeitos em Manny (e quando a câmera se aproxima do mesmo, sentimos como se realmente estivéssemos diante de pêlos de verdade)? E quanto à cena em que Diego persegue uma gazela? Indubitavelmente, os produtores da franquia não deixaram de por a mão no bolso e liberar uma boa verba ao pessoal da computação gráfica que, para a alegria de nós, espectadores, acabaram fazendo um trabalho excepcional.

Em suma, “A Era do Gelo 3” se mostra uma clara releitura do filme que lhe concebeu a origem e que, por sinal, também não era dos mais originais. Entretanto, não há como negar que trata-se de uma experiência instigante e bastante irrepreensível em suas gags (bem divertidas em sua maioria) e em suas cenas de aventura. Ponto positivo para Carlos Saldanha, mais um cineasta brasileiro que vem mostrando cada vez mais competência lá fora.

Obs.: Não tive oportunidade de assistir ao filme com a tecnologia 3D, o que, certamente, teria influenciado mais em minha avaliação final.

Obs. 2: Quando for assistir ao filme, não deixe de reparar na clara referência que ele faz à clássicos como “Godzilla”, “Jurassic Park – O Parque dos Dinossauros” e à marcante animação da década de 1.980: “Em Busca do Vale Encantado” (este que, quando tinha apenas cinco anos de idade, era o meu filme predileto, ao lado de “Marcelino Pão e Vinho”, tanto que, em uma determinada ocasião, obriguei minha mãe a aluga-lo umas oito vezes seguidas para saciar de vez a minha incontrolável vontade de assisti-lo sem parar durante incontáveis dias).

Avaliação Final: 7,0 na escala de 10,0.

Transformers 2 - A Vingança dos Derrotados - * de *****

2009-06-24T00:58:00.003-03:00

Mencionei ontem no Twitter do Cine-Phylum que não estava nem um pouco afim de ir aos cinemas conferir a pré-estréia deste “Transformers – A Vingança dos Derrotados”. Não, essa minha falta de vontade em assistir ao filme não estava diretamente ligada à qualidade (ou a falta de) do mesmo, mas sim ao fato de a cópia que estava sendo exibida nos cinemas de minha cidade ser dublada. Sinceramente, não creio que seja nem um pouco ética esta minha atitude de criticar um filme dublado. Por quê? Porque não julgo um filme dublado uma obra cinematográfica original. Assistir a uma produção com o som original é extremamente importante para que possamos avaliar a atuação do elenco, já que o tom de voz que os atores emprega para compor os seus respectivos personagens é mais do que importante para o resultado final da obra. Destarte, peço para que o leitor leve em conta que, quando eu mencionar “atuações” na crítica a seguir, estarei me referindo à expressividade e ao carisma dos atores, descartando então o tom de voz dos mesmos.

Ficha Técnica:

Título Original: Transformers: Revenge of the Fallen.

Gênero: Ação.
Tempo de Duração: 147 minutos.

Ano de Lançamento: 2009.

Site Oficial: www.transformersmovie.com

País de Origem: Estados Unidos da América.

Direção: Michael Bay.

Roteiro: Ehren Kruger, Roberto Orci e Alex Kurtzman.

Elenco: Shia LaBeouf (Sam Witwicky), Megan Fox (Mikaela Banes), Hugo Weaving (Megatron - voz), Josh Duhamel (Capitão Lennox), John Turturro (Agente Simmons / Jetfire - voz), Isabel Lucas (Alice), Tyrese Gibson (Sargento Epps), Matthew Marsden (Graham), Samantha Smith (Sarah Lennox), Glenn Morshower (General Morshower), Ramon Rodriguez (Leo Spitz), Kevin Dunn (Ron Witwicky), Julie White (Judy Witwicky), Michael Papajohn (Cal), John Benjamin Hickey (Theodore Galloway), Rainn Wilson (Professor), Frank Welker (Soundwave - voz), Peter Cullen (Optimus Prime - voz), Mark Ryan (Bumblebee - voz), Darius McCrary (Jazz - voz), Reno Wilson (Frenzy - voz), Robert Foxworth (Ratchet - voz), Jess Harnell (Ironhide / Barricade - voz) e Mike Patton (Mixmaster - voz).

Sinopse: Dois anos após a batalha entre os Autobots e os Decepticons, Sam Witwicky (Shia LaBeouf) enfrenta a ansiedade de entrar na faculdade. Isto significa que ele terá que morar separado de seus pais, Judy (Julie White) e Ron (Kevin Dunn), deixar a namorada Mikaela Banes (Megan Fox) e ainda explicar a situação ao seu amigo e protetor Bumblebee, já que pretende levar uma vida normal de agora em diante. Paralelamente o governo desativa o Setor 7, resultando na demissão do agente Simmons (John Turturro). Em seu lugar é criada a NEST, uma agência comandada pelo capitão Lennox (Josh Duhamel) e o sargento Epps (Tyrese Gibson), que trabalha em conjunto com os Autobots. Porém a NEST enfrenta a resistência de Theodore Galloway (John Benjamin Hickey), o consultor da segurança nacional, que a considera supérflua.

Fonte Sinopse: Adoro Cinema.

Transformers: Revenge of the Fallen – Trailer:

Crítica:

Começarei esta crítica praticamente da mesma forma que comecei a de “Anjos & Demônios”. Nunca assisti ao primeiro filme da franquia “Transformers”, nunca assisti ao desenho que passava na televisão (havia realmente um desenho animado que era exibido na TV? Juro que não me lembro) e nunca brinquei com os bonecos (cuja alcunha atribuída pela criançada na época era: “hóminhos”) dos personagens principais da série. E querem saber o que é pior? Nunca havia nem ao menos ouvido falar nestes tais “Transformers” antes do primeiro episódio da série ter sido lançado nos cinemas do mundo todo no ano de 2.007, e olha que sou da geração de 1.980 (nasci aos 17 de dezembro de 1.983), justamente quando os tais robôs alienígenas estavam no auge.

Mas o que seria eu então? Uma criança anormal? De forma alguma. Acontece que durante a minha infância me preocupava muito mais em assistir a desenhos como “Tom & Jerry”, “Faísca & Fumaça”, “Papa-Léguas”, “Tartarugas Ninja” e “Caverna do Dragão” a assistir os “Transformers” da vida. Logo, nem ao menos tomei ciência da existência do desenho animado durante os meus dias de garoto. Talvez seja justamente por este motivo que fui ao cinema local com toda a frieza que me é inerente. Não estava tão entusiasmado como alguns fãs que ali se encontravam estavam (inclusive, havia muitos “quarentões” na sessão, e sem a companhia dos filhos. Será que tratavam-se de nerds fãs incondicionais da série quando tinham vinte anos de idade? Pode apostar que sim), mas também não estava nem um pouco influenciado pelas críticas negativas que havia lido sobre o primeiro filme.

A sessão começa. Vejo-me sentado novamente na poltrona do meio da sala. Uns robôs, sem mais nem menos, aparecem na pré-história e saem matando seres humanos a torta e a direita, sem quaisquer propósitos pré-estabelecidos. E reside justamente aí a minha maior repugnância para com os filmes que envolvem extra-terrestres. Oras, por que um grupo de alienígenas iria almejar arriscar a própria espécie a fim de dominar um planeta como este (que os próprios robôs, durante muitos momentos do filme, afirmam ser um lixo de planeta)? E por que os “grandalhões” malvados não exterminaram a raça humana e não dominaram o mundo, quando era mais fácil para eles o fazer durante a pré-história? Seria pelo fato de os Autobots (os “mocinhos” da vez) terem impedido? Mas por que cargas d’água um grupo de robôs alienígenas se preocuparia em salvar a nossa espécie?

Francamente, não sei dizer se as questões por mim levantadas acima são furos de roteiro ou fruto de minha ignorância no que diz respeito à franquia “Transformers”, mas caso seja a segunda opção (o que, creio eu, é bem provável), não tenho culpa se o filme não explicou isso durante a sua projeção. Ops... pára tudo, pára tudo (lembram-se do imbecil do João Kleber?)... Acabei de confirmar com o meu pai (e vejam bem, o meu pai sabe muito mais da série do que eu) que os Decepticons (os vilões da vez) na verdade fugiram do planeta natal deles e vieram se esconder na Terra e os Autobots vieram os perseguir. Foi isso mesmo o que aconteceu (pergunto a alguém que tenha assistido ao primeiro filme ou aos episódios da série televisiva, uma vez que o meu pai confessou não ter muita certeza do que estava falando)? Enfim, caso esteja completamente errado e vocês estejam rindo de minha cara (e da de meu progenitor também), novamente insisto que não é culpa minha que um filme com duas horas e vinte minutos de projeção pare um segundo sequer para explicar e/ou relembrar isso.

E falando em projeção, que longa extenso este, não? Sejamos honestos, duas horas e vinte minutos de duração para isso! Para uma estórinha mal contada destas, que não tem nem ao menos a dignidade de se valer por si só (sim, pois como havia dito, o fato de não ter assistido ao episódio anterior faz com que eu nada saiba sobre os reias intentos dos Decepticons aqui na Terra) e depende completamente do episódio anterior para funcionar! Eu me pergunto: o que passava pela cabeça de Michael Bay enquanto filmava tantas cenas altamente dispensáveis para o resultado final da obra? Por que não dar pequenas dicas a espectadores desavisados (como era o meu caso) sobre o real motivo do embate entre Autobots e Decepticons? Afinal de contas, “Transformers 2 – A Vingança dos Derrotados”, apesar de ser uma continuação, é (ao menos era para ser) um episódio extremamente independente do filme que lhe deu origem, ao contrário de “Kill Bill – Volume II”, por exemplo, onde deveríamos assistir ao primeiro longa metragem para entender a sua continuação, já que ambos formam um único filme.

Entretanto, mesmo que recomeçasse esta crítica agora, neste exato momento. Mesmo que soubesse todas as respostas para as perguntas que fiz. Mesmo que fosse o maior entusiasta e conhecedor de “Transformers” da face da Terra, teria achado o filme ruim.

Sim, “Transformers 2...” é ruim por si só, e sabem quem é o maior responsável por isso? Um doce para quem acertar. Claro, Michael Bay, o alvo favorito (ao lado do tão horrendo quanto Uwe Boll) dos críticos de Cinema do mundo todo. O Ed Wood de nossa geração dá sinais de sua incompetência logo no início do filme quando, ao realizar um rápido travelling ou um singelo afastamento de câmera, treme a mesma como se estivesse segurando uma britadeira ligada com a mão oposta. E o que dizer então das exageradas rotações de câmera de cento e oitenta graus quando filma um momento romântico do casal de protagonistas (ele bem que poderia ter aprendido a fazer decentes rotações com Christopher Nolan em “Batman – O Caveleiro das Trevas”)?

E quanto às demais características que sempre marcam, do modo mais negativo o possível, o trabalho do cineasta (gargalhadas pela palavra “cineasta”)? Da mesma forma que constatamos em muitos outros de seus filmes, em “Transformers 2...” Bay aplica inúmeras tomadas em slow motion enquanto mostra os protagonistas fugindo de uma recente explosão, gira a sua câmera “desenhando” uma esfera completa a fim de filmar porta-aviões estadunidenses e, é claro, faz questão de realizar closes de inúmeros soldados caminhando lentamente com aquele ar blasé, típico dos fracassados militares oriundos da Terra do Tio Sam.

Ah, e é claro que não podemos nos esquecer de mencionar o oportunismo (também característico do diretor) adotado com a finalidade de explorar todos os atributos das atrizes símbolos sexuais que trabalham com ele. Para se ter uma idéia, Megan Fox entra em cena montada em uma moto, inclinada para frente, com um short jeans excessivamente minúsculo e a bunda levantada bem ao alto (Está bem, confesso, meu lado pessoal adorou essa cena). E já que mencionei o (suculento) traseiro da atriz, o leitor tem alguma dúvida de que o diretor explora ao máximo esta parte do corpo dela? Basta dizer que, quando a mesma não é exibida com uma blusa deveras decotada e que mostra boa parte de seus seios, Bay faz questão de colocá-la em cena de um modo que a sua câmera consiga filmar os quadris da moça sendo fortemente apertados por uma calça branca extremamente justa (aliás, ela, assim como todos os outros personagens, passa o filme todo com a mesma roupa. Que figurino mais pobre esse, viu!).

E sei que já me estendi demais nesta crítica, principalmente para falar mal de Michael Bay, mas o leitor teria a bondade de me conceder mais uns minutinhos de seu tempo para criticar ainda mais o diretor (fazer o quê? O cara é um desastre em forma de cineasta)? Não bastassem todas as falhas cometidas pelo diretor, ele ainda tem a pachorra de empregar uma trilha-sonora visivelmente maniqueísta para conferir ao longa a sensibilidade que não tem competência para o fazer.

Mas vamos parar por aqui, a crítica já foi muito além do que deveria ter ido.

Em suma, “Transformers 2 – A Vingança dos Derrotados” é o típico filme de ação comercial proveniente dos grandes estúdios de Hollywood: divertido, cheio de adrenalina e repleto de efeitos especiais (visuais e sonoros) dignos de fazer cair o queixo, mas que jamais conseguem maquiar as terríveis falhas que são exibidas durante os seus desnecessariamente longos duzentos e vinte minutos de duração, variando desde a trama apenas razoável, passando pelas atuações nada convincentes por parte de todo o elenco, pelos alívios cômicos frustrantes, e pela falta de carisma dos personagens principais, encerrando-se no pavoroso trabalho de direção. Enfim, segue o estereótipo das obras cuja direção é assinada por um dos maiores engodos do Cinema nos últimos anos: Michael Bay.

Obs.: É impressão minha ou o personagem Leo (que nem ao menos diz a que veio no filme), próximo ao desfecho do longa, é adormecido com um choque em uma cena e, logo na outra, aparece acordado e agindo normalmente como se nada houvesse acontecido? É Sr. Bay, parece que o senhor cometeu um dos erros de continuidade mais ridículos da história do Cinema, o que permite com que possamos lhe atribuir o título de Ed Wood dos anos 1.990 e 2.000.

Avaliação Final: 3,5 na escala de 10,0.

Lançamentos Mensais em DVD - Mês de Junho

2009-06-18T01:47:00.002-03:00

Não, esta minha nova idéia não é original, nem um pouco original. Mas quem foi que disse que para uma idéia ser considerada boa ela precisa ser necessariamente original? Enfim, estes dias estive pensando que uma grande parte da população prefere trocar a tecnologia das salas de cinema pelo conforto e privacidade do lar, sendo assim, escolhem alugar um filme em uma vídeolocadora ao invés de assisti-lo nos cinemas. Oras, por que não aproveitar isso e começar a indicar DVDs para que o pessoal os assista no conforto de seu próprio lar? Foi pensando nisso que optei por lançar esta sessão “Lançamentos Mensais em DVD” (sim, eu sei, o título é clichê, bem como a proposta em si). Como base, estou utilizando o site da maior franquia de videolocadoras nacional, a 100% Vídeo, logo, os filmes os quais assisto indico quantas estrelas os mesmos merecem e realizo uma ultra-mini-crítica (isso para não dizer “nano-crítica”) sobre os mesmos. Os filmes os quais ainda não assisti mantenho a sinopse elaborada pelo site da 100% Vídeo. Vamos aos filmes?

Obs. 1: Estou utilizando um tamanho de fonte excessivamente pequeno para o artigo ocupar muito espaço visual no blog.

Obs. 2: As cotações estão sendo identificadas apenas por estrelas (e não em notas, como estou acostumado a fazer). Desta forma: o = filme péssimo, * = filme ruim, ** = filme razoável, *** = filme bom, **** = filme ótimo e ***** = filme excelente.

01/06/2009

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09/06/2009

O Curioso Caso de Benjamin Button - * de ***

O fato de o filme apelar descaradamente para uma trama fantasiosa e tola poderia ser facilmente perdoado caso a mesma tivesse um propósito definido, mas não tem. No final das contas, não notamos vantagem (ou desvantagem) alguma no curioso fato de Benjamin Button ter vivido ao contrário, uma vez que as experiências por ele vivenciadas nada tem em comum com as suas bizarras condições peculiares. Entretanto, o longa, além de ser tecnicamente perfeito, revela-se bastante interessante ao mostrar-nos como pequenas pessoas podem deixam grandes marcas em nossas vidas. Um bom filme, mas com erros deveras infantis.

10/06/2009

Dúvida - de *

A direção de Shanley é o grande ponto fraco deste “Dúvida”, uma vez que o diretor parece se sair muito bem na condução do elenco (que é ótimo, sobretudo Viola Davis que é a melhor em cena e merecia o Oscar de Melhor Atriz Coadjuvante), mas não demonstra a mesma competência na movimentação de câmeras. O roteiro, por sua vez, é bastante dinâmico e introspectivo e aborda excelentemente bem o modo como o sentimento-título pode influenciar positiva ou negativamente a vida das pessoas que o carregam consigo.

Lost - 5ª Temporada - Disco 03

Os seis resgatados terão que voltar a ilha? Será que Kate e Hurley vão concordar com isso? Quem vai ajudá-los?\r\n\r\nA 5ª temporada de Lost vai surpreender a cada episódio, com novos e misteriosas pe...

14/06/2009

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16/06/2009

Pagando Bem, Que Mal Tem? - * de *****

Seth Rogen é sempre um ator carismático e com um “tempo da comédia” invejavelmente perfeito, e em “Pagando Bem, Que Mal Tem?” ele demonstra muito bem isso. Contudo, o filme por si só é carregado de um humor notavelmente artificial, asqueroso e infantil, e a subtrama romântica é uma das coisas mais “manjadas”, previsíveis e insossas que Hollywood já nos proporcionou nos últimos anos. Uma comédia romântica que, além de não acrescentar nada ao gênero, realiza uma façanha e piora tudo o que ele já nos trás de pior.

17/06/2009

Operação Valquíria – * de ***

Indubitavelmente, um ótimo thriller, ainda que aparente ser uma releitura de “Missão Impossível” em alguns momentos. Entretanto é falho do ponto de vista artístico, dramático e histórico e conta com Tom Cruise em mais uma fraca atuação ao longo de toda a sua irregular carreira. A premissa é bastante interessante e, ouso dizer, original, mas está longe de poder ser alcunhado de obra-prima.

Quem Quer Ser um Milionário? - * de ***

A princípio, uma instigante e sensacional abordagem sobre a verdadeira Índia (aquela que não é exibida por nenhuma novelinha global ridícula e fantasiosa) e as condições sociais de seus habitantes, mas chega o final do filme e, com ele, vem também a estorinha de amor patética, dispensável, piegas e previsível, o que entra em total dissonância com a excelente proposta inicial apresentada pelo roteiro. A estrutura narrativa do filme é magistral (assim como a edição e a direção do mesmo), mas um tanto o quanto artificial. O quê? Ah, é claro, o drama não merecia ter vencido o Oscar de Melhor Filme sob hipótese alguma.

Ele Não Está Tão a Fim de Você - de *

A primeira impressão que fica é que trata-se de uma comédia romântica frívola, como a grande maioria dos exemplares deste gênero, mas em poucos minutos nos surpreendemos com a gama de personagens interessantíssimos e o emaranhado de estórias que se entrelaçam e nos criam uma deliciosa confusão. Muitas tramas (e personagens, diga-se) revelam-se vazias e desnecessárias aqui, mas no geral, “Ele Não Está Tão a Fim de Você” revela-se um interessante estudo sobre as neuroses e frustrações que fazem parte dos relacionamentos amorosos contemporâneos.

Tô de Férias

Em uma pequena ilha dos Mares do Sul, um grupo de animais: um pinguim, um lagarto, um pássaro e um elefante marinho tem suas vidas idílicas interrompidas por Impy, um arteiro e amável bebê dinossauro....

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Já fazia muito tempo, muito tempo mesmo, que eu não escrevia sobre um filme do mestre Stanley Kubrick (o maior ícone da história do Cinema, a meu ver) aqui no Cine-Phylum (a última vez foi quando comentei sobre o excelentíssimo “Barry Lyndon”), logo, decidi que era hora de voltar a faze-lo. Iria optar por escrever sobre “2001 – Uma Odisséia no Espaço” ou “Laranja Mecânica”, mas a verdade é que o meu fanatismo por ambos os filmes é tão gigantesco que conclui ser impossível exprimir a minha opinião em menos de 3.000 palavras de texto. Decidi então que o correto seria escrever sobre uma das poucas obras do diretor a que ainda não havia assistido. Meu dedo apontou para este “Glória Feita de Sangue” que, já de cara, revelou-se o meu terceiro ‘Kubrick’ predileto, conforme poderemos ver na crítica logo mais abaixo.

Ficha Técnica:

Título Original: Paths of Glory.

Gênero: Guerra.
Tempo de Duração: 87 minutos.

Ano de Lançamento: 1957.

País de Origem: Estados Unidos da América.

Direção: Stanley Kubrick.

Roteiro: Stanley Kubrick, Jim Thompson e Calder Willingham, baseado em livro de Humphrey Cobb.

Elenco: Kirk Douglas (Coronel Dax), Ralph Meeker (Phillip Paris), Adolphe Menjou (General George Broulard), George Macready (General Paul Mireau), Bert Freed (Sargento Boulanger), Kem Dibbs (Recruta Lejeune), Timothy Carey (Recruta Maurice Ferol), Wayne Morris (Tenente Roget), Richard Anderson (Major Saint-Auban), Joe Turkel (Recruta Pierre Arnaud), Peter Capell (Juiz da Corte Marcial) e Emile Meyer (Padre Dupree).

Sinopse: Em 1916, durante a Primeira Guerra Mundial, Mireau (George Meeker), um general francês, ordena um ataque suicida e como nem todos os seus soldados puderam se lançar ao ataque ele exige que sua artilharia ataque as próprias trincheiras. Mas não é obedecido neste pedido absurdo, então resolve pedir o julgamento e a execução de todo o regimento por se comportar covardemente no campo de batalha e assim justificar o fracasso de sua estratégia militar. Depois concorda que sejam cem soldados e finalmente é decido que três soldados serão escolhidos para servirem de exemplo, mas o coronel Dax (Kirk Douglas) não concorda e decide interceder de todas as formas para tentar suspender esta insana decisão.

Fonte Sinopse: Adoro Cinema.

Paths of Glory – Trailer:

Crítica:

Qual é o real valor da glória? Pode ser tido como palatável o sacrifício de inúmeros homens em nome da glória de um só? Quantas vidas justificam a aquisição de uma estrela condecorativa? Até onde a vaidade de um único homem pode ir para conseguir marcar o seu nome na história de uma nação? É pertinente que, para tal, o mesmo se veja no direito de incumbir um grupo de militares a realizar uma missão que, na melhor das hipóteses, irá resultar na perda de mais da metade do batalhão?

Indagações como as supracitadas cruzam as nossas mentes a todo o instante enquanto assistimos à primeira parte de “Glória Feita de Sangue”, o sexto filme de Stanley Kubrick e o terceiro de sua carreira a ter o respaldo e o prestígio da crítica internacional. Até onde a ganância de um homem pode ir? Quantos patriarcas devem deixar as suas famílias desamparadas a fim de sustentar a vaidade de uma minoria? Qual é o limite da glória (se é que existe algum limite para a mesma)?

Todavia, o mais curioso desta etapa inicial de “Glória Feita de Sangue” reside na maleabilidade do roteiro em tornar compatível a trama diegética com os nossos respectivos cotidianos. Assim como estamos acostumados a presenciar em nossas vidas profissionais, percebemos que em um batalhão militar há também as costumeiras injustiças cometidas por pessoas que não conseguem distinguir o lado pessoal do lado profissional. Da mesma forma que nos empregos convencionais temos de lidar com bajuladores, colegas falsos e hipócritas, picuinhas, e superiores que prejudicam os seus subordinados pelo simples fato de nutrirem alguma intriga pessoal para com os mesmos, os recrutas de um batalhão parecem enfrentar as mesmíssimas situações, mas com uma grande diferença: aqui, se por algum motivo você não agradar a um superior, a pena máxima não é uma reles demissão, mas sim a morte da maneira mais direta o possível.

E não bastasse o filme abordar tantas questões primordiais, ele ainda consegue a façanha de ir além. Novamente passamos a tecer analogias em cima das experiências vivenciadas por soldados quando nos vemos diante de um tribunal militar. É fato que alguém deve ser julgado e condenado pelo previsível insucesso de uma missão, mas quem? A pessoa que organizou esta missão? Oras, quantas vezes você já viu o seu chefe ser responsabilizado pelo fracasso em uma tarefa? Pois é, a culpa sempre cai sobre o mais fraco e em “Glória Feita de Sangue” a estória não poderia acontecer de outra maneira.

É justamente quando percebemos que três humildes soldados deverão responder pela pena máxima imposta através de corte marcial, que o filme atinge o seu ápice. A obra, que aparentava não conseguir ser melhor do que já estava sendo durante a sua primeira metade, passa a ganhar um tratamento ainda mais primoroso. Não só o Coronel Dax (magistralmente encarnado por um Kirk Douglas frio e desesperançoso) ganha destaque aqui (conforme vinha acontecendo até então), como também os recrutas Lejeune (Kem Dibbs) e Maurice (Timothy Carey, na melhor atuação do filme) e o Sargento Boulanger (Bert Freed).

Acompanhar de perto a angústia dos três condenados é algo ainda mais fascinante do que assistirmos à explosiva batalha travada no início do longa ou testemunharmos às injustiças pelas quais os recrutas passam. À medida que vemos aqueles três pobres homens pagando por um erro que não cometeram, vários sentimentos passam a nos atormentar: bem como a agonia, a injustiça, a compaixão e a pena pelos mesmos, mas ainda assim, nenhum destes sentimentos martela tanto as nossas mentes quanto a indignação que passamos pela hipocrisia e desonestidade que somos obrigados a tomar parte naquela exata ocasião.

Como deixarmos de partilhar também com os sentimentos de Dax, que utiliza-se de todas as atribuições legais o possível para fazer justiça e impedir que os companheiros percam as suas vidas, mas percebe que, quanto mais rápido passa o tempo, menos chances terá de derrotar o sistema interno criado pelo próprio general, que parece ser extremamente desconexo com as regras gerais adotadas no país? A estória avança, Dax entra em profunda angustia ao notar a sua própria incapacidade, os condenados passam a questionar as suas vidas e a existência de Deus, a agonia aumenta cada vez mais e, enquanto o filme não tem o seu definitivo desfecho, nós, espectadores, roemos as unhas de tensão e, após o término da sessão, a perturbação não diminui nem um pouco, muito pelo contrário, só aumenta.

Mas é claro que, por mais angustiante que o roteiro de “Glória Feita de Sangue” seja, o filme não teria obtido o mesmo êxito não fosse o trabalho de Stanley Kubrick. Mais do que meramente empregar várias técnicas de direção a fim de tornar o filme mais rico (e aqui ele adota o uso de travellings, close in, close out e muitos outros elementos que enriquecem ainda mais a experiência cinematográfica), o cineasta (que é tido como um dos maiores da história da sétima Arte e é, disparado, o meu predileto), mesmo fazendo uso de uma direção demasiadamente fria como de praxe, confere à obra toda a sensibilidade necessária para que a mesma funcione corretamente bem.

Repare na maneira como Kubrick opta por filmar o julgamento dos recrutas, por exemplo. O diretor cria um plano de modo com que a sala aparente ser enorme e silenciosa, aumentando ainda mais a amargura que a cena, por si só, já nos transmitiria. O modo como Stanley retrata as possíveis últimas horas de vida dos recrutas também é fenomenal e extremamente introspectiva. Francamente, creio que nem mesmo Kurosawa em “Rashomon”, Lumet em “12 Homens e Uma Sentença” e Bergman em “O Sétimo Selo” e “Gritos & Sussurros” se mostraram capazes de fazer um estudo tão depressivo da angustia pré-morte (ou da concreta possibilidade desta) quanto Kubrick o fez neste filme.

“Glória Feita de Sangue” é, além de um dos melhores dramas de guerra já feitos, uma obra-prima atemporal e introspectiva que certamente figura entre os mais importantes filmes já feitos para o Cinema.

Duas décadas e meia mais tarde, Stanley Kubrick voltaria a flertar com o gênero guerra no clássico “Nascido Para Matar”, mas não restam dúvidas de que o peso dramático inserido naquele filme não chega aos pés desta obra-prima magistral lançada comercialmente em 1.957.

Avaliação Final: 10,0 na escala de 10,0.

O Falcão Maltês - * de *

2009-06-11T23:45:00.011-03:00

Assisti a “O Falcão Maltês” pela primeira vez no ano de 2.000, quando tinha apenas 16 anos, e mesmo não sendo um grande fã de filmes antigos naquela época, havia adorado o filme de John Huston. Não sei se fora necessariamente a trama complexa e bem bolada que me chamou atenção ou o personagem de Humphrey Bogart, com um charme e um carisma de fazer inveja a qualquer James Bond. Passados nove anos decidi assistir a “Acossado” de Jean-Luc Godard e logo nos primeiros minutos de projeção virei fã incondicional do filme francês, onde um dos destaques principais fica com o protagonista Michel, claramente influenciado pelo Sam Spade de Bogart. Fiquei tanto com o filme de Godard quanto com o filme de Huston no cabeça e, nesta semana, pude matar tal ansiedade quando, surpreendentemente, encontrei o DVD de “O Falcão Maltês”. Não pensei duas vezes, loquei o filme e trouxe para casa, onde poderia assisti-lo o quanto antes. O resultado é que continuo adorando a obra-prima mais influente do Cinema Noir.

Ficha Técnica:
Título Original: The Maltese Falcon
Gênero: Suspense
Tempo de Duração: 100 minutos
Ano de Lançamento (EUA): 1941
Direção: John Huston
Roteiro: John Huston, baseado em livro de Dashiell Hammett
Elenco: Humphrey Bogart (Sam Spade), Mary Astor (Brigid O'Shaughnessy), Gladys George (Iva Archer), Peter Lorre (Joel Cairo), Barton MacLane (Detetive Dundy), Lee Patrick (Effie Perine), Sydney Greenstreet (Kasper Gutman), Ward Bond (Detetive Tom Polhaus), Jerome Cowan (Miles Archer) e Elisha Cook Jr. (Wilmer Cook).

Sinopse: Um detetive particular (Humphrey Bogart) é procurado por uma mulher misteriosa (Mary Astor), que alega estar sendo ameaçada. Mas tanto o seu perseguidor quanto o homem encarregado de protegê-la aparecem mortos e tudo gira em torno de uma estátua de falcão de valor incalculável.

The Maltese Falcon – Trailer:

Crítica:

Quando falamos sobre “O Falcão Maltês” (conhecido também como “Relíquia Macabra”, que nada mais é do que um título marqueteiro e inconveniente) logo temos certeza de dois pontos extraordinários: o primeiro é que o filme trata-se de um dos dois mais importantes exemplares da era noir do Cinema (concorre ao posto de “mais importante” diretamente com o perfeito “Crepúsculo dos Deuses” de Billy Wilder) e o segundo é que a obra em questão trata-se de um dos mais admiráveis filmes da história da sétima Arte, falando em um contexto geral.

Tido pela grande maioria dos críticos e cinéfilos do mundo todo como a obra-prima máxima do consagrado cineasta John Huston (alguns ainda afirmam ser “O Tesouro de Sierra Madre”, “Uma Aventura na África”. “Moulin Rouge (1952)” ou “O Homem Que Queria Ser Rei”, mas, ao menos desta vez, concordo com a opinião da maioria), o longa tem como maior atrativo a atuação de Humphrey Bogart, que transforma o seu Sam Spade em um dos personagens mais marcantes e inesquecíveis da história da Sétima Arte, seja pelo tom de voz inigualável empregado pelo ator (que também o fazia excelentemente bem no sensacional “Casablanca”), seja pelos inolvidáveis maneirismos utilizados pelo astro hollywoodiano.

Spade entra em cena através de uma clássica sequência onde, sentado atrás de uma mesa de escritório e vestindo um chapéu que quase lhe cobre os olhos por inteiro, enrola um cigarro e o fuma enquanto atende uma mulher formalmente trajada. A composição de Bogart é praticamente perfeita, seu personagem lhe cai tão bem quanto uma luva, e o ator consegue, com maestria, transformar o protagonista em um sujeito ainda mais cafajeste do que ele já é por si só. Longe de aparentar ser o típico herói de filmes deste gênero, Spade revela-se um sujeito moralmente incorreto e dotado de atitudes imprevisíveis (“___ Você é o homem mais imprevisível que já conheci.” ___ Menciona Brigid O'Shaughnessy em um determinado momento do filme), que não se vê capaz de esconder a sua ganância pelo dinheiro (nisso, o seu Spade lembra um pouco o seu Dobbs, só que em doses de ambição muito mais homeopáticas) e, não bastasse isso, tem um caso de amor com a esposa de seu sócio que, além de desprezar completamente, não demonstra a menor compaixão quando fica sabendo da morte deste.

As demais figuras que compõem o rol de personagens também seguem a linha do protagonista e, assim como na grande maioria das obras que constituem o subgênero film noir, são todos indivíduos de caráter duvidoso, variando desde a mocinha que se passa por garota meiga, mas na verdade é demasiadamente perigosa, ao vilão que se mostra capaz de sacrificar um grande amigo (que é tido como um filho para ele) a fim de conseguir um objeto extremamente ambicionado por si.

A trama também faz jus aos personagens que a integram e, mesmo aparentando ser um tanto o quanto previsível em alguns poucos momentos, é extremamente bem amarrada e suficientemente interessante e complexa para nos prender a atenção do início ao fim do longa, sem jamais se revelar fadigosa e/ou aborrecedora. Os diálogos, por sua vez, são ágeis, secos, ácidos, ríspidos e dinâmicos, e enriquecem ainda mais o roteiro que já se mostra excepcional se o analisarmos individualmente.

Longe de ser apenas um donairoso e excelente exemplar do gênero cinematográfico suspense-policial, “O Falcão Maltês” merece destaque mormente por ser um dos filmes que mais serviram de inspiração para formar, não somente a Hollywood, mas também o Cinema mundial o qual conhecemos hoje. Entre as películas e cineastas os quais podemos citar que foram direta ou indiretamente influenciados pela obra-prima máxima de John Huston (e leve em conta que este foi o primeiro filme por ele dirigido) estão: “Acossado” de Jean-Luc Godard, “Um Corpo Que Cai” de Alfred Hitchcock, “O Terceiro Homem” de Orson Welles e “Pacto de Sangue” de Billy Wilder. Em outras palavras: se é de seu interesse adquirir um estimável conhecimento em Cinema e, acima de tudo, em Cinema Noir, “O Falcão Maltês” torna-se um filme mais do que mister para tal.

Avaliação Final: 9,0 na escala de 10,0.

Poema - O Cadáver e o Efêmero Peregrino

2009-06-07T22:53:00.005-03:00

Outro poema de minha autoria (pois é, disse que iria viciar nisso, não disse?). Este aqui foi baseado totalmente em fatos reais, vivenciados por mim na última noite de sábado (06 de junho de 2009), exceto, é claro, no que diz respeito à carga sobrenatural incluída nesta prosa, que deve ser encarada pelo leitor metaforicamente, e não literalmente ou até mesmo metafisicamente. O que o cadáver do poema vem a representar? Oras, leia e tire as suas próprias conclusões.

O Cadáver e o Efêmero Peregrino, por Daniel Esteves de Barros

Memórias de uma gélida e taciturna madrugada de sábado

Cujo único ruído perceptível aos ouvidos humanos

Provinha do forte vento que relutava contra as árvores

Que os seus galhos balançavam com involuntária ferocidade

O impávido zéfiro castigava o peregrino

Que sem propósito e sem destino, traçava o seu caminho

Sozinho, ele perambulava pelas ermas vias urbanas

Lutando bravamente contra o frigido acoimo hiemal

Não havia um escopo neste seu excêntrico ato

Não havia uma insaciável busca por alvedrio

Não havia uma insaciável busca pelo inaudito

Não havia uma insaciável busca pela fleuma espiritual

Quiçá fosse apenas uma fuga existencial

Quiçá fosse apenas uma retrospecção de alguns de seus momentos infantes

Quiçá fosse apenas uma oportunidade de voltar ao passado

Quiçá fosse apenas uma atitude convulsiva de uma mente perturbada

Fosse o que fosse, aquilo era um desafio

Um repto sugerido a fim de confrontar a si mesmo

Não necessariamente uma busca, e sim uma fuga

Uma escapula do que já não mais lhe confortava

Pensamentos martelavam a cabeça do efêmero andarilho

O calor de tuas mãos não mais me aquece, matutava ele

Não mais violarei vosso nuvioso túmulo

Não mais farei amor contigo neste cemitério da vida

Teus abraços não mais me consolam

Tuas mãos encontram-se cada dia mais álgidas

O esputo de teus lábios carcome a minha carne

A macieza de tua vulva só me causa náuseas

Chega! Não mais relacionar-me-ei contigo

Teu formoso corpo não mais tem a mesma forma

Tua volúpia nada mais é do que a propagação de uma ilusão

De um passado que não mais voltará

Despeço-me de ti, ó minha eterna amada

O teu vulto, antes belo, agora se encontra putrefato

E é com poucas lamúrias e ressalvas que tomo esta decisão

Enterrar-te-ei novamente, para jamais voltar a violar vosso jazigo

Agora deverás descansar em paz

Vossa carne poderá, enfim, ser decomposta pelos vermes

E enquanto busco a magia que compõe a autodestruição

Vejo o teu corpo se esfacelando relutantemente em vosso ataúde

Findam-se os lúgubres e sinistros pensamentos

A despropositada e não alicerçada pequena jornada prossegue

A inclemente ventania ainda rasga-lhe o tecido carnal que lhe compõe o rosto

Corta-lhe a carne, alfineta-lhe a vulnerabilidade corpórea e atinge-lhe a alma

O efêmero andarilho se vê então diante de paredes de concreto

Tudo lhe lembra a infância, mas não mais os bons momentos desta

Os muros estão todos ali, parados, no exato lugar onde estiveram outrora

Nada mudou, tudo se encontra da mesma forma que se encontrara anos atrás

Pessoas se foram, pessoas chegaram, pessoas ali habitaram

E a inexorável passagem do tempo a todos castigou

Mas as residências permaneceram exatamente as mesmas

Com suas raras alterações, sendo a maioria imperceptíveis

Pequenas moradias ganharam adendos

Transformaram-se em lares ligeiramente suntuosos

Mas no saldo final, o peregrino constatou que poucas foram as mudanças

E, em sua maioria, mutações que atingiram um resultado ainda mais negativo

As pessoas sobrevivem, vivenciam semelhantes cotidianos

Transformam os seus pertences, mas não transformam a si mesmas

E os anos que lenta e maçantemente se passam, as acoimam

Mas jamais punem os seus pertences, que a tudo parecem resistir

Suas residências ali se mantêm com obstinada rigidez

Mas as pessoas que as construíram, não mais

Seriam então os seus bens ainda mais fortes e marcantes do que elas mesmas?

Tal questionamento perturba a mente do corriqueiro andarilho

Acabrunhado ainda mais pelo gigantesco e atormentador contraste social

Que pode ser visivelmente notado dentro de um insignificante espaço geográfico

Cuja discrepância vem a nos ser anunciada aos berros e alardes

Pequenas suntuosidades aqui, gradativas adversidades meia quadra abaixo

Tudo isto causa uma excessiva mortificação à alma do andarilho

Que se volta para trás e segue, de cabeça baixa, o seu desconexo rumo

E enquanto vaga pelas ermas e sorumbáticas vias urbanas

Passa a lucubrar e opta por voltar-se ao cemitério da vida

Voltei-me para ti, ó minha eterna amada, diz o peregrino

E o esquife se abre, o cadáver se levanta e uma mão puxa-lhe o braço

O efêmero andarilho é então definitivamente tragado pela terra

E é ali, que para a sua perene felicidade, passará o resto de seus dias

Memórias de uma gélida e taciturna madrugada de sábado

Cujo único ruído perceptível aos ouvidos humanos

Provinha do forte vento que relutava contra as árvores

Que os seus galhos balançavam com involuntária ferocidade

Poema - A Bruma da Incerteza

2009-06-03T13:45:00.002-03:00

Pois é, outro poema. Fazer o quê, não é? Com vocês:

A Bruma da Incerteza, por Daniel Esteves de Barros

Ó pálida fuligem, que paira sobre as nossas vidas
Encobristes os campestres caminhos
Proporcionou-nos o flerte com o desconhecido
Em face de ti nos caem as incertezas
Recalcadas sob o mais belo mistério
Que nos tira a visão concreta do caminho a ser traçado
Mas nos brinda com a possibilidade de encontrar o desconhecido
Aquilo que é novo, aquilo que está por vir

E há algo mais belo do que o misterioso?
O real progenitor da ciência e da arte, segundo Einstein
Vossa emblemática coberta que nos oculta a fatídica obviedade da vida
E que nos dá a esperança para continuarmos buscando a perfeição
Que jamais será alcançada, mas nos atribui o motivo de nossa existência
Traçando caminhos que, por ti, são tão lindamente ocultados
E nos proporcionam os mais embaraçosos questionamentos
Ora bons e instigantes, ora cruéis e perturbadores

Ó pálida fuligem, que a incerteza em nós nos proporciona
É a passos deveras cautelosos que rasgamos vosso véu
Descortinamos vosso conveniente arrimo ao desconhecido
E o concreto sentimento da mais dilatada imprecisão
Finalmente nos atinge por inteiro e faz-nos interrogarmos
O que escondestes tão sigilosamente de nós?
Dai-nos a devida concessão para que possamos amplamente averiguar?
E findarmos se nos escondes algo de bom, de ruim, ou mais do mesmo?

Fim de Semana Especial - Jean Renoir

2009-06-01T19:23:00.005-03:00

Resolvi dedicar este fim de semana a assistir a alguns filmes de Jean Renoir, uma vez que o diretor não é só um de meus dez favoritos, como também tem uma contribuição para lá de importante à sétima Arte. Filho do famoso pintor impressionista Pierre-Auguste Renoir (que dentre vários quadros, pintou “Le Moulin de la Galette” e “O Almoço dos Remadores”), Jean foi extremamente subestimado durante a sua época, vindo a fazer sucesso apenas anos mais tarde, quando cineastas como Claude Chabrol, Jean-Luc Godard e François Truffaut involuntariamente criaram a “Nouvelle Vague” e passaram a afirmar que uma de suas maiores (se não a maior) fontes de inspiração havia sido o próprio Jean Renoir. Mas por que o cineasta fora tão subestimado, sendo que o mesmo conta com um leque de qualidades raríssimas em seu trabalho? Talvez porque Jean tivesse uma visão extremamente pessimista da sociedade pré-Segunda Guerra Mundial. Por mais que o sentimento da população européia dos anos 1.920 e 1.930 fosse extremamente ululante, é bem provável que as pessoas almejassem ir ao cinema com o intento de distrair a falta de esperança, e não alimentar a mesma. De uma forma ou de outra, Jean daria a volta por cima e marcaria o seu nome na história da Arte de maneira tão gloriosa quanto (ou quem sabe ainda mais gloriosa) o seu pai o fez, e é por este motivo que dedico estes quatro pequeninos textos a ele.

Tire au Flanc (Tire au Flanc, Comédia, 1.928, França, Jean Renoir) - **** de *****

Os trabalhos de Jean Renoir sempre estão bem à frente de seu tempo, pois neles temas como críticas sociais e a hipocrisia matrimonial são abordadas com grande frequência. “Tire au Flanc”, no entanto, segue na contramão e revela-se uma comédia bastante datada, tanto no que diz respeito à sua trama, como no que diz respeito às abordagens sociais e conjugais as quais traça.
A premissa, por si só, já é bastante interessante e aborda um tema muitíssimo comum na época: a vida no exército. Mas não só este estilo de vida ganha total destaque no filme, como também (e principalmente, diga-se) a abordagem que ele realiza sobre um indivíduo nobre que tem de lidar com o fato de ser um soldado como outro qualquer, já que, no quartel general, a sua posição social pouco importa aos demais cadetes, que aproveitam-se da situação para atazanar o pobre rico rapaz.
Além disso, o longa é bem divertido e conta com alguns momentos bem cômicos, especialmente quando faz o uso de diálogos para tal (sim, o filme é mudo, mas contém aquelas convencionais frases que são escritas sobre uma tela preta a fim de ilustrar as frases que os personagens “dizem”). Como não rir, por exemplo, com dizeres do tipo: “O Tenente estava disposto a arrumar uma noiva para si, independentemente de quem pertencesse tal noiva” (pois é, novamente Renoir aborda o adultério dentro da alta sociedade), “No exército, muitas vezes compensa você ser um completo imbecil, mas deve-se evitar passar dos limites” e “Ele é um perfeito idiota, mas há uma justificativa, ele é um poeta”.
Infelizmente, o mesmo humor que vigora a parte, digamos, “verbal” do longa faz bastante falta na construção do humor físico. Conforme dissera no início desta mini-crítica, “Tire au Flanc” conta com um humor datado. Contudo, não posso entrar em contradição e fugir daquilo que sempre defendi: “uma obra cinematográfica deve ser julgada de sempre acordo com a época a qual a mesma fora produzida”. É fato que muitos críticos fazem o contrário, mas no meu caso, prefiro seguir à risca a minha tese.
Juro que fiz isso e acabei ignorando o fato de que, mostrar pessoas se queimando com o café na mesa de jantar e tropeçando a todo o instante (dentre outras muitas situações exageradas que o filme nos apresenta) é deveras obsoleto. Para falar a verdade, esse tipo de humor, na época, nem antiquado era, muito pelo contrário, era bastante comum. O problema reside mesmo é na artificialidade das situações. O que Charles Chaplin sabia fazer naturalmente, Jean Renoir parece ter um pouco de dificuldade para o fazer.
Mas é como mencionei acima, “Tire au Flanc” é um filme divertido, interessante e que aborda, ainda que de soslaio, críticas sociais e a forte hipocrisia contida nos relacionamentos amorosos formados por membros da classe alta.
Seria óbvio demais mencionar que a direção de Renoir é fantástica e conta com várias técnicas, sobretudo de afastamento (destaque para a cena onde ele acompanha o protagonista adentrando o quartel pela primeira vez. Conforme o poeta avança, a câmera do diretor (que encontra-se de frente para ele) vai se afastando aos poucos) e tomadas aéreas? Seria? Tudo bem, então encerro esta mini-crítica por aqui.

Avaliação Final: 8,0 na escala de 10,0.

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A Cadela (La Chienne, Drama, 1.931, França, Jean Renoir) - ***** de *****

Quando o filme se inicia, a primeira coisa que vemos é um curioso teatro de marionetes onde um dos bonecos nos alerta que o longa a seguir não se tratará de uma trama com heróis e vilões, mas sim de uma estória com pessoas comuns, como você e eu. Para ser sincero, não diria que é necessariamente assim, ao menos durante o início do filme. O protagonsita Maurice Legrand (Michel Simon), por exemplo, segue muito o estereótipo do ‘mocinho’ injustiçado. Legrand é constantemente humilhado pela autoritária (e também caricata, diga-se) esposa Adéle (Magdeleine Bérubet), é motivo de chacota entre os vizinhos e, principalmente, os colegas de trabalho, e, não bastasse isso tudo, ainda envolve-se com uma amante falsa e hipócrita chamada Lulu (Janize Marèze) que lhe tira muito dinheiro e entrega tudo ao namorado Dedé (Georges Flamant), um gigolô de marca maior.
Entretanto, mesmo contendo um caráter excessivamente estóico e sendo um homem de bom coração, Legrand está longe de ser o típico protagonista moralmente correto que o Cinema estava acostumado a presenciar em plena década de 1.930. Assim como a grande maioria dos personagens, o nosso ‘herói’ aqui comete erros imperdoáveis (e se você ainda não assistiu ao filme, sugiro que pare de ler este parágrafo e pule para o próximo), como furtar os cofres da empresa onde trabalha e permitir que um determinado personagem receba uma punição (merecida, diga-se) por um erro que não cometeu.
As demais figuras que compõem a trama também estão longe de seguir o código de conduta moral e todos revelam-se eticamente repugnantes. E é tecendo o caráter destes personagens tartufos e cínicos que o roteiro de André Girard e Jean Renoir explana todo o seu sentimento de pessimismo perante à sociedade da época (e até mesmo a sociedade atual, afinal de contas, os filmes de Renoir sempre estiveram bem a frente de seu tempo, uma vez que inspiraram Chabrol a criar a “Nouvelle Vague” no final dos anos 1.950), onde notamos que até as pessoas mais aparentemente dignas se mostram dissimuladas quando veem (sem circunflexo) uma corpórea oportunidade de prosperar na vida às custas de outras pessoas.
O grande trunfo de “A Cadela”, por sua vez, reside na direção de Renoir. Aqui, um dos mais brilhantes cineastas de todos os tempos, não só se destaca nas técnicas de afastamento de câmera, criação de ângulos perfeitos (a maior prova disso é uma cena onde o diretor posiciona sua câmera em um local do apartamento de Legrand onde podemos, em uma única tomada, ver a sua esposa abrindo o armário em um quarto e o protagonista pintando um quadro em outro), “travelings” e “deep focus” (esse último é pouco utilizado, mas ainda assim merece muito destaque), como também ao conferir à trama toda a sensibilidade a qual a mesma necessita para funcionar corretamente (em uma determinada tomada, Renoir balança a câmera com ímpeto enquanto filma Dedé e Lulu dançando uma valsa, para que assim possa mostrar toda a fúria pela qual o primeiro estava passando).
“A Cadela” é, em suma, uma pequena grande obra-prima de Renoir. Uma mostra do majestoso trabalho que o cineasta viria a realizar ao longo dos anos 1.930.

Avaliação Final: 8,8 na escala de 10,0.

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Um Dia no Campo (Une Partie de Campagne, Drama, 1.936, França, Jean Renoir) - ***** de *****

“Um Dia no Campo” é considerada por muitos a obra-prima inacabada de Jean Renoir. Concordo com cada palavra. Não seria exagero afirmar que uma das maiores tragédias da história do Cinema foi a incapacidade do cineasta francês mais importante da década de 1.930 concluir definitivamente esta sua magistral ode à Arte Impressionista. Arte Impressionista? Sim, Arte Impressionista.
O cineasta realiza aqui uma homenagem a vários pintores que seguiam este movimento artístico, tais como: Guy de Maupassant, Claude Manet e, principalmente, seu pai, Pierre-Auguste Renoir. A mesma beleza e sensibilidade com a qual o seu progenitor registrava um grupo de pessoas almoçando e dançando em uma suntuosa festa (a propósito, considero “Le Moulin de la Galette” o mais belo quadro dentre os quais já tive a oportunidade de conferir), Jean adota aqui para filmar um grupo de pessoas fazendo um piquenique em um bosque.
O média é de uma beleza visual incrível e a união formada entre direção, fotografia e trilha-sonora transformam “Um Dia no Campo” em um dos filmes mais lindos da história do Cinema.
E não é só a formosa aparência da obra que merece destaque. O média ainda encontra tempo para fazer uma leve crítica à hipocrisia contida na vida matrimonial da alta-sociedade (o quê? Já citei isso acima? Fazer o quê, Renoir adora bater nessa tecla, ainda que se reinvente a cada filme).
“Um Dia no Campo” falha apenas pelo fato de ser um filme inacabado, uma vez que a edição se vê obrigada a dar um grande salto no tempo a fim de manter a conexidade entre o início e o fim do média.
Destaque para a ponta que o diretor faz no filme, onde assume o papel do cozinheiro Père Poulain e esbanja carisma.

Avaliação Final: 9,0 na escala de 10,0.

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Não assisti a “A Regra do Jogo” recentemente, o fiz no final do ano passado, mas decidi republicar este texto aqui justamente a fim de aumentar a minha homenagem a este impressionante cineasta que fora Jean Renoir.

A Regra do Jogo (La Règle du Jeu, Drama, 1.939, França, Jean Renoir) - ***** de *****

Jean Renoir foi, inquestionavelmente, um dos nomes que mais serviu de inspiração aos Cinemas moderno e contemporâneo. Antes mesmo de Federico Fellini estabelecer um complexo e contundente panorama sobre as nugacidades adotadas e cultivadas pela alta sociedade a fim de preencher o seu vazio existencial, Jean Renoir já havia o feito em 1.939 em “A Regra do Jogo”. Antes mesmo de Woody Allen traçar as fragilidades de relacionamentos amorosos alicerçados em um pseudo sentimento de amor, Jean Renoir já havia o feito em 1.939 em “A Regra do Jogo”. Introduzindo o espectador em sua obra-prima máxima com uma majestosa sinfonia composta por Wolfgang Amadeus Mozart, o filho de Auguste Renoir (um dos pintores impressionistas de maior renome na história da Arte) nos apresenta à filosofia adotada por ele quando o assunto em pauta é o amor: tal sentimento é rotativo e por este motivo é cada vez mais comum nos depararmos com indivíduos de todas as castas sociais que cometam adultérios.
Considerado um dos filmes cults de Arte mais importantes de todos os tempos, “A Regra do Jogo” utiliza de pano de fundo para retratar a filosofia adotada por Renoir uma suntuosa casa de campo no interior da França onde alguns aristocratas e seus respectivos empregados se unem durante um final de semana para caçar coelhos e faisões. A partir de então somos convidados a conhecer e a conviver, durante dois ou três dias, com um grupo de pessoas fúteis e materialistas. Todos os personagens do longa têm fortes desvios de caráter, porém, se vêem obrigados a maquiar isto perante à sociedade hipócrita e falsa onde vivemos. Homens traem suas esposas, mulheres traem seus maridos, todos alegam que a mentira é uma característica inerente ao ser humano, pessoas se apegam a medidas frívolas e nulas a fim de preencher o vazio existencial presente em seus insossos cotidianos e, no final... bem, no final (um dos desfechos mais imprevisíveis e surpreendentes da história do Cinema) ocorre uma tragédia, tragédia esta que nos faz lucubrar sobre até quando falsos moralismos cristãos irão imperar em nossas vidas (conforme diz um personagem do filme: “___ Corretos estão os mulçumanos que têm um harém ao seu dispor e podem dedicar o verdadeiro amor à mulher que mais ama, sem precisar desprezar as demais).

Avaliação Final: 10,0 na escala de 10,0.

Um Corpo Que Cai - * de *

2009-05-30T20:08:00.002-03:00

Não gosto de dar nota 9,5 a qualquer filme que seja. Muitas vezes já dei notas exageradamente quebradas a muitas obras do Cinema, mas 9,5, sabe-se lá o porquê, nunca gostei de conferir a filme algum. Em “Um Corpo Que Cai” vi-me impossibilitado de manter esta tradição, pois sabia claramente que estava diante de um filme perfeito demais para receber uma nota 9,0 (avaliação que atribuo a produções excelentes). Entretanto, mesmo sendo uma obra praticamente completa e esmerada, “Um Corpo Que Cai” se revelou um longa metragem levemente falho quanto à ligeira previsibilidade contida em seu roteiro, uma vez que, com o passar do tempo, começamos a ter uma noção de como o filme irá se encerrar. De qualquer forma, o suspense é atormentador do início ao fim e nos deixa com um sentimento de curiosidade para lá de insuportável, conforme poderemos perceber mais abaixo, no texto do filme.

Ficha Técnica:
Título Original: Vertigo.
Gênero: Suspense.
Tempo de Duração: 128 minutos.
Ano de Lançamento: 1958.
País de Origem: Estados Unidos da América.
Direção: Alfred Hitchcock.
Roteiro: Samuel A. Taylor e Alec Coppel, baseado em livro de Pierre Boileau e Thomas Narcejac.
Elenco: James Stewart (John "Scottie" Ferguson), Kim Novak (Madeleine Elster), Barbara Bel Geddes (Marjorie "Midge" Wood), Tom Helmore (Gavin Elster), Raymond Bailey (Médico de John), Konstantin Shayne (Pop Leibel), Ellen Corby, Lee Patrick, Henry Jones e Alfred Hitchcock.

Sinopse: Em São Francisco, um detetive aposentado (James Stewart) que sofre de um terrível medo de alturas é encarregado de vigiar uma mulher (Kim Novak) com possíveis tendências suicidas, até que algo estranho acontece nesta missão.

Fonte Sinopse: Adoro Cinema.

Vertigo – Trailer:

Crítica:

Ao lado de “2001 – Uma Odisséia no Espaço” e “Apocalypse Now”, “Um Corpo Que Cai” figura facilmente no topo da lista dos filmes mais aterrorizantemente perturbadores a que já assisti. E quando menciono “perturbadores” não me refiro à capacidade deste filme fazer com que nos sintamos mal após o término de sua sessão, como é o que acontece no perfeito “Clube da Luta”, no excelente “Dogville” e no ótimo “Violência Gratuita”, mas sim à perfeição com a qual o mesmo nos passa uma incômoda e desesperadora sensação de que, até o desfecho do longa, iremos morrer (a sensação que o filme de Kubrick nos passa) ou ficarmos completamente alucinados (a sensação que o filme de Coppola nos passa).

A princípio, o longa soa simples e convencional. Não reparamos em nada demais no mesmo. O protagonista é um velho detetive que se encontra afastado da polícia devido a um trauma que contraiu em uma missão onde ficou pendurado no telhado de um prédio a uma altura considerável do chão. Seu nome é John Ferguson, vulgo Scottie. Ferguson recebe uma proposta de um antigo colega de faculdade, Gavin Elster, que pede para que ele vigie a sua esposa, Madeleine Elster, que vem agindo com demasiada estranheza ultimamente, praticamente “vivendo” a vida de uma mulher que cometera suicídio no passado.

Conforme a trama vai se desenrolando e alguns pontos vão sendo claramente explicados, nos vemos diante de uma estória que mostra três possíveis caminhos a serem percorridos, e por mais que muitos deles se mostrem significantemente inverossímeis, eles jamais podem ser alcunhados de desconexos ou implausíveis de serem absorvidos dentro do contexto da obra em questão. Hitchcock cria aqui um emaranhado de possibilidades que podem muito bem ser estendidas tanto a um suspense, quanto a um terror paranormal, fazendo com que a curiosidade que passa a crescer dentro de nós, espectadores, se torne forte o bastante para não conseguirmos aprisioná-la racionalmente no interior de nossos próprios corpos, chegando a ponto de quase perdermos a razão e sairmos gritando pelas ruas.

O filme trata de um caso paranormal? De um encosto espiritual que muda completamente a personalidade de uma pessoa? De uma personagem com uma mera inclinação suicida? De um homicídio armado? De um caso de loucura elevada à máxima potência? Difícil respondermos até a metade da projeção. E por mais que a trama soe levemente previsível durante alguns poucos momentos, não há como deixarmos de levantar todas estas questões e traçarmos mentalmente as várias hipóteses as quais o longa pode real e definitivamente nos levar.

Enquanto não chegamos a uma exata conclusão do caso, passamos a nos perturbar imensamente. O filme incomoda, atormenta, ganha vida, nos abraça e não nos larga jamais. Chegamos a ter medo de ficar o acompanhando diante da tela e, quando o desfecho enfim acontece e os créditos finais aparecem, o suspense ainda se mostra capaz de nos deixar enleados com o que acabamos de presenciar em seus atormentadores últimos segundos de projeção.

E não só o suspense em si se revela intenso o bastante para nos fazer fixar e grudar os olhos na tela. Conforme fora mencionado na quarta linha do parágrafo anterior, o mistério tem uma luz quando o filme praticamente chega a sua metade. Mas então qual seria a graça de continuarmos acompanhando a trama por mais uma hora, já que sabemos parcialmente o que havia ocorrido? Respondendo sucintamente: a graça está em notarmos o modo como a vida de Ferguson fica alterada após o ocorrido. Os roteiristas Samuel A. Taylor e Alec Coppel acertam em cheio ao fazer com que os espectadores tenham um ligeiro conhecimento do ocorrido durante a metade do filme, pois é a partir daí que podemos sentir na pele o drama do protagonista, que sabe muito menos do que nós mesmos sabemos.

Passamos a nos incomodar com o rumo que a vida de Ferguson vai tomando e nutrimos uma vontade moral de penetrar na tela e dizer ao detetive o que realmente aconteceu. Obviamente nos vemos impossibilitados de realizar tal façanha, o que acaba nos atormentando ainda mais. Acompanhamos então a rotina de um homem que passa a viver a beira da loucura, até que um determinado incidente muda tudo. E é justamente quando pensamos que Scottie deixará de atormentar tanto a si mesmo que passamos a testemunhar uma subtrama ainda mais transtornadora. Trata-se do doentio romance que o protagonista passa a ter com uma personagem que surge próxima do desfecho do filme, algo que se revela tão cativante quanto o mistério que havíamos presenciado há pouco tempo atrás e se firma competente o bastante para segurar a trama com o mesmo ritmo com o qual esta se iniciou.

Entretanto, por mais destaque que a excelente trama mereça, não posso deixar de citar também a direção de Alfred Hitchcock. Por mais que o meu desejo ultimamente seja o de, cada vez mais, reduzir os meus textos, torna-se impossível não alongar esta crítica um pouco mais para falar do grande gênio do suspense cinematográfico e, considerado por muitos (o que está longe de ser o meu caso, mas enfim...), do Cinema como um todo, superando até mesmo mestres do naipe de Stanley Kubrick, Orson Welles, Jean-Luc Godard e Jean Renoir.

Hitchcock sempre levou fama de ser extremamente inventivo e ousado e “Um Corpo Que Cai” talvez seja a maior prova disso. Foi através deste filme que, a fim de fazer com que o espectador senti-se na pele a acrofobia característica do protagonista, o diretor criou a técnica chamada de “zoom out”, que viria a ser empregada por Stanley Kubrick em clássicos absolutos como “2001 – Uma Odisséia no Espaço” e, principalmente, “Laranja Mecânica”.

Um simples diretor teria filmado o excelente James Stewart olhando para baixo e fingindo estar com um terrível atordoamento, mas Hitchcock o fez de um modo muito superior. Fez com que nós, espectadores, também partilhássemos da sensação vivenciada pelo protagonista. É como se “ganhássemos” o mesmo par de olhos utilizado por Scottie e começássemos a sentir a mesma vertigem que ele, o que só vem a fazer com que a trama toda soe ainda mais verossímil do que ela soaria nas mãos de um outro cineasta qualquer.

Não sei se “Um Corpo Que Cai” pode ser tida como a grande obra-prima da magistral carreira de Alfred Hitchcock. Talvez outras obras como “Janela Indiscreta”, “Psicose” e até mesmo “Rebecca – A Mulher Inesquecível” mereçam mais este título. Ou talvez não. Mas isso não importa. O importante é que “Um Corpo Que Cai” é um filme que deve obrigatoriamente fazer parte da lista de filmes assistidos por qualquer pessoa que se diga cinéfila.

Mais do que meramente recomendado, “Um Corpo Que Cai” é um filme obrigatório.

Avaliação Final: 9,5 na escala de 10,0.

Star Trek - de *

2009-05-28T00:19:00.003-03:00

Não sou fã incondicional da franquia “Star Trek” (exceto no que se refere ao filme “Jornada nas Estrelas II: A Ira de Khan”, que é o único que considero como sendo uma verdadeira obra-prima do Cinema) e isso diz respeito tanto aos episódios feitos para a televisão, ao longo da década de 1.960, quanto aos episódios feitos para o Cinema, produzidos, em sua maioria, ao longo da década de 1.980. Contudo, o meu pai é simplesmente fanático pela série (a Velha Geração somente, apesar de ele gostar um pouco da Nova Geração) e coleciona quase tudo o que vê pela frente e refere-se à mesma. Logo, por mais que o meu fanatismo por “Star Trek” esteja longe de, sequer, engraxar as botas da paixão que nutro por “Star Wars”, respeito, e muito, a franquia, e ouso dizer que, principalmente por influencia de meu progenitor, tenho um conhecimento até que razoável sobre a mesma. Não sei, no entanto, se esse conhecimento é razoável o bastante para fazer uma análise dos filmes antigos com este mais novo episódio que acaba de chegar aos cinemas do mundo todo, mas enfim, vamos arriscar e vê no que dá.

Ficha Técnica:
Título Original: Star Trek
Gênero: Ficção Científica
Tempo de Duração: 126 minutos
Ano de Lançamento: 2009
Site Oficial: www.startrekmovie.com
Países de Origem: Estados Unidos da América e Alemanha
Direção: J.J. Abrams
Roteiro: Alex Kurtzman e Roberto Orci, baseado em série de TV criada por Gene Roddenberry
Elenco: Chris Pine (James Tiberious Kirk), Zachary Quinto (Spock), Leonard Nimoy (Spock Prime), Eric Bana (Nero), Bruce Greenwood (Capitão Christopher Pike), Karl Urban (Dr. Leonard "Bones" McCoy), Zoe Saldana (Nyota Uhura), Simon Pegg (Scotty), John Cho (Hikaru Sulu), Anton Yelchin (Pavel Chekov), Ben Cross (Sarek), Winona Ryder (Amanda Grayson), Chris Hernsworth (George Kirk), Jennifer Morrison (Winona Kirk), Rachel Nichols (Gaila), Faran Tahir (Capitão Robau), Clifton Collins Jr. (Ayel), Antonio Elias (Oficial Pitts), Freda Foh Shen (Kelvin Helmsman), Jimmy Bennet (James T. Kirk - jovem), Jacob Kogan (Spock - jovem), Tyler Perry (Almirante Richard Barnett), Ben Biswagner (Almirante James Komack) e Akiva Goldsman (Integrante do Conselho Vulcano).

Sinopse: James Tiberious Kirk (Chris Pine) é um jovem rebelde inconformado com a morte de seu pai. Certo dia, recebe convite para fazer parte da formação de novos cadetes para a Frota Estelar. Uma vez lá conhece Spock (Zachary Quinto), um vulcano que optou por deixar seu planeta porque é metade humano e discordava do preconceito. Durante o treinamento, e também na primeira missão, os dois vivenciam novas experiências provocadas por seus estilos diametralmente opostos. Assim, Spock, o cerebral, e Kirk, o passional, viverão uma grande aventura ao lado de outros tradicionais integrantes da tripulação da U.S.S. Enterprise, a mais avançada nave espacial da época. (Roberto Cunha).

Fonte Sinopse: Adoro Cinema

Star Trek – Trailer:

Crítica:

Há muito tempo (muito tempo mesmo) citei que J. J. Abrams era uma das poucas falhas contidas no ótimo “Missão: Impossível 3”. Ao contrário de boa parte da crítica especializada, a “handcam” empregada pelo diretor não me agradara nem um pouco, haja visto o ritmo atordoantemente frenético que a mesma havia conferido ao filme que, sob mãos mais seguras e menos histéricas, nos seria capaz de proporcionar sequências de ação mais aproveitavelmente divertidas.

Em “Star Trek” digo justamente o contrário. O mérito da produção em questão é, acima de tudo, de J. J. Abrams. Desta vez o cineasta (que é também o responsável pela série televisava “Lost”, que eu nunca assisti e, sabe-se lá o porquê, nem pretendo faze-lo) adota uma direção mais segura e se mostra responsável por um trabalho de câmeras muito mais consistente do que o que havia realizado no longa estrelado pelo superestimado Tom Cruise.

E não apenas o modo como filma as cenas de ação ou as técnicas que adota para movimentar a sua câmera fazem deste seu mais novo trabalho algo digno dos mais sinceros elogios. Abrams destaca-se também ao utilizar algumas perspicácias que conferem à sua direção a aparência de ter sido realizada por um cineasta bem mais experiente. É o caso de uma cena onde um personagem menciona: “___ Aprendi isso com um amigo meu” e, logo em seguida, o diretor retira a câmera do foco que havia feito em cima do interlocutor e realiza um curto e rápido, embora suave, “travelling” no personagem o qual ele se referia. Sem necessitar dizer uma única palavra, já percebemos que o tal personagem era a pessoa a qual o interlocutor se referia. É como sempre dizem: uma imagem vale mais do que mil palavras e, no caso do Cinema, uma imagem competentemente filmada passa a valer muito mais.

Todavia, devo ressaltar que a grande maioria do público que vai aos cinemas contemplar “Star Trek” está, na verdade, ansiando buscar uma sessão nostalgia ao lado de personagens marcantes como o Capitão Kirk, o Sr. Sulu, o Dr. McCoy e, é claro, o Sr. Spok, e não testemunhar o trabalho de Abrams como diretor. A pergunta que fica no ar então é a seguinte: “o filme faz jus à clássica saga cinematográfica iniciada em 1.979 e, principalmente, à ainda mais clássica série televisiva que levava os seus respectivos apreciadores à loucura durante os anos 1.960?”. A resposta para esta questão é, como não poderia deixar de ser: depende.

Quando o filme em questão se inicia, logo sentimos falta da marcante música-tema que, ao contrário dos episódios anteriores, não abre este longa, o que nos resulta em uma certa frustração. Tentamos esquecer esta pequena grande falha e, conforme a projeção avança, percebemos que estamos diante de uma trama bastante complexa e intrincada, mas não há como deixarmos de reparar em dois pontos em especial. O primeiro é que “Star Trek” conta com cenas de ação em excesso e muitas vezes se esquece de parar para explorar os seus personagens ou a sua própria estória. O segundo apontamento é que a trama, apesar de abstrusa, não atinge o mesmo grau de complexidade que muitos episódios da série televisava, ou até mesmo da série cinematográfica (como “Jornada nas Estrelas II: A Ira de Khan” (só uma curiosidade: é estranho notar que “Jornada nas Estrelas” é uma das poucas franquias cinematográficas onde o episódio original não apenas não é o melhor, como também é um dos piores), apenas para citar um exemplo) conseguiam atingir.

Mas em momento algum, no entanto, temos a sensação de que estamos assistindo a um filme “hollywoodiano” qualquer. Tampouco posso afirmar que “Star Trek” não resgata a magia do seriado que lhe deu origem. A música-tema original faz falta? E como. O excesso de cenas de ação soa estranho para um filme que carrega consigo a “marca” “Jornada nas Estrelas”? Certamente soa. A trama conta com mais ação do que ficção científica propriamente dita? Não resta uma dúvida sequer quanto a isso. Mas ainda assim o filme encontra-se em um patamar muito superior a das produções atualmente padronizadas por Hollywood.

Se a indústria cinematográfica vem, cada vez mais, insultando a nossa inteligência com baboseiras do naipe de “Velozes & Furiosos 4”, “Star Trek” aparece como um colírio para os nossos olhos e, ao invés de zombar do atilamento de seu público alvo, realiza uma trama que, apesar de não ser tão complexa quanto o esperado, é muitíssimo bem vinculada, muitíssimo bem arquitetada e aborda de forma satisfatória questões físicas, astrofísicas e científicas.

“Star Trek” provavelmente não é a obra-prima que os fãs tanto esperavam, mas ainda assim revela-se uma agradabilíssima sessão nostálgica e faz jus aos mais clássicos momentos de toda a saga televisiva e cinematográfica que marcou uma geração inteira de adolescentes (que agora são nossos pais). A trama é suficientemente interessante, apesar de não ser tão complexa quanto o esperado; o elenco cumpre muito bem as suas funções; as cenas de ação, apesar de excessivas, são eletrizantes e extremamente bem dirigidas por J. J. Abrams, que realiza aqui o seu melhor trabalho direcionado à sétima Arte.

E se encerro no clichê, é porque não vejo outro modo de fazê-lo, mas enfim: “vida longa e próspera à nova investida cinematográfica da franquia “Star Trek”.”.

Avaliação Final: 8,0 na escala de 10,0.

Festival de Cinema de Cannes - Vencedores

2009-05-26T13:38:00.000-03:00

Chega de poemas pseudo-intelectuais destrutivos e autodestrutivos. Voltemos, felizmente (ou não), a falar de Cinema. Saiu ontem (pois é, estou publicando esta matéria com atraso) os vencedores do Festival de Cinema de Cannes, conhecido apenas como Festival de Cannes (que, diga-se de passagem, é mil vezes mais justo e confiável que o Oscar®), onde o prêmio máximo é a Palma de Ouro®. O grande vencedor foi o filme do polêmico Michael Haneke (“Violência Gratuita”), Das Weisse Band (e não me perguntem a tradução literal disso, pois o meu alemão ainda é fraco, ou como dizem naquele idioma: “Mein Deutsch ist noch schwach”), um drama de guerra adaptado em uma vila rural da Alemanha pré-Primeira Guerra Mundial. Vamos aos demais filmes e aos seus respectivos prêmios:

Palma de Ouro
Das Weisse Band, de Michael Haneke

Grande Prêmio
Un Prophète, de Jacques Audiard

Melhor Direção
Brillante Mendoza por Kinatay

Melhor Roteiro
Spring Fever, de Lou Ye

Camera d´Or
Warwick Thornton por Samson and Delilah

Camera d´Or - Menção Especial
Ajami, de Scandar Copti e Yaron Shani

Prêmio do Júri
Fish Tank, de Andrea Arnold
Bakjwi, de Park Chan-Wook

Melhor Atriz
Charlotte Gainsbourg por Anticristo

Melhor Ator
Christoph Waltz por Bastardos Inglórios

Palma de Ouro - Melhor Curta
Arena, de João Salaviza

Menções Especiais - Curtas
The Six Dolar Fifty Man, de Mark Albiston e Louis Sutherland

Un Certain Regard - Prêmio Principal
Kynodontas, de Yorgos Lanthimos

Un Certain Regard - Prêmio do Júri
Police, Adjective, de Corneliu Porumboiu

Un Certain Regard - Prêmio Especial
No One Knows About Persian Cats, de Bahman Ghobadi, e Father of My Children, de Mia Hansen-Love

Cinefondation
1º lugar: Baba, de Zuzana Kirchnerova-Spidlova
2º lugar: Goodbye, de Song Fang
3º lugar: Diploma, de Yaelle Kayam, e Don´t Step Out of the House, de Jo Sung-hee

Prêmio Especial pelo Conjunto da Obra
Alain Resnais

Fonte: Cinema em Cena

Poema - O Deleite dos Egoístas

2009-05-23T17:09:00.003-03:00

No alto de mais uma dentre minhas inúmeras crises existenciais, compus este poema que, para ser verdade, resume bem a minha ideologia e a minha pregação. Vamos à leitura do mesmo? Com vocês:

O deleite dos egoístas, por Daniel Esteves de Barros

Vivo em uma catártica e sorumbática ilusão
Na esperança de poder encontrar
Respostas que jamais virão
Para que a minha gana possa assim se saciar

Existindo em meio à falsidade
Onde minorias criam Deuses supersticiosos
Encarcerando o que deve ser tomado por verdade
Rasgando inverossímeis estradas que nos remetem a caminhos duvidosos

E o rancor que se debate dentro de mim
Privando-me de quaisquer formas de felicidades
Desesperado para externar até o fim
Uma fúria incontrolável e ideais recheados de desumanidades

A dor é inerente à minha mais forte e atual formação
Oriunda de sonhos completa e injustamente despedaçados
Culpa total de uma sociedade em integral contradição
Que alimenta um Deus sádico que os tornam derrocados

Jeová jaz desmembrado dentro de meu vulto
Matei-o sem quaisquer resquícios humanitários
Sua existência em meu interior consistia um insulto
A todos e quaisquer ideais libertários

E o mesmo recomendo a todo o cidadão de bem
A liberdade que tornará o Homem mais forte
É mister do rancor que dentro de ti provém
E que traz à hipocrisia a sua mais incandescente morte

A verdade, e somente a verdade, virá à tona
Sangue inimigo deverá ser inclementemente derramado
E as crises que a incerteza na humanidade proporciona
Terão o seu incessante fogo devidamente esmiuçado

A aniquilação do código de conduta pseudo-moralista
O extermínio de toda e qualquer forma de lei
A associação à filosofia ativa e gradativamente niilista
Trará ao homem a tão apetecida possibilidade de ser o seu próprio rei

Ilusões falsamente joviais estarão estilhaçadas
Arremessadas contra a irrompível muralha do fidedigno conhecimento
Proporcionando à humanidade bençãos por ela jamais experimentadas
A real tríplice santidade, formada pela ciência, razão e emoção, em esmerado alinhamento

O derruimento de dogmas propagadores da ululação
A volta à natureza e a concepção de ideais intrinsecamente solidificados
Outorgará, enfim, à humanidade inteira, a mais estável convicção
De que a misantropia é, de fato, o revide a todos os problemas por nós edificados

E a completa obliteração desta execrável e tartufa sociedade
Farás de nós indivíduos fortes e decididamente individualistas
Findando, de uma vez por todas, os questionamentos levantados pela humanidade
A resposta de tudo, enfim, encontra-se nas profundezas do nada, o deleite dos egoístas.

Amarcord - * de *

2009-05-22T23:21:00.005-03:00

Há muito tempo não assistia a Fellini e concluí: devo fazê-lo o quanto antes. Oras, o italiano é, talvez, o meu terceiro cineasta predileto (perdendo apenas para Kubrick, Godard e empatando, talvez, com Bergman), por que então não assisti-lo? Fiquei praticamente um ano e meio sem conferir o trabalho de um dos maiores mestre do Cinema italiano e a situação estava soando insustentável. Não poderia ficar sequer mais um único dia de minha vida tão afastado do lirismo “felliniano”. Não resisti, fui à locadora, encontrei o DVD na prateleira dos filmes de Arte, peguei-o com as duas mãos (mesmo sabendo que ninguém mais iria passar na minha frente para levar o filme para casa, afinal de contas, quem vai a uma locadora com o intento de assistir a Fellini?) e trouxe-o para casa. O resultado desta experiência? Leiam à crítica abaixo e comprovem por si mesmos.

Ficha Técnica:

Título Original: Amarcord.

Gênero: Comédia.

Tempo de Duração: 127 minutos.

Ano de Lançamento (Itália / França): 1973.

Países de Origem: Itália e França.

Direção: Federico Fellini.

Roteiro: Federico Fellini e Tonino Guerra.

Elenco: Armando Brancia (Aurelio Biondi), Pupella Maggio (Miranda Biondi), Bruno Zanin (Titta Biondi), Magali Noël (Gradisca), Ciccio Ingrassia (Teo), Nando Orfei (Pataca), Luigi Rossi (Advogado), Gianfilippo Carcano (Don Baravelli) e Josiane Tanzilli (Volpina).

Sinopse: Através dos olhos de Titta (Bruno Zanin), um garoto impressionável, o diretor dá uma olhada na vida familiar, religião, educação e política dos anos 30, quando o fascismo era a ordem dominante. Entre os personagens estão o pai e a mãe de Titta, que estão constantemente batalhando para viver, além de um padre que escuta confissões só para dar asas à sua imaginação anti-convencional.

Fonte Sinopse: Adoro Cinema

Amarcord – Trailer:

Crítica:

Como fã incondicional de Fellini e Bergman, não consigo me decidir entre um dos dois. Quem é melhor, o italiano ou o sueco? O bem humorado ou o depressivo? Cada qual tem o seu estilo próprio de abordar as questões existenciais vivenciadas por nós, meros mortais, mas quem realiza melhor o seu trabalho? Difícil dizer. Ambos convencem, e muito, em suas respectivas intenções.

Se Bergman nos faz refletir sobre as nossas existências em “Gritos e Sussurros”, Fellini o faz tão magistralmente quanto (ou talvez, de maneira até melhor) em “8 e ½”. Se Bergman critica a hipocrisia social em “Persona – Quando Duas Mulheres Pecam”, Fellini o faz tão magistralmente quanto (ou talvez, com um pouco menos de intensidade) em “A Doce Vida”.

Mas enfim, por que estou batendo tanto em cima de ambos os diretores? Simples, porque ambos nos remetem aos mesmos questionamentos, só que os dois encontram-se em polaridades estupidamente diferentes.

Se Bergman se mostra em crise existencial constante e nunca/raramente oferece solução/soluções para tal, Fellini já tem um pensamento mais positivo, e boa parte de suas obras são depreendidas com um final feliz (e em momento algum isso pode ser encarado negativamente, já que Fellini sabia, como poucos, criar finais felizes pouco/nada artificiais). Quiçá “Amarcord” seja o filme que melhor diferencie um dos maiores gênios (senão o maior) do Cinema italiano do maior gênio do Cinema sueco, e prove, de fato, que ambos realmente abordam assuntos muito parecidos, mas em polaridades amplamente diferentes.

Revelando-se, talvez, como o trabalho mais positivista dentre os demais exemplares “fellinianos”, ouso mencionar que “Amarcord” muito provavelmente seja uma ode que o cineasta almejou realizar sobre a concreta possibilidade de se encontrar a felicidade plena e absoluta nas coisas mais simples da vida. Não seria inverossímil de minha parte, portanto, mencionar também que, possivelmente, este seja o motivo pelo qual o filme não tenha uma grande trama por trás de si. Afinal de contas, o roteiro trata de pessoas simples, com cotidianos ainda mais simples. Veja o nosso próprio caso. Somos, na grande maioria das vezes, indivíduos que apenas passamos pela vida, sem vivenciar momentos excepcionais e marcantes a ponto de tornaram-se um filme. E isto é necessariamente ruim? Depende, tudo varia de acordo com a forma com a qual encaramos nossas vidas. Para quem sabe admirar a beleza na simplicidade, o cotidiano de uma reles cidadezinha no litoral da Itália pode ser um paraíso.

Mas “Amarcord” é também uma crítica à completa alienação. Uma condenação à hipocrisia social, tomando como base para tal um grupo de pessoas que viviam em meio a um sistema fascista e totalitarista, e que parecia aceitar o mesmo sem problemas. Ao mesmo tempo em que presenciamos um povo simples, humilde e satisfeito com a própria vida, tomamos ciência também de que estamos diante de um aglomerado de seres humanos alienados, conformistas e (por que não dizer?) ufanistas, que sentem orgulho de fazer parte de um sistema econômico e de um regime militar que os usa como meras ferramentas para o triunfo de uma pequena, mas dominante, minoria.

“Amarcord” nos propõe então o debate acerca de uma polêmica questão: o que é melhor? Viver humildemente e levar uma vida feliz, mesmo sendo gritantemente manipulado por uma minoria, ou abandonar todos os ideais conformistas que podemos ter e corrermos o risco de sermos repreendidos por esta mesma minoria (assim como um personagem que é torturado pelos fascistas logo após ser tachado de comunista)?

A produção, no entanto, não é somente um debate político-social-existencial. Fellini, por mais que negue com veemência, parece ter utilizado a sua câmera aqui com o intuito de realizar uma espécie de autobiografia (assim como o fez, e assumiu que o fez, em “8 e ½” – o meu ‘Fellini’ predileto e um de meus dez filmes preferidos) e o próprio título desta magnífica obra do Cinema italiano revela-se o grande alcaguete do cineasta, uma vez que “Amarcord” trata-se de uma gíria deveras utilizada na região onde Federico nasceu e significa justamente: “Me recordo”.

E é justamente quando emprega em sua narrativa um fantástico clima de recordação que o longa opta, com sapiência, por focar-se em uma cidadezinha no litoral da Itália, onde podemos nos deparar com os personagens mais peculiares e extravagantes o possível. Começamos com uma ninfomaníaca e vamos até uma mulher absurdamente voluptuosa cujo maior sonho é casar-se com um militar fascista, passando por uma enfermeira anã, um ambulante exageradamente excêntrico, um grupo de pessoas que trabalham durante a vida toda simplesmente para tentar sobreviver, e uma pequena confraria de jovens altamente frívolos que não pensam em outra coisa, se não sexo.

Falando nos jovens, talvez seja neles que Fellini tenha depositado a maior parte da carga autobiográfica do filme, espelhando-se em Titta para nos relatar as suas experiências com a família, a religião, a amizade, a política, o regime militar fascista, e, é claro, o sexo, bem como a aflição pela qual passamos antes, durante e depois da realização do mesmo. Afinal de contas, por mais fútil que possa ser, como podemos negar que o sexo marca, de fato, as nossas vidas?

Mas e quanto ao diretor Fellini? O gênio Fellini? Como ele se sai? Por trás das câmeras, o italiano dá o tom minuciosamente correto à obra. Ele a orquestra como se fosse, de fato, um maestro. Sabe-se-lá como o cineasta consegue tornar possivelmente real um filme com um número considerável de figuras excêntricas. Tanto que, mesmo em meio à excessiva carga fantasiosa da trama (afinal de contas, trata-se de um filme de lembranças, e quem não conta com uma carga fortemente fantástica embutida em suas recordações?), nos sentimos inexplicavelmente familiarizados com a mesma, tornando-se impossível não nos identificarmos com a maior parte do filme.

O cineasta destaca-se também no que se refere à concepção de cenas clássicas. E digo clássicas, pois são atemporais, sendo que poderiam adquirir tal rótulo a partir do momento em que foram exibidas nos cinemas do mundo todo. Como não reconhecer de imediato que sequências como a dos jovens se masturbando no carro, a dos adolescentes dançando em meio a uma neblina, a da nevasca cobrindo a cidade no final do filme transformando-a em uma das mais belas paisagens já vistas na história do Cinema, o casamento que conclui a obra e, principalmente, o passeio de barcos tradicional que se encerra com a passagem do Transatlântico Rex, entre muitas outras, irão marcar o Cinema durante muitos e muito anos?

Realizando uma autobiografia não assumida de sua infância, Fellini faz de “Amarcord” um estupendo debate existencial explicitando dois pontos exacerbadamente diferentes: a possibilidade de se encontrar a felicidade nas coisas mais simples da vida e, ao mesmo tempo, a impossibilidade de se viver tranquilamente perante a um ideal extremamente conformista, que acaba permitindo com que sistemas totalitários, bem como o fascismo, se apoderem de nós, sem nem ao menos nos importarmos com isso. O clima de recordação embutido no roteiro nos soa extremamente familiar e nos cativamos imensamente com os jovens pervertidos sexuais que, deixando a hipocrisia de lado, podem ser espelhados em qualquer um de nós.

O longa talvez falhe apenas no senso de humor excessiva e desnecessariamente pastelão inserido em seu início (e juro que pensei estar assistindo a um “Porky’s” politizado durante alguns momentos), mas nada que comprometa este longa que, assim como “O Poderoso Chefão” (alguma vez já disse que este é meu filme predileto?), revela-se muito mais do que um excelente filme; “Amarcord” mostra-se, na verdade, uma junção de várias cenas clássicas que são projetadas na tela ao longo de, aproximadamente, 120 minutos, e o que é melhor, sob a magistral trilha-sonora composta por Nino Rota (assim como acontecera também em “O Poderoso Chefão”), que parece ter vida própria (e não se surpreenda caso você passe um mês inteiro assoviando-a incansavelmente) e casa-se magistralmente com as maravilhosas imagens que perambulam pela tela.

Avaliação Final: 9,0 na escala de 10,0.

Anjos & Demônios - * de ***

2009-05-19T00:19:00.008-03:00

Serei honesto e sucinto aqui: nunca li livro algum escrito por Dan Brown e nem ao menos assisti a “O Código da Vinci” (e posso dizer com certeza que não perdi nada com isso, muito pelo contrário. Perderia algo se deixasse, por exemplo, de ler um livro escrito por Schopenhauer ou de assistir a um filme dirigido por Bresson) e nem me interessa faze-los durante algum dos longos dias que ainda me restam de vida. O motivo? Simples, várias das pessoas mais estúpidas, alienadas e descartáveis que conheci em toda a minha existência são fãs inveteradas de Dan Brown e, consequentemente, do filme que teve a sua origem baseada no livro que lhe concebeu toda essa fama superestimada (e é óbvio que não menciono isso generalizando ninguém, até mesmo porque, conheço também muitas pessoas inteligentes e notáveis que também são fãs incondicionais de Dan Brown). Levando tudo isso em conta, por que eu iria perder o meu precioso tempo com tamanha bobagem, se posso dedicá-lo à filosofia alemã, ou seja, à filosofia responsável pelo surgimento dos dois sistemas econômicos mais fortes já criados: o comunismo e o nazismo (que, sejamos francos, só não derrotaram o capitalismo pois foram poucos os países que tiveram a audácia de adota-los)? Mas no fim das contas eu até que considerei “Anjos & Demônios” um filme interessante, apesar de ser unicamente bom e nada mais.

Ficha Técnica:
Título Original: Angels & Demons.
Gênero: Suspense.
Tempo de Duração: 138 minutos.
Ano de Lançamento: 2009.
Site Oficial: http://www.anjosedemoniosofilme.com.br/
País de Origem: Estados Unidos da América.
Direção: Ron Howard.
Roteiro: David Koepp e Akiva Goldsman, baseado em livro de Dan Brown.
Elenco: Tom Hanks (Robert Langdon), Ewan McGregor (Camerlengo Patrick McKenna), Ayelet Zurer (Vittoria Vetra), Nikolaj Lie Kaas (Assassino), Stellan Skarsgard (Comandante Richter), Pierfrancesco Favino (Inspetor Olivetti), Armin Mueller-Stahl (Cardeal Strauss), Thure Lindhardt (Chartrand), David Pasquesi (Claudio Vincenzi), Cosimo Fusco (Padre Simeon), Victor Alfieri (Tenente Valenti), Franklin Amobi (Cardeal Lamasse), Curt Lowens (Cardeal Ebner), Bob Yerkes (Cardeal Guidera), Marc Fiorini (Cardeal Baggia), Howard Mungo (Cardeal Yoruba), Rance Howard (Cardeal Beck), Steve Franken (Cardeal Colbert), Gino Conforti (Cardeal Pugini), Elya Baskin (Cardeal Petrov), Carmen Argenziano (Silvano Bentivoglio) e Thomas Morris (Urs Weber).

Sinopse: O professor de simbologia Robert Langdon (Tom Hanks), depois de decifrar o código DaVinci, é chamado pelo Vaticano para investigar o misterioso desaparecimento de quatro cardeais. Agora, além de enfrentar a resistência da própria igreja em ajudá-lo nos detalhes de sua investigação, Langdon precisa decifrar charadas numa verdadeira corrida contra o tempo porque a sociedade secreta por trás do crime em andamento tem planos de explodir o Vaticano. (Roberto Cunha).

Fonte Sinopse: Adoro Cinema

Angels & Demons – Trailer:

Crítica:

Dan Brown é considerado um terrível engodo de acordo com a opinião de inúmeros críticos literários espalhados pelo mundo todo. Seus livros, segundo tais jornalistas, são dotados de muita criatividade e conseguem cumprir o objetivo de entreter o seu público alvo, mas suas estórias geralmente acabam dando origem a situações que beiram o absurdo. Isso sem contar, é claro, que as obras de sua autoria são escritas com uma incompetência estilística fora do comum, além de contarem com uma pobreza literária terrível. Pois conforme mencionei na pré-crítica deste filme, não li, e nem pretendo ler, qualquer um de seus livros que seja, mas se tomar por base este “Anjos & Demônios”, posso dizer que a descrição tecida pelos meus colegas de profissão da outra vertente artística encaixa-se perfeitamente nesta obra cinematográfica.

Criatividade é algo que não falta no filme “Anjos & Demônios”, muito pelo contrário, eu diria que até sobra. Sim, sobra, pois o roteiro, com o prévio perdão pela gíria que virá a ser empregada, “viaja na maionese”. Não, em momento algum “viajar na maionese” precisa ser necessariamente encarado como um defeito do longa, ao menos não desse longa em questão. A trama é, de fato, muito original, embora muitas vezes extrapole as margens do que tomamos por verossímil. A produção se mostra gritantemente artificial em alguns pontos, mas não há como não nos cativarmos com a mesma, nem que seja apenas para ver até quando o roteiro conseguirá sustentar-se com uma trama tão “viajada” (estou empregando gírias demais nesse texto, não?) quanto esta daqui.

Mas se por um lado a trama é “viajada” demais (leia-se (exclusivamente neste caso), criativa em excesso), por outro lado o diretor Ron Howard se perde visivelmente durante a condução da mesma. Além do cineasta raramente movimentar a sua câmera no decurso do filme, quando ele finalmente decide o fazer realiza um trabalho digno de lamentações, uma vez que perde completamente o foco daquilo que está tentando filmar (algo que deve ser execrado ao máximo neste caso, pois estamos diante de uma obra de suspense e o jogo de movimentação de câmeras pode, ou não (como acontece aqui), ser fundamental para conferir à trama a intensidade a qual a mesma precisa para funcionar corretamente).

E não só a mão pesada de Howard atrapalha no desenvolvimento do filme, como também a insegurança do diretor. Aliás, sua direção se revela tão insegura aqui que, na certeza que o próprio cineasta parece ter de que não está conseguindo criar um clima de suspense imprescindível à obra, acaba empregando uma trilha sonora para lá de maniqueísta para tal. A propósito, há muito tempo não assistia a uma tergiversação tão grande para que se fosse adotado tão evidentemente o emprego de cantos gregorianos a todo o instante. A trilha sonora de “Anjos & Demônios” acaba, infelizmente, revelando-se incomoda, artificial e inconveniente, e, francamente, se o “troféu” Framboesa de Ouro abrangesse tal quesito, o mais novo filme de Ron Howard deveria, obrigatoriamente, ser indicado à premiação.

As atuações também são patéticas. Tom Hanks encarna o seu personagem conferindo ao mesmo uma boa (e apenas boa) dose de carisma, mas faltou muita empolgação ao ator, que também encontra-se extremamente fora de forma (não tanto quanto este que vos escreve, mas encontra-se) para encarnar um personagem tão ativo quanto o Professor Langdon. Ayelet Zurer, por sua vez, revela-se como a grande fragilidade do elenco. A atriz encarna a sua personagem com uma inexpressividade que há muito tempo eu não via no Cinema. Além de insossa, Zurer aparenta ser extremamente antipática e não convence em momento algum (bem como a sua personagem). Ewan McGregor é o grande destaque dentre os atores. Utilizando um tom de voz altamente terno, o ator transfere ao seu personagem a sutileza que lhe é cogente e faz com que o

seu camerlengo realmente se mostre um típico padre católico. E não é culpa do ator se o roteiro opta por (e se você ainda não assistiu a esse filme, aconselho que pule para o próximo parágrafo e pare de ler este aqui imediatamente) transformar Patrick McKenna em um moço bom demais, fazendo com que todo o espectador que tenha algum conhecimento em literatura policial/suspense desconfie logo de cara que ele é o grande vilão da estória (a culpa é sempre dos que aparentam ser bonzinhos, um grande clichê do gênero), fazendo com que a mesma revele-se muito previsível.

E já que critiquei o modo como o roteiro desenvolve o personagem de Ewan McGregor no final do parágrafo acima, farei a mesma coisa com os demais personagens neste parágrafo. Não restam dúvidas de que a grande falha do filme reside no desenvolvimento de seus personagens. O Professor Langdon aparece aqui mais como uma releitura do excepcional e inesquecível Sherlock Holmes do que qualquer outra coisa. Seja pelo excesso de racionalidade que o personagem de Tom Hanks demonstra, seja pelo fato dele formar conclusões corretas rápido demais, a criação de Brown aparece aqui mais como uma cópia moderna da criação de Sir Arthur Conan Doyle. Fraco também é o desenvolvimento da Dra. Vetra. A princípio, ela aparece como uma importantíssima física e, repentinamente, desponta como uma grande conhecedora de história católica, sem mais, nem menos. Mas pior mesmo é o assassino do filme (cujo nome nem me lembro, e também não faço muita questão de me lembrar). Encarando as pessoas sempre com um olhar ameaçador e dando sorrisinhos a fim de provocar os seus oponentes, o personagem se revela extremamente inverossímil, principalmente em uma cena em que tem totais condições de matar o protagonista e, sabe-se lá o porquê, não o faz. E é claro que, para obter êxito em suas missões, o assassino mata todos que vê pela frente, salvo os protagonistas que sempre são poupados por ele.

Mas não pense que “Anjos & Demônios” é um filme ruim. De forma alguma, está muito longe disso. Além da trama ser deveras criativa (conforme já fora mencionado) e contar com uma abundância em detalhes (o filme dá um show de história católica e Dan Brown realmente mostra que sabe do que está tratando, seja quando o assunto se foca no Vaticano, seja quando se foca em seitas como a Illuminati), ela se revela suficientemente inteligente (apesar de excessivamente absurda em diversos momentos) e interessante para nos prender até o seu último segundo, sem nem ao menos nos preocuparmos com os 140 minutos de projeção. E não bastasse a estória contar com tantas qualidades como as mencionadas há pouco, ela ainda se revela bastante inteligente quando enfoca o eterno conflito entre ciência/religião, utilizando para tal dois grandes representantes da mesma: o recente LHC e o Vaticano.

Longe de poder ser rotulada como um amontoado de argumentos anti-católicos, assim como fora considerada a obra literária que lhe serviu de inspiração, “Anjos & Demônios” chega aos cinemas contando com uma trama inteligente, bem arquitetada e divertida, apesar de absurda, megalomaníaca e inverossímil em diversos pontos. Em outras palavras, o filme parece fazer questão de ratificar tudo aquilo que os críticos de literatura vem falando há anos sobre o trabalho do superestimado Dan Brown.

Avaliação Final: 6,0 na escala de 10,0.

O Equilibrista - de *

2009-05-16T19:34:00.006-03:00

Pela primeira vez em minha vida... não, esperem um momento... pela segunda vez em minha vida critico um documentário. A primeira vez foi um pequeno texto (lembram-se daquele formato de 25 linhas o qual utilizava para escrever as minhas opiniões antigamente?) que fiz sobre o ótimo “Some Kind of Monster”, que narra a crise pela qual os quatro músicos que formam o Metallica passou antes da gravação do CD “St. Anger” (que, ao contrário da grande maioria dos headbangers, considero-o ótimo). Escrevi o texto, mas não cheguei a publicá-lo (ou será que o publiquei na época em que escrevia para o Papo Cinema? Provavelmente não), destarte, esta é a primeira vez que disponibilizo uma crítica de minha autoria direcionada a um filme do gênero documentário (sim, acabei de comprar uma caixa de rojões e estou disparando-os contra o céu e correndo pelas ruas cantando e chorando de felicidade). Vamos ao texto.

Ficha Técnica:
Título Original: Man on Wire.
Gênero: Documentário.
Tempo de Duração: 90 minutos.
Ano de Lançamento: 2008.
Site Oficial: http://manonwire.com
Países de Origem: Estados Unidos da América e Inglaterra.
Direção: James Marsh.
Elenco: Philippe Petit, Jim Moore, Annie Allix, Jean-Louis Blondeau, David Forman, Barry Greenhouse, Jean François Heckel e Alan Welner, Paul McGill (Philippe Petit), Ardis Campbell (Annie), David Demato (Jean Louis), David Roland Frank (Alan).

Man on Wire – Trailer:

Crítica:

Documentário geralmente é sinônimo de filme frio e banhado de entrevistas e/ou depoimentos que visam relatar um fato comum (“Some Kind of Monster”), ou um fato político (“Um Táxi Para a Escuridão”), ou então defender uma tese (“Supersize-me – A Dieta do Palhaço”), ou até mesmo adotar um caráter amplamente investigativo, trabalhando como uma forma de fonte de informação alternativa que nos traz à tona fatos que são ocultados do público em geral (“S.O.S. Saúde”). O quê? Ah, sim, claro, existem muitos outros formatos de documentário, mas por ora, fiquemos apenas com estes, tudo bem?

Vez ou outra, no entanto, surgem algumas obras deste gênero que acabam sendo difíceis de se encaixar em qualquer uma dessas subcategorias (se é que posso alcunhá-las de subcategorias). “O Equilibrista”, por exemplo, não trata de um acontecimento político qualquer, nem defende tese alguma, muito menos traz à tona fatos que são escondidos do público e nem se assume como relato do cotidiano de uma pessoa (ou de um grupo delas, como é o caso do recente “Flight 666”, que, infelizmente, ainda não assisti, o que é lamentável vindo de um fã incondicional de Iron Maiden, como é o caso deste que vos escreve). Do que o filme trata então? E o mais importante, o que faz com que ele seja digno de toda a fama que acumulou durante a corrida pelo Oscar® (tanto que faturou o prêmio de Melhor Documentário deste ano)?

A primeira questão proposta no parágrafo acima é facílima de ser respondida. O filme trata da aventura de um indivíduo cujo propósito existencial resumia-se a cruzar dois pontos distintos equilibrando-se apenas em um cabo de aço que é ligado entre ambos os locais. O problema é que ele decidia realizar tais feitos em lugares altíssimos, cujo risco de morte era mais elevado do que a minha pressão arterial (piadinha sem graça essa, não? Mas o que seria de um crítico de Cinema sem as suas piadinhas sem graça?) e, no ápice de sua carreira (e por que não dizer, loucura?), o protagonista Philippe Petit decide cruzar as torres gêmeas que formavam o recém extinto World Trade Center. E é justamente isso o que o filme aborda: os bastidores de tal travessia insana.

E quanto à segunda questão? Ah, essa já se mostra material o suficiente para se redigir uma crítica inteira. O que faz de “O Equilibrista” um documentário digno de toda a fama que vem recebendo? Primeiramente, creio que seja o fato de a “trama” focar-se justamente no World Trade Center, edifício este que pode ser considerado o símbolo máximo do atentado que se revelou o divisor de águas entre as Eras Pré e Pós 11 de Setembro. É interessante ratificarmos, através desta obra, a ingenuidade estadunidense quanto à sua segurança interna que, no final das contas, não era tão invulnerável quanto muitos julgavam ser (note o modo como Philippe se infiltra no prédio e chega ao último andar do mesmo).

Mas acima de tudo, creio que o sucesso desta fita, bem como o grande destaque da mesma, resida, de fato, no modo cativante como ela desenvolve os seus personagens, bem como o quão empenhados e persistentes estes se mostram a fim de tornarem o seu sonho uma visível realidade. Indo na contramão da grande maioria dos documentários, “O Equilibrista” opta, felizmente, por não adotar a frieza característica do gênero (e isto é, certamente, o que a obra nos oferece de melhor) e tenta desenvolver os seus personagens da maneira mais encantadora o possível, através de entrevistas e depoimentos honestos. Como não se identificar com o protagonista na cena em que testemunhamos os “esforços” por ele empregados a fim de destacar uma página de uma revista em um consultório dentário? Como não sentirmos na pele a aflição pela qual ele passa quando corre sério risco de ser apanhado pelos guardas do World Trade Center, quando se esconde debaixo de uma lona no último andar do edifício? E é claro, como não nos perturbarmos quando presenciamos Philippe andando sobre um cabo de aço em uma altura de 321 metros?

Todos esses são pontos que transformam “O Equilibrista” em um documentário bem diferente do que o que estamos acostumados a testemunhar e, se o fato de poder assistir a um homem andando sobre um cabo de aço a 321 metros de altura do chão não acrescenta absolutamente nada em nossas vidas, a fé e a perseverança por ele empregadas (e por sua equipe também) acrescentam, e muito.

Destaque para as “atuações” (se é que posso as chamar assim) de Philippe Petit e dos demais “atores” (se é que posso os chamar assim, também) que conferem um tom de naturalidade incrível a obra (e como não se identificar com o protagonista visto a expressividade, o carisma e o entusiasmo dele?). Ponto positivo também para a direção simplesmente fantástica de James Marsh que, além de conferir à obra a sensibilidade necessária para que ela funcione corretamente, ainda emprega muitas técnicas do tipo “takes aéreos”, “travellings” e “deep focus”.

Ponto negativo para a fotografia que, desnecessariamente, abusa do preto e branco em cenas onde não há necessidade para o uso de tal.

Avaliação Final: 8,5 na escala de 10,0.

Velozes & Furiosos 4 - de ***

2009-05-14T00:24:00.009-03:00

Sei que havia prometido, através do Twitter, que a próxima crítica que iria escrever seria a de “O Equilibrista”, mas acontece que acabei de sair da sessão deste “Velozes & Furiosos 4” e o filme está bem nítido em minha mente, logo, prefiro comentá-lo agora mesmo (isso sem contar que, não sejamos hipócritas, um filme como este atrai muito mais leitores ao blog do que um documentário como “O Equilibrista”). Já disse mil, quinhentas e noventa e sete vezes (1.598 agora, neste exato momento) que procuro evitar estabelecer conceitos prévios (leia-se pura e simplesmente, preconceitos, caso prefira) acerca de um filme antes mesmo de assistí-lo. Entretanto, em muitos casos é impossível não fazê-lo. Como não me encher de ânimo antes de assistir a um filme de Martin Scorsese ou de Woody Allen (apenas para citar dois exemplos)? Seguindo a contra-mão, como não nutrir forte receio ao saber que terei como missão acompanhar a mais um episódio da série “Velozes & Furiosos” (que é uma das coisas que mais execro (se não a que mais execro) quando o assunto em pauta é Cinema)? Mas desta vez confesso que me surpreendi. Juro que esperava muito mais nugacidades por parte do roteiro. Enfim, vamos ao texto, onde deixarei mais clara a minha opinião.

Ficha Técnica:

Título Original: Fast & Furious.
Gênero: Ação.
Tempo de Duração: 107 minutos.
Ano de Lançamento: 2009.
Site Oficial: www.velozesefuriosos4ofilme.com.br
País de Origem: Estados Unidos da América.

Direção: Justin Lin.

Roteiro: Chris Morgan, baseado nos personagens criados por Gary Scott Thompson.

Elenco: Vin Diesel (Dominic Toretto), Paul Walker (Brian Spindler), Michelle Rodriguez (Letty), Jordana Brewster (Mia Toretto), Rick Yune (Johnny Tran), Beau Holden (Ted Gessner), Thom Barry (Sargento Bilkins), Reggie Lee (Lance Nguyen), Ted Levine (Sargento Tanner), Chad Lindberg (Jesse), Vyto Ruginis (Harry), Ja Rule (Edwin), Matt Schulze (Vince) e Johnny Strong (Leon).

Sinopse: Domenic Toretto (Vin Diesel) é o líder de uma gangue de corridas de ruas em Los Angeles que está sendo investigado pela polícia por roubo de equipamentos eletrônicos. Para investigá-lo é enviado Brian Spindler (Paul Walker), que se infiltra na gangue na intenção de descobrir se Toretto é realmente o autor dos crimes e se há alguém mais por trás deles.

Fonte Sinopse: http://www.adorocinema.com/filmes/velozes-e-furiosos-4/velozes-e-furiosos-4.asp

Fast & Furious – Trailer:

Crítica:

É a primeira vez que vou aos cinemas conferir a um filme da saga “Velozes & Furiosos”. Quando os outros três episódios da série encontravam-se em cartaz, não tinha coragem de torrar dinheiro tão levianamente. Contudo, agora tenho carteirinha de crítico, escrevo para um periódico de uma cidade vizinha (cujo nome não estou autorizado a revelar pela internet) e posso entrar gratuitamente nos cinemas. Pensei: “___ Afinal de contas, por quê não “Velozes & Furiosos 4”?. Independentemente se a crítica for positiva ou negativa, ela atrairá uma quantidade satisfatória de leitores, não?” Decidi então ir ao cinema local assistir ao filme.

Já havia assistido a todos os outros três episódios que formam a série (e juro que não estou dizendo isso para me gabar, afinal de contas, por que me gabaria de algo tão esdrúxulo?), mas o fiz em DVD. Lembro-me de que, ao assistir ao primeiro filme, concluí que o mesmo tratava-se de uma descarada releitura (e olhe que estou sendo deveras eufemista aqui, pois a palavra “plágio” se encaixaria muito melhor que “releitura” nesta situação) de “Caçadores de Emoção”, com Keanu Reeves e Patrick Swayze. Em outras palavras, tratava-se de uma porcaria copiando outra porcaria, o que viria resultar em uma porcaria ainda maior.

O filme nada mais era do que o maior oceano de futilidades que a sétima Arte já havia presenciado até o presente momento (pouco tempo mais tarde, “Jackass – O Filme” viria a concorrer ao posto). Mulheres gostosonas e burras que se interessam por caras gostosões e burros que vivem em torno de um mundo ainda mais burro, onde pessoas com um visível complexo de inferioridade literalmente se matam a fim de ver quem chega em primeiro lugar em uma corrida, como se tal façanha fosse mudar o mundo para pior, ou para melhor. O que víamos então era um paraíso machista, banhado de mulheres gostosas com shortinhos excessivamente curtos (não que eu me incomode com isso, muito pelo contrário, mas enfim...), carrões “tunados” que são utilizados para medir o grau de superioridade entre os seus respectivos proprietários, cerveja, hip-hop, gírias ridículas, e tudo o que o decadente mundo capitalista pode nos oferecer de pior.

Não bastasse toda a podridão supracitada, ainda nos damos de cara com arcos dramáticos abomináveis. Personagens ridículos dão às caras (e o roteiro faz das tripas, coração, para fazer com que nos cativemos com eles), situações ainda mais ridículas começam a brotar e, não bastasse tudo isso, o filme ainda plagia (agora sim tive de utilizar esta palavra, não teve escapatória) a química estabelecida entre Reeves e Swayze, tentando formar uma dinâmica entre Paul Walker e Vin Diesel. É claro que não funciona. Mas o primeiro filme, apesar de ser um dos grandes responsáveis por essa juventude burra que assombra o mundo nos dias atuais (eles sabem montar e desmontar um carro inteiro, mas não sabem nem ao menos a diferença entre políticos de direita e políticos de esquerda), contava com os seus momentos de adrenalina e nos proporcionava um ou outro momento de tensão. O segundo episódio, por sua vez, nem isso faz, e o terceiro consegue cair ainda mais neste quesito.

Eis que surge o episódio 4 e a série que já se iniciou sem quaisquer resquícios de criatividade e/ou originalidade, aparenta chegar ao ápice de sua incapacidade inventiva. A começar pelo título. Se o episódio 2 (que é o pior de todos, ou seria o episódio 3? Dúvida cruel, hein? Creio que fique com o terceiro mesmo) teve, ao menos, a ousadia (gargalhadas) de alterar o seu título, e o sucessor mostrou-se digno de, no mínimo, criar um subtítulo (ainda que este seja ridículo), o quarto capítulo desta ignóbil quadrilogia (isso se não inventarem ainda mais filmes por aí) nem isso fez. Optou por chamar-se simplesmente “Velozes & Furiosos 4” e ponto final.

Aí começa o filme. O personagem interpretado pelo atual canastrão mor, Vin Diesel, volta do Panamá para investigar a morte de sua ex-namorada (era a namorada dele mesmo? Juro que nem me lembro (e nem faço questão de me lembrar) de qual era o grau de relacionamento deste para com a finada). O destino faz com que ele cruze o caminho de um velho conhecido, Brian Splinter (Paul Walker) - protagonista do longa original - e inferimos então que a produção é, de fato, uma continuação direta do primeiro filme (o que torna os outros dois episódios intermediários ainda mais desnecessários do que já o são).

Novamente a péssima química estabelecida entre Paul Walker e Vin Diesel (é difícil saber quem é o pior ator entre eles, não?) vem à tona, mas desta vez os realizadores tiveram o bom senso de observar que não há necessidade de se investir muito em arcos dramáticos frívolos. Os produtores, o roteirista (mas essa porcaria tem roteiro?) e o diretor provavelmente pensaram: “___ Porra (com o tardio perdão pela palavra), esse é um filme feito para pessoas burras. Pessoas que nem ao menos sabem que o mundo está passando por uma crise econômica. Para quê vamos nos preocupar com a estória, ou, principalmente, com a química entre os protagonistas? Eles querem só ação, então vamos dar ação a eles.”.

É a partir deste momento que “Velozes & Furiosos 4” (com o perdão pela redundância altamente desnecessária que virá a seguir) se revela unicamente um filme veloz e furioso. Muita ação, pouca estória, pouca inteligência e (quem diria?) pouca nugacidade. Ou melhor, pouca futilidade se o compararmos com os antecessores. Neste quarto episódio tem carrões? Tem sim, senhor. Tem a câmera do diretor realizando um travelling enquanto foca a bunda de uma hispano-americana saindo do carro utilizando um short curtíssimo? Tem sim, senhor. Tem Vin Diesel “pagando” de machão? Tem sim, senhor. Tem lesbianismo barato e promíscuo? Tem sim, senhor. Tem hip-hop? Tem sim, senhor. Mas acreditem, ou não, tem tudo isso em doses homeopáticas.

Por mais incrível que possa parecer, o filme revela-se unicamente uma aventura policial carregada de clichês, mas que conta com um ritmo interessante, do tipo “desligue o cérebro e coma pipoca, mas muita pipoca mesmo”. Finalmente, aquele excesso de corridas despropositais dá uma sossegada aqui neste quarto episódio, e quando elas acontecem, são realizadas de um modo que realmente acabe nos criando uma ou outra tensão, além de ter um escopo (pequeno, mas tem) no contexto geral do roteiro (e, particularmente, adorei o primeiro “pega”, bem como a importância que o diretor conferiu à utilização de GPS’s durante o desenrolar da mesma).

É provável que “Velozes & Furiosos 4” seja o episódio da série que menos contenha futilidades embutidas em seu roteiro (se é que isto aqui possui um roteiro), o que, sejamos francos, não quer dizer lá muita coisa. De qualquer forma, salva-se como uma fita de ação despretensiosa e descerebrada, igual a essas que são exibidas uma única vez na Tela Quente e, logo de cara, se veem relegadas a um Domingo Maior (isso, é claro, se não forem encaminhadas diretamente ao SBT ou a Record, o que é mais provável).

Obs.: O final do filme foi tão ridículo que, assim que começaram a ser exibidos os créditos, abandonei a sala. No entanto, fui o único que tomou tal atitude, sendo que os demais infelizes... digo... os demais espectadores, permaneceram em suas poltronas, o que indica que o filme provavelmente conta com uma cena extra inserida em seus créditos. Agora, sejamos francos, se o final já se revelou um dos piores da história do Cinema (um ônibus que conta com prisioneiros da mais alta periculosidade e nem ao menos é escoltado pela polícia? Truco, papudo! É impressionante como Hollywood zomba da inteligência de seus espectadores. Apesar de que é de se esperar que os espectadores de “Velozes & Furiosos” não contem com um pingo de inteligência sequer, não é mesmo?), o que se pode esperar então de uma cena extra inserida entre os créditos?

Avaliação Final: 4,0 na escala de 10,0.

Twitter

2009-05-11T12:57:00.002-03:00

Eu tentei... juro que tentei resistir a esse tal de Twitter, mas a curiosidade falou mais alto.

Enfim, aqueles que se interessarem em nos seguir através desta nova ferramenta virtual, favor clicar no link abaixo:

Twitter - Cine-Phylum

Obs.: Quem optar por seguir o blog pelo Twitter poderá ficar atualizado sobre cada mudança que for realizada por aqui, sobretudo a postagem de novas críticas, além de ficar informado sobre o enfadonho cotidiano deste que vos escreve.

Filmes de Estréia, Sexta-Feira, 08 de maio de 2009

2009-05-10T23:22:00.006-03:00

Estou com a cabeça na lua, esqueci de publicar, na última sexta-feira, o atalho que direcione à crítica de “Um Ato de Liberdade”, filme o qual já assisti a um bom tempo, mas que só estreou no Brasil na última sexta-feira: 08 de maio de 2.009.

Aqui vai:

Um Ato de Liberdade - *** de *****:

“Um Ato de Liberdade” se revela um filme interessante pelas atuações de seu elenco (sobretudo Daniel Craig que está ótimo) e pela sua premissa em si, que acaba, infelizmente, sendo desenvolvida com pouquíssima sensibilidade pelo diretor Edward Zwick e pelo roteirista Clayton Frohman. A estória, por si só, já se mostra bastante interessante por nunca ter sido retratada pelo Cinema antes (e caso já tenha sido contada, por favor me avisem), bem como o seu protagonista, que não é desenvolvido da maneira que merecia, mas ainda assim nos desperta muita curiosidade.

Clique aqui para ler a crítica completa.

Vicky Cristina Barcelona - * de *

2009-05-09T20:07:00.009-03:00

Assisti a “Vicky Cristina Barcelona” em 30 de dezembro de 2.008 e durante a passagem deste para o último dia do ano, escrevi um breve comentário sobre o filme que acabara de assistir. Confesso que, naquela ocasião, não só a falta de tempo (pois é, é sempre culpa da bendita (ou maldita, que seja) falta de tempo) como também a falta de coragem (isso mesmo, falta de coragem, assumo sem problemas) me impediu de escrever algo sobre o mais recente exemplar dirigido por Woody Allen a chegar ao Brasil. Digo isto pois este mais novo tesouro da filmografia do cineasta judeu deve ser analisado cautelosamente, antes de receber quaisquer avaliações. Quando vi que o filme estava sendo exibido gratuitamente no Cinema Municipal de minha cidade, não pude deixar a oportunidade escapar e pensei: “é agora ou nunca!”. Eis que adentro a sessão, desta vez mais ciente do que iria encarar pela frente, e decido, por fim, escrever mais detalhadamente sobre o mesmo, conforme poderemos acompanhar mais abaixo.

Ficha Técnica:
Título Original: Vicky Cristina Barcelona.
Gênero: Drama.
Tempo de Duração: 96 minutos.
Ano de Lançamento: 2008.
Site Oficial: www.vickycristina-movie.com
Países de Origem: Estados Unidos da América / Espanha.
Direção: Woody Allen.
Roteiro: Woody Allen.
Elenco: Javier Bardem (Juan Antonio), Scarlett Johansson (Cristina), Rebecca Hall (Vicky), Penélope Cruz (Maria Elena), Chris Messina (Doug), Patricia Clarkson (Judy Nash), Kevin Dunn (Mark Nash), Julio Perillán (Charles), Pablo Schreiber (Ben), Carrie Preston (Sally), Zak Orth (Adam), Abel Folk (Jay), Josep Maria Domenech (Julio Josep) e Christopher Evan Welch (Narrador).

Sinopse: Vicky (Rebecca Hall) e Scarlett Johansson (Cristina) são grandes amigas que estão em férias em Barcelona. Vicky procura ser sensata em relação ao amor e está noiva, enquanto que Cristina sempre busca uma nova paixão que possa virar sua cabeça. Um dia, em uma galeria de arte, elas conhecem Juan Antonio (Javier Bardem), um atraente pintor que teve um relacionamento problemático com sua ex, Maria Elena (Penélope Cruz). Ainda naquela noite, durante o jantar, Juan Antonio se aproxima da mesa em que Vicky e Cristina estão, fazendo-lhes a proposta de com ele viajar para Oviedo. Vicky inicialmente a rejeita, mas Cristina aceita de imediato e consegue convencer a amiga a acompanhá-la. É o início do relacionamento conturbado de ambas com Juan Antonio.

Fonte sinopse: www.adorocinema.com.br

Vicky Cristina Barcelona – Trailer:

Crítica:

Quando escrevi um pequeno comentário sobre este filme em 31 de dezembro de 2.008, a primeira palavra que mencionei foi uma singela junção constituída de três vogais, ou seja (‘destucanando’ tudo isso, conforme diria José Simão): “uau!”. Tal onomatopéia visava retratar o esforço intelectual que a obra exigira de mim na ocasião. Agora, assisto a “Vicky Cristina Barcelona” pela segunda vez e novamente inicio um texto sobre o referido longa-metragem com o mesmo termo monossilábico: “uau!”.

O filme realmente exige um grande esforço intelectual por parte do espectador. Não no que diz respeito à compreensão da estória em si, mas sim nos vai-e-vem inseridos na trama, que passam a cobrar da platéia uma participação bastante ativa, pois, do contrário, muitos pontos importantes poderão passar batidos e ocasionarão em constantes dúvidas que certamente acarretarão na não apreciação por completo desta mais nova obra Alleniana.

Aqueles que estão acostumados com os ‘Woody Allen’ de praxe poderão surpreender-se consideravelmente com “Vicky Cristina Barcelona”. Ao contrário dos clássicos absolutos “Noivo Neurótico, Noiva Nervosa” e “Manhattam”, este longa protagonizado por Scarlett Johansson não conta com uma estória simples, muito pelo contrário. A fim de obter êxito na composição de uma trama mais complexa, o cineasta judeu mais neurótico da história do Cinema realiza aqui um florilégio que adota inúmeros aspectos da Nouvelle Vague, trazendo à tona personagens imorais (até certo ponto) e a abordagem referente ao amor que é feita de um modo com que o mesmo passe a ser tratado mais como uma espécie de doença do que uma dádiva ou um sentimento próprio do ser humano.

Inspirando-se ligeiramente (bem ligeiramente mesmo) no perfeito “A Regra do Jogo” de Jean Renoir e no ‘quase tão perfeito o quanto’ “Jules & Jim – Uma Mulher Para Dois” de François Truffaut, Woody Allen faz de “Vicky Cristina Barcelona” uma interpolação mais do que completa sobre os relacionamentos amorosos contemporâneos que estão sendo, cada vez mais, temperados negativamente com as neuroses inerentes à nossa sociedade.

Contando com personagens ainda mais interessantes do que a própria trama em si (que também é espetacular), o roteiro desenvolve um abstruso esboço sobre o modo como o amor é encarado pelas pessoas que seguem as mais alternadas filosofias de vida possíveis. Variamos desde a sensata e centrada Vicky (magistralmente encarnada pela gostos... digo, pela eficiente Rebecca Hall) e terminamos com a problemática e neurótica Maria Elena (ainda mais magistralmente encarnada por Penelope Cruz), passando pelos conservadores Doug, pela empirista e “portadora de insatisfação crônica” (seja lá o que for isso) Cristina (que é interpretada pela monumental Scarlett Johansson (Ahhh Scarlett, se eu não fosse assexuado, ficaria chupando o dedo por você) e sabe perfeitamente o que não deseja, mas não tem a mínima idéia do que realmente deseja) e pelo hedonista Juan Antonio, que leva a vida como se a mesma não tivesse sentido algum e tenta desfrutar apenas os prazeres da mesma, sem assumir quaisquer compromissos que seja.

À primeira vista, a estória revela-se extremamente charmosa e divertida. Os personagens supra vão sendo desenvolvidos normalmente, até que surge Maria Elena na trama. Sucede-se então uma amálgama amorosa nunca vista no Cinema antes (ao menos eu não me lembro de nada parecido) e o roteiro preciso escrito pelo mestre Woody Allen passa a dissecar amor, paixão e sexo de forma ainda mais emaranhada e eficiente do que o vinha fazendo até então. A trama ganha intensidade e se mostra cativante o bastante a ponto de transportar para a tela até mesmo o sujeito fanático por blockbusters, que não dá a mínima para comédias românticas “cabeça” como esta.

O filme começa a empregar características que nos remetem à lembraça de “Jules & Jim – Uma Mulher Para Dois”. Não há como não compara-lo ao filme de Truffaut (apesar de que o seu irmão francês obtém um resultado mais satisfatório). Seja pelo triângulo amoroso que assume um relacionamento aberto e que, aos poucos, ruma a uma neurose altamente doentia, seja pelas cenas praticamente iguais às da obra-prima estrelada por Jeanne Moreau, bem como as que mostram os protagonistas passeando de bicicleta pelas bucólicas rodovias, ou seja pelos personagens libertários, inconsequentes, impetuosos e (por que não dizer?) insanos que amam, deixam de amar, esquecem-se de seus amores, e quando menos se espera, voltam a os amar novamente (se é que pode-se chamar de amor um sentimento tão doentio como o que é adotado aqui).

Curioso, no entanto, é que, após tantos vai-e-vem, tantas reviravoltas, tantas ocorrências; o longa se desfecha (e peço, por gentileza, que aqueles que não assistiram ao filme antes de ler este texto, não termine de ler este parágrafo e pule diretamente ao próximo) da mesma forma que se inicia. Todos os personagens (todos mesmo) voltam à escala zero. Voltam a ser como eram. Talvez seja um modo sutil de Allen retratar que cada um é o que realmente é e, por mais que tentemos fugir desses estereótipos, não nos sairemos bem sucedidos. Ou talvez não, talvez Allen tenha tentado nos passar qualquer outra mensagem que caiba única e exclusivamente a nós ser lucubrada sobre qual seria o sentido da mesma.

Encerro este texto parafraseando a mim mesmo, quando escrevi mais vagamente sobre o filme em questão: “Nunca pensei que fosse dizer isso, uma vez que considero os filmes de Woody Allen extremamente simples, embora reflexivos e subjetivos, mas pela primeira vez em minha vida saí completa e deliciosamente desnorteado de uma sessão Alleniana.”. A diferença é que agora já posso dizer que pela segunda vez em minha vida saí completa e deliciosamente desnorteado de uma sessão Alleniana.

Provavelmente, um dos maiores injustiçados do Oscar 2.009.

Avaliação Final: 9,0 na escala de 10,0.

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